Lunes, 09 de diciembre de 2019 | Año XIX | No: 6949 | CEO: Francisco J. Siller | Dirección General: Rocio Castellanos Rodríguez

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Enrique López Moreno

Enrique López Moreno

Los Monstruos son los Otros. Funk’n’roll, banda de rolas chidas, y la movida de la Nueva Tenochtitlán

México, 25 marzo. - Los Monstruos son los Otros, es un proyecto que nace de la ironía, de un juego entre la seriedad y la broma, línea intangible a un mundo análogo en la Nueva Tenochtitlán.  “Tras un sismo, este proyecto viene desde un  mundo paralelo”, uno que se alimental de diferentes crónicas del pasado para revelarse en el presente. Música de ritmos pegajosos, que harán que movamos los pies al ritmo de una sonidera: funka-rollera.Intentemos este recorrido mental a través de un micro atestada de gente,  que al bajar de ella, en el paradero, entre puestos callejeros, los mismos ritmos aturden nuestros sentidos, abordemos el metro como si fuera un suedo refugio al calor que azota en las calles y avenidas, para hundirnos en otro bajo tierra. Encendamos el celular,  o bien; rescatemos un viejo reproductor de MP3, o un viejo reproductor de Cedés. Con nuestros audífonos demos play a esas rolas con presentación de disco de vinilo colocado a ras del piso.

Ahora sí; platiquemos con Roco Casillas, rolero desmadroso, bajista y fundador de Los Monstruos son los Otros. De mente creativa, ingeniosa y revolucionada, que se desprende de sus ideas la velocidad de un rayo.

¿Cómo surge el proyecto y por qué llamarse así?

Roco Casillas, bajista. - Venimos de otra ciudad, una parecida a la Ciudad de México, llamada Nueva Tenochtitlán, pero  ésta pertenece a otra dimensión.  Allá, ya nos llamaban así. Es muy común que allá las bandas tengas nombres muy largos, por ello, buscamos el nombre más largo que pudimos encontrar, y lo mantuvimos. Pero además, descubrimos que a la gente le gustaba.

¿Por qué usar el funk como estilo narrativo?

Roco. - En el tema del  funk, en realidad nuestro género es el “funk’n’roll”. Pero al parecer no existe aquí todavía, o no existió… Entonces, tuvimos que encontrar un punto intermedio para que la gente medio entendiera, a veces le llamamos “funk – rock”, a veces sólo “funk” y en otras “funk  experimental” (lo que eso signifique). La verdad es que variamos de ritmos. Sobre todo; porque nuestra música más que seguir un premisa genérica, es narrativa. Y para contar las historias de nuestra ciudad, tenemos que usar  recursos de diferentes géneros.  No podemos contar la misma historia con el mismo género.  Sería una ciudad bastante  plana, eso nos ha llevado a exploraciones que van desde el Funk, al Hip-hop, el Son. Ritmo que próximamente saldrá; entonces, hay  un poquito de todo.

¿Quién se encarga de escribir las letras y darle el concepto visual al grupo?

Roco. – Digamos, que yo soy el emisario del funk.  El encargado de recibir las historias de Nueva Tenochtitlán a través de los recuerdos, y los plasmo en las letras. Obviamente, todo lo que hacemos es una colaboración a nivel musical.

Éste es el traje típico de Nueva Tenochtitlán; así veste regularmente la gente por allá. Al parecer aquí no es tan típico. Por eso, sólo lo puedo usarlo en entrevistas y shows. Sobre el concepto, resulta que encontramos a unos hermanos llamados Parliament Funkadelic; que traían una cosa como que muy loca…algo similar.  Y a otro señor, uno llamado Sun Ra, que incluso, en  nuestra dimensión ya era famoso. La cosa es que nos hemos encontrado con otros hermanos que vivieron por esta dimensión, aunque no tuvimos la dicha de conocerlos. Nosotros tratamos de evitar el olvido de nuestra civilización. Ya que esta fue destruida por un gen terremoto; al encontrarnos con la extinción de una cultura lo único que podemos hacer es promoverla; aunque sea de una manera “artificial”. No podemos vivir en la ciudad, pero podemos oír sus canciones. En nuestros  conciertos, tratamos hacer que la gente imagine esta civilización a través de nuestra música.

¿De qué elementos creativos se alimenta Los Monstruos son los Otros, para escribir sus canciones o letras?

Roco. – Tratamos  de escuchar lo que la gente nos cuenta. Recordando las “voces del pasado”. Así como de reconstruir los aspectos que conocimos de nuestra ciudad.  Aspectos culturales, cultura pop, cultura oral, escrita… ¡Incluso, hemos agarrado inspiración de  cosas que hemos visto por acá! Por ejemplo, tenemos una canción, que es un  cover de una banda llamada Tex Tex… Por ahí, hemos encontrado algo de inspiración. ¡Y  no solo de ellos!, sino en toda la escena musical que hay aquí, de bandas emergentes… Nosotros  pensamos que en la Nueva Tenochtitlán “éramos privilegiados” por la cantidad de bandas que tenemos, pero descubrimos que acá: ¡están impresionantes!

Frente a tantas bandas “emergentes”, es difícil saber dónde se localiza dicha emergencia, para ustedes ¿cómo ha sido la respuesta de la gente ante su propuesta?

Roco. – Lo que hemos encontrado es que la gente se engancha muy bien con nuestras historias.  Se vuelven participes de las tradiciones de Nueva Tenochtitlán; aunque es un concierto atípico… Digo,  ¡en nuestra  civilización es algo muy común, al parecer aquí no tanto!  Nuestros eventos son, conciertos narrativos; más que sólo escuchar música, estás viendo como una película con tus oídos. Yo te voy contando poco a poco fragmentos de “esa civilización”. Y  la gente ha sido muy receptiva; se acerca asombrada diciéndonos que “no habían ido a un concierto así”. Yo creo que ese grado de innovación les encanta. Los que usualmente son más complicados de convencer, son los que creen saber lo que quiere la gente, como los programadores de radio y cosas así. Son  más dogmáticos de lo que uno esperaría. En algún momento cuando contaba de estas historias a un programador en Radio me dijo. “Todo bien, pero si la gente quisiera ir a educarse, iría a una escuela. No a un concierto”.  ¡Qué tristeza que exista  gente tenga una visión tan pobre de la diversión!  ¡Y qué tristeza que los medios de comunicación y difusión estén en manos de esa gente!  La gente nos ha recibido de manera excelente.

¿En qué  proyecto se encuentran ustedes, hay disco, Ep o video por sacar?

Roco. - Hace dos semanas estrenamos nuestro último material, el EP llamado “La Gardenia de los 400 Nombres”. Que puede ser encontrada en todas las plataformas digitales. Y  pueden contactarnos en Facebook, Instagram como: El Monstruo son los Otros. Tendremos una presentación el 18 de Abril en la Capilla de los Muertos, junto con la banda The Torcido Monkey Dreams, será en jueves y va a ser entrada libre.

Para estar atentos a las presentaciones de este divertido proyecto; pueden seguirlos a través de sus redes sociales, en Facebook como El Monstruo son los Otros, así como en su cuenta en Instagram. Para descargar este Ep, dejamos el link  a su cuenta en Spotify: https://open.spotify.com/album/3YfjMnQhsooM4os2w2Wrfu?si=hCJUrknFQdGLPsnEgsTaoQ

Siguiente entrega, relataremos sobre su disco “Las Rolas Chidas… y la Nueva Tenochtitlán”.

Canalón de Timbuiquí, agrupación musical de tradiciones colombianas en resistencia, lucha por conservar su cultura y transferirla a jóvenes generaciones

Nidia Góngora, vocalista de Canalón de TimbiquíMéxico, 22 marzo.- La música tradicional latinoamericana, es una de las músicas más ricas a nivel mundial. Su razón; la gran mezcla de colores y sabores. Timbiquí, es una población, así como un  municipio de Colombia. Se ubica  en la Costa Pacífica, en el departamento de Cauca. Alrededor de esta población, hay un gran y hermoso río que lleva el mismo nombre, el cual desemboca en el océano. A finales del siglo XV, la actividad minera fue preponderante para esta región. La colonia española comenzó a traer esclavos afro para la exploración minera, en tanto, la población indígena; era desplazada a otras áreas. Con estos desplazamientos, así como nuevos contactos culturales, ésta cultura; de algún modo, se fue enriqueciendo en el Timbiquí. Desde 1772 a la fecha, las actividades que aún predominan en esa región son: la pesca, la minería. Cuentan con una amplia gama de alimentos y frutos, así como la explotación de maderas. A partir de éstas últimas, se ha desarrollado la construcción de marimbas, instrumento que tiene mucho peso en la música de Canalón de Timbuiquí.

La agrupación se encuentra en nuestro país realizando una gira y difundiendo su proyecto. Por ello, platicmos con la vocalista principal de la banda, en el mercado de Hamburgo, CDMX. Para adentrarnos en sus reflexiones y, tratar de dilucidar el estado que guardan las tradiciones musicales en los pueblos en resistencia.

Canalón de Timbuiquí es una banda que nace en 1974 ¿Cómo nace este proyecto y quién es su fundador?

Nidia Sofía Góngora, voz principal.- Así es, nosotros somos una nueva generación, Canalón tiene cuatro décadas, somos el relevo. Provenimos de una tradición de familias de músicos. Mi madre es una cantora muy famosa y reconocida en la comunidad. La hemos invitado a varias grabaciones para nuevos discos, pero ella ya no quiere. Como que ya nos ha entregado el relevo. En estos momentos, ya no estamos en Timbiquí, nos mudamos a Cali, allí está todo el proyecto, sin embargo, seguimos conectados y muy cerca con Timbuiqí.

Desde que aparece este proyecto, ¿ha evolucionado o se ha modificado en algo su sonido?

Nidia. – Somos música tradicional, música viva. Desde el momento que salen de su territorio ya hay una transformación allí. Yo creo que más allá de una evolución, somos una agrupación en lucha constante. Por tratar de mantener al máximo esos elementos de la  tradición lo más latente posibles. Eso es lo que nosotros hemos hecho. Muchos de los cantos que nosotros interpretamos, vienen de la tradición, aunque algunas son composiciones nuestras, pero en ambas partes, hemos tratado al máximo de conservar esos elementos que son parte de la estructura autóctona de las músicas tradicionales. Ese ha sido el mayor esfuerzo que hemos realizado.

¿Qué impacto ven ahora con el uso de la tecnología?

Nidia.-  Hay muchas cosas que cambian con su uso, sabes. Por ejemplo, cuando entra uno a un estudio de grabación. Se altera la naturalidad con la que se desarrolla la música dentro de su territorio, éste sonido cambia. Hay muchos requerimientos técnicos que te obligan a cambiar, como es el tiempo de las canciones. Hay canciones que duran media hora, una hora, pero por cuestiones técnicas, tenemos que reducir su tiempo a 5 o 6 minutos.

Por otro lado está la manera de ejecutarla, de celebrarla. Esto lo pasamos a bloques, donde muchas veces no podemos estar todos juntos y se graba por segmentos… Entonces, sí hace que cambie un poco la forma en cómo se desarrolla la naturalidad de la música nuestra. Pero se ha intentado, a pesar de estas exigencias técnicas, guardar esa estructura de lo ancestral, de lo autóctono y natural dentro de las producciones discográficas.

Sin embargo; hoy día la gente ya no compra tantos discos. Por tanto, los músicos han vuelto a su naturalidad, a los eventos en vivo. ¿Qué pros y contras ven en esto?

Nidia. – Hay una gran ventaja para nosotros. Y es que nuestra intervención no la vemos como un producto, o un show. Para nosotros sigue siendo un ritual. Entonces, para el momento que ocupamos una tarima, estamos celebrando la música con la gente. Nuestra ancestralidad, en ese ritual, en ese momento.

Para Canalón ¿cómo se da el rescate de las tradiciones?

Nidia. – De cada una de las canciones que interpretamos, así como la lírica de éstas; en Canalón  hay una referencia a nuestro territorio. Hablamos de la riqueza que hay en sus mares, en sus ríos, la selva. Pero también hablamos de hechos que ocurren en la cotidianidad. Así que encontrarás homenajes que hacemos a los pescadores, a los mineros. O temas que parecen como muy “básicos” dentro de la comunidad, cosas como muy elementales, pero que para nosotros, lo pasamos a un hecho muy importante. Pero también está el canto a la resistencia. Abordamos temas de género, de violencia; del sometimiento al que ha estado nuestro pueblo. Entonces, en Canalón, algunas de sus canciones sí fueron aprendidas y transmitidas generacionalmente. Otras son composiciones nuestras. Pero en todas ellas buscamos cargarlas de un mensaje de nuestra vida, de nuestro territorio, de nuestra identidad, pero también de un mensaje de resistencia, de transformación y reflexión.

¿Cómo confrontan hoy día los pueblos en resistencia los retos a nivel político?

Nidia. – Dentro de la riqueza que tiene nuestra música, a parte, el contexto y de la academia tradicional que tenemos. Uno de los valores principales que a nosotros nos han transmitido es: que la música debe servir para “unir”, para reconciliar, transformar y sensibilizar. Partiendo de esos valores es que estamos llevando esos mensajes. Más allá de una inclinación o corriente política…

Yo no comulgo con partidos políticos. Yo pienso que a la música debemos visionarla desde una “invitación” global, de una invitación general. Y a tomar conciencia de las diferentes situaciones o problemáticas que vivimos dentro de nuestra comunidad, nuestro país… Entonces, al momento de hacer música, estamos conscientes de que lo que hacemos, que el contenido debe tener un sentido. Un sentido social, un sentido político, un sentido “espiritual”. Ojo, no me refiero a algo religioso, sino simplemente: algo espiritual. En esa medida, nosotros creemos que hemos obtenido los resultados que hemos buscado y que hemos esperado del proyecto. Porque los mensajes han sido escuchados de alguna manera por la gente. Esto lo sabemos a través de los conciertos, de la cercanía que tenemos con la gente, de la interacción dentro y fuera de los escenarios.

La educación es un tema importante en las culturas en resistencia, ¿cómo llevan a cabo esta labor?

Nidia. - A parte, nosotros tenemos un proyecto de “semillero”. De gente en formación en música de marimba. En estos momentos estamos trabajando con un sector muy vulnerable en la ciudad de Cali, donde en su mayoría la población es afro. De momento, es la única escuela en Cali que da formación en marimba y cantos tradicionales. Desde allí, estamos reafirmando valores de identidad. Sentimos que debemos trabajar valores de identidad con las nuevas generaciones.

Es (en Cali), una generación que está un poco perdida, “no sabemos nuestro origen”, la educación ha sido débil y amañada. No ha contado la historia como realmente ha sido. Hay una pasión, en términos de identidad y conocimiento, pero por otro lado, existe una ignorancia. Pero no parcial, sino total. Y esto, frente a muchos temas que tienen que ver con temas raciales, de género, algo que está muy en boga, temas territoriales, temas de derechos, de deberes  como pueblo, no se abordan tal como ocurrieron. Lo que hacemos con nuestra música es sensibilizar para  transformar. Creo que debe haber un trabajo serio en las instituciones educativas. Se debe cambiar ese modelo educativo que va a la par con esas políticas neoliberales, donde se le da un privilegio al “poder del dinero” o a la guerra. Entonces, hay que cambiar los discursos y los mensajes. Y aterrizar éstos hacia unos mensajes de reconciliación.

¿Cómo vencer a la violencia, la imposición y cambiar el mensaje que se ha impuesto desde el poder?

Nidia. - ¡Nunca, pero nunca jamás la fuerza va a ser una mejor estrategia y a estar por encima del diálogo! SI queremos abordar temas de dignidad, de calidad de vida, tenemos que dejar de lado el discurso de guerra o el discurso de la fuerza. Porque no es la manera en cómo se va a logar. Yo creo que esto genera más resentimiento, más violencia. Incluso la violencia va a generar más violencia, siempre. Por eso; en Canalón pensamos que la música es como una cápsula de sensibilización muy fuerte, y queremos hacer uso de ella. En nuestros territorios hemos visto que ha tenido éxito. Esa ha sido nuestra “arma”, nuestro arte. Lo cual ha mantenido vida la esperanza en nuestro territorio. Pensamos que también sirve como estrategia para proponer estrategias de transformación en nuestras sociedades. Desde allí lo vemos, desde allí lo venimos trabajando y lo queremos impulsar. Históricamente hemos venido de una lucha constante. Tenemos que seguir firmes en esta lucha, para poder garantizar a las nuevas generaciones, los espacios que hoy tenemos.

Frente a esta degradación y aniquilamiento del ambiente natutal que observamos, tan acelerado, así como el agotamiento de sus recursos en flora, fauna e hídircos ¿qué piensa Canalón de Timbuiquí?

Nidia. - La Tierra es la gran madre, donde se encuentra toda la sabiduría, la cual, luego nos es transmitida… Los que nos conectamos con ella… ¡ah bueno,  porque hay otras personas que no se conectan! ¡Gente que sólo la explota y utiliza en su beneficio! ¡Son personas que para nada están conectadas con la Tierra! Entonces, dentro de nuestra comunidad, la naturaleza lo es todo. Es nuestra fuente, nuestro medio vital. Desde muy pequeños nuestros padres y ancestros, nos han enseñado a cuidarla, a protegerla porque de ahí depende la vida. No depende de otro lado, tenemos una creación para que la cuidemos y la amemos. Cuando a nosotros, desde niños, se nos educa para tener una relación armónica con la naturaleza, nuestra música emana de esa naturaleza.

La marimba, instrumento que tiene una relación estrecha con el Pacífico y con la naturaleza. Los instrumentos con los que tocamos, vienen  de la naturaleza. El canto mismo tiene una relación con la naturaleza. Si no hay aire, nosotros no tendríamos la fuerza para cantar y para que esa música viaje. Entonces, en el mensaje que nosotros llevamos es; uno: la importancia que tiene la naturaleza. E invitamos a que se reflexione la relación que estamos teniendo con la ella. Hay que regresar a las raíces, protegerla y preservar estos recursos. Cuando yo hablo de la naturaleza, me refiero a todo.

¿Qué proponen a través de su acción musical?

Nidia. - Hoy, debemos unirnos en torno a esa “globalización” que ha desviado totalmente los procesos de la vida. Es una globalización que extrae minerales, produce sistemas de esclavitud, procesos de guerras. Lo repito, porque todo lo están consiguiendo mediante la imposición, mediante la fuerza y de la devastación. Entonces, no podemos hablar de “progreso”, cuando estamos atentando contra los recursos, no podemos hablar de progreso cuando contaminamos los ríos, cuando talamos selvas, bosques, cerros. Estamos debilitando los recursos que van a sostener ese “progreso”. Las máquinas ¡jamás van a reemplazar a la naturaleza! Este es el momento en que debemos poner la tradición y la ciencia unidas para dialogar y unirse en función de defender a la naturaleza. La ciencia utilizada como  potenciadora de los recursos naturales. Desde allí verlo. Pero no como un monstruo “que pone un pie encima de la derrotada naturaleza”. Tenemos que quitarnos esa idea absurda, porque “la fuerza del hombre” jamás va  a ser superior a las fuerzas de la naturaleza.

Finalmente ¿qué mensaje quieren darle al público que los sigue o quiera seguir?

Nidia. - Y bueno, aquí estamos. Seguimos haciendo música. Y va a ser así ¡siempre!

Canalón de Timbuiquí ya realizó una presentación en la Casa de Cultura de Colombia, Centro Cultural. Además, participó en el Festival NRMAL, espacio que cada vez cobra más importancia: “Nos fue ¡muy bien! La gente muy conectada y receptiva. Yo veo este festival como una plataforma muy importante como para diversificar nuestra música y tradición entre la gente”. Nos señala Nidia, vocalista principal de la agrupación.  

Canalón de Timbuiquí estará en Cumbre Tajín este 21 y 22 de marzo, y el 24 cierran su gira en Xalapa, Veracruz. Para conocer sobre próximas giras, presentaciones y otros temas, dejamos los siguientes enlaces a su sitio oficial: https://canalondetimbiqui.wixsite.com/canalondetimbiqui?fbclid=IwAR1xmwM6teLYgF9b1qilmZlf1PjchfJpHLKsnizsMTXHqG8WnxTELP_EJqs  y su red social https://www.facebook.com/canalondetimbiqui/

Previo al 20 aniversario del Vive Latino 2019, conversamos con algunos de sus exponentes

Galindo// La Pingo's Orquesta// Strike Master// Rude Boys// Vaquero Negro. // Fotos: Enrique López M.

México, 15 marzo.- A 20 años de distancia, es visible el gran trayecto que han realizado los organizadores de aquel Festival llamado Vive Latino, que apenas iniciaba en 1998. Arrancaban con un precepto en la mente, que fuera en español. Ya en otros países se realizaban festivales masivos y al aire libre, pero el inglés era el idioma predominante para que un artista pudiera ser tomado en cuenta. En tanto, los hispanoamericanos éramos relegados o ni siquiera considerados para entrar en esos festivales. Por otro lado, después de Avándaro, se canceló cualquier festival masivo o, en lugares pequeños. Llevarlos a cabo era un acto represivo y para quienes resistían, lo hacían “clandestinamente”. Con el devenir de los años y en una apertura cultural, a fuerza de ir picando piedra, se han abierto los espacios para la difusión del rock y otras manifestaciones culturales. En estas dos décadas de vida del Vive, podemos establecer a dos generaciones. Aquellas que (tuvimos) la fortuna de acudir a conciertos masivos; organizados sin fines de lucro y con un carácter social a finales de los 1990,  por instituciones educativas como la UNAM y la UAM. Instituciones que aglutinaron a bandas hoy día de culto e importantes para la escena del rock nacional, como: Caifanes, Café Tacvba, Santa Sabina, entre muchas otras.

Y la de esta generación millenial. Esos chavos de la segunda mitad de los 90, con una visión periféricamente distinta y que vivieron una etapa rockera más “inocente” por denominarlo de alguna forma,  probablemente tengan hijos. Esos chicos, hoy día tendrán más o menos la misma edad que sus padres, y es probable que estarán asistiendo este 16 y 17 de marzo a su primer Vive Latino, de igual modo, estarán allí para ver a sus artistas favoritos y conocer nuevas propuestas. Pero también, verán a esas leyendas con las que crecían sus padres, y que seguramente aún escuchan, las cuales estarán en este 20º aniversario del Vive Latino. A lo largo de su vida; este festival, ha tenido una línea de tiempo fluida de shows en vivo, salvo en dos fechas en que fue interrumpido, en 1999 y la otra en 2002.

En una escena donde el rock en español se consolida cada vez más. El contenido musical, objetivo principal del festival, ha tenido en sus distintos escenarios la participación de grupos y solistas provenientes de toda Latinoamérica, pero también, comienzan a incluir a músicos de habla inglesa. Sin embargo, el Vive Latino no ha dejado de ser controversial en sus más recientes ediciones, pues han llevado a artistas ajenos al rock, que si bien han sido medio aceptados, deja un resquemor en el carácter que generalmente ha sido intrínseco a todo rockero, su posición de mente “crítica y contestataria”.

Para conocer de cerca las propuestas denominadas “emergentes” o “alternativas”, conversamos con algunos de los artistas que estarán en esta 20ª edición Vive Latino 2019. Organizado por La Vaga Comunicaciones, la cita fue en el ya conocido Merkado de Hamburgo 301, en la calle de Hamburgo, en la colonia Juárez.

Galindo, es un artista que conocemos ya en redes como Memo Galindo o simplemente Galindo. Este proyecto arranca en junio del año pasado, sin embargo no es nuevo en la escena, anteriormente estuvo con Piluso, agrupación con la permaneció por cinco años, incluso “ya había hecho yo un vive latino”. En este proyecto ya como solista, es algo que le gusta, pues lo considera como “un acto más libre”.

¿Te fue difícil armar o construir el sonido y la búsqueda de músicos que te acompañaran?

- Más que difícil, lo más complicado fue el tema de encontrar aliados. Porque en el tema de ser solista, lo complejo es la autogestión. Ahí es como complicado encontrar a los músicos. Pero funcionó mucho mejor hacer la música con aliados, con gente que se sume. Naturalmente mi banda es de siete integrantes. Pero para el Vive; va a ser una fiesta con 14 músicos.

En cuanto a la música. Sí hay mucho poder, tenemos una parte de psicodelia, pero una parte de rock tradicional, tengo un guitarrista que proviene del lenguaje del rock, pero para el Vive, que es como una gran fiesta, tenía que armarlo de la mejor manera posible.

En este reciente material con el que Galindo sale al Vive, ¿cómo construyes tus letras y a qué público va dirigido?

- Todo el disco es música romántica. Es para celebrar el amor, las relaciones tanto de pareja como de amistad, sabes. Ya tuve mi época psicodélica con letras espaciales. En esta ocasión, busqué que las letras contuvieran un mensaje más básico, más coloquial. Lo cual me ha llevado a tener una conexión con gente joven, pero también con gente que se cansa de escuchar tanta metáfora y como abstracciones. Este Ep lo grabe con tan sólo seis canciones. Lo produje yo junto con Mau Solo y Carlos Ann; un artista catalán. Pensé en que la música tenía que ser súper digerible para cautivar a nuevos grupos. Pero detrás hay una construcción musical mucho más psicodélica, con aspectos más alegres y festivos, quizás.

Entre aquel Vive Latino a este 20 aniversario, ¿qué diferencias encuentras y qué expectativas tienes?

- Yo estuve hace cuatro festivales. De manera personal, te puedo decir que, el tener esa experiencia, ya tienes un chip diferente, sabes qué hacer y qué no. Pero el festival se ha pluralizado cada vez más. También, la presencia de las redes sociales… Estos “haters” el odio lo tiran a diario en las redes, pero ya en el festival es más como de armonía. Al final termina siendo una fiesta. La gente ya no va tanto a criticar a la banda, si no le gusta, se va a otro escenario. Y en eso creo lo han logrado. Por otro lado, el Vive es el “papá de los festivales”, la verdad. Es el más importante, es el que ha enseñado; ya es un referente. Y uno que hace bien las cosas. Ahora, en este veinte aniversario, que esté como invitado, pues es ¡súper buenísimo para mí! Me sumo a una experiencia que ya tengo, pero además con este “trampolín” que es el mismo festival.

Para muchas bandas el objetivo es “estar en el Vive Latino”, pero lo que hay que entender es que; estar aquí: es más como el “punto de arranque para lo que quieras hacer”.

¿Qué proyectos vendrán con y después del Vive?

- Yo arranco con la presentación de este disco, Equilibrio (2018), giras, así como la presentación oficial. Eventualmente; estar en otros festivales.

¿Qué pensamientos arropas para este 20 aniversario, además de compartir el espacio con leyendas que vuelven para este año?

- Creo que estamos en una era de la “nostalgia”. Me parece que cada vez se refuerza más esta idea de la remembranza: “La gira del rock en tú idioma  sinfónico” “La gira del rock pop de los 90” “Ver a Caifanes volver a tocar el mismo set, porque no sacaban nada nuevo”. Como que hay mucha remembranza, y no es que esté mal, me gusta. Hay bandas que aún me gustan y admiro. Con Caifanes logre que hicieran un Zócalo, hasta recuerdo que me pelee con la “manager” y hasta quedar sentido con la banda, que más quería antes. Pero al mismo tiempo como que ya estoy cansado de que aparezcan los mismos headliners en casi todos los festivales. Creo que ahorita es buen momento para generar nuevos talentos, y la única forma de hacerlo es a través de medios (independientes), artistas, el público. Y que la industria empiece a apostarle a los nuevos talentos. En ese sentido, el Vive Latino lo hace muy bien. Yo toco a las 8 de la noche, ahí  tengo un choque con Fobia, pero cuando termino, aún hay 40 minutos de Fobia. El Tributo a Rita Guerrero va a ser 10 minutos después de que yo termino de tocar. Con los Luiquits, 10 minutos antes de que acaben, son los 10 minutos que ya llevo tocando, entonces hay opciones y demás cosas qué hacer.

Galindo toca el sábado 16 a las 20:00 hrs; en la carpa Intolerancia, presentando su más reciente material: Equilibrio. Donde la balada acaramelada, se irá  convirtiendo en miel.

En el cartel del Vive Latino, desde hace algunos años, se ha venido contemplado al género del metal, y cada vez más, este género se vuelve preponderante.  Tal es el caso de la banda Strike Master. Oriundos de la CDMX, este trío consolidado en el trash metal, con 14 años de vida, 5 producciones sonoras, demos y varios sencillos. Es una banda que busca preservar en la manera más pura este género del metal. Por tanto,  platicamos con dos de sus integrantes acerca de lo que ellos esperan dentro de este aniversario, así como conocer el estado que guarda el metal entre audiencias que aún no les conocen.

El Vive Latino es un festival que ha tenido de pronto a géneros que para nada tienen que ver con el rock, mientras tanto, el metal nacional goza de buena salud ¿para ustedes qué significa el que los hayan invitado?

Pach, bajista. – Pues creo, que los eventos del año pasado demostraron que hay mucho metal en México. El Vive Latino es un festival donde hay desde ska, rock, etcétera. Pero el metal ha tenido poca participación. Para esta ocasión, tan sólo hay dos bandas de metal Korn y nosotros (Strike Master), entonces está bien para públicos que comparten de gustos y géneros musicales; que al metal también le den su espacio dentro de este festival tan grande y tan reconocido.

¿Sigue siendo el “patito feo” el metal y sus demás variantes para los organizadores del Vive?

Coronel KMU, voz y guitarra líder. – Es el segundo género más fuerte a nivel mundial, el hecho de que no haya tenido tanta exposición en los últimos dos años, eso es otra cosa. Pero ahorita; es el momento de abrir brecha. Demostrando la calidad, así como el mundo cultural y musical que implica este género. Con esta oportunidad, pues vamos a aprovecharla, y que el metal sea considerado como una prioridad para los próximos festivales del Vive Latino.

Regularmente en todo festival de metaleros, la gente sabe qué va a escuchar. En esta ocasión habrá un público nuevo que asista a verles, quizás de manera más consumista. ¿Qué retos ven ustedes con respecto a su sonido frente a un público nuevo?

Pach. -  Afortunadamente a Strike Master siempre le ha ido bien. La gente que va a los festivales de metal, es gente a la que le gusta el desmadre. Entonces, Vive Latino es sinónimo de “voy a pasármela bien, a cotorrear, a estar con mis amigos”. Creo que es un buen horario, tocamos a las 6 de la tarde, momento en el cual la gente está prendidísima y ya quiere… pues escuchar a las bandas headliners pero todavía están con mucha energía. No es un momento cansado del festival, y con eso; podemos aprovechar toda la energía. A parte, en las redes sociales nos han escrito mucho que: “qué bueno que vayamos a tocar en un festival así”.  A pasar que no es un festival de metal, a la gente le sentó bien que toquemos en este festival, y ya quieren vernos en esos escenarios.

 Entiendo que esta es la primera vez que Strike Master tocará en este Vive, pero como fans o como público ¿han estado en alguna edición anterior, y ahora que tocarán, qué emociones vienen a su cabeza?

Coronel. – Para mí, sí es la primera vez que vengo, ni como fan he venido. Pero como tú dices, es un festival multicultural, plural y eso brinda la oportunidad de que la gente nos conozca y nosotros a ellos. Es muy bueno que para esta 20 edición hayan convocado a Strike Master

Pach. – Yo sí estuve en una edición cuando Caifanes regresó, de hecho fui porque Caifanes es una de mis bandas favoritas, cosa que no me podía perder. De hecho fui solo, y en cierto momento, por la tarde que estaba en las gradas, como a eso de las 3 pm, me dije “no me lo voy a pasar aquí”. Me bajé, fui a donde estaba el relajo y me la pasé muy bien. No tuve que ir con otra persona para “pasármela bien”, hay un súper ambiente, tiene años que no voy. Por lo tanto, espero algo muy positivo de esta 20 edición.

La ola de calor ha venido siendo impresionante en cada edición del Vive ¿cómo se prepara Strike Master para derrocar al enemigo?

Coronel. – Finalmente es una carpa, pero Strike Master está listo para tocar en cualquier terreno y condición. En una ocasión, recuerdo. Tocamos en una noche muy fría, allá por Ecatepec, en diciembre. Ahí las manos se nos congelaron. También tocamos en Tabasco en pleno verano, así que estamos listos para cualquier evento.

Strike Master irá con S+M Full Lenght álbum, del 2017. Su más reciente material a este Vive. Además, preparan ya un nuevo Ep; que saldrá el año que viene. Ya tienen listo el estudio, productor; con la promesa de que acabando este Vive Latino, comenzarán las nuevas grabaciones. No se pierdan a esta poderosa banda mexicana, ellos estarán el domingo 17 en la Carpa Intolerante a las 18:00 hrs. ¡No dejen de mover esa gran mata!

Otro género musical que comienza a ganar cada vez más adeptos, en especial de los chavos, es el jazz. Hubo un tiempo en que el jazz era la estrella de la música. Era un estilo que se escuchaba en casi todo el mundo a través de la radio y los discos. Para este nuevo siglo, el jazz sigue demostrando su gran vitalidad. Y qué mejor ejemplo es tener en casa a La Pingo’s Orquesta. Oriundos de Aguascalientes, esta banda ha templado su carácter divertido y emotivo, al probar en espacios donde es más difícil medirle el “agua a los camotes” en la provincia. Tocando a ras del piso, donde las banquetas derriten a cualquier alma. Por ello,  conversamos con dos de sus integrantes.

 ¿Cómo se formó la banda y  por qué el nombre?

Claudio Gardea, baterista. – Pues la banda se forma en las calles de Aguascalientes. Allí empezamos a tocar en el centro de la ciudad, incluso Michel, el contrabajista, tocaba en un camión. De a poco fuimos viendo que a la gente le gustaba lo que hacíamos, tocamos en cafés. Gerardo tenía un club de jazz y nos invitó a tocar un día ahí, con la idea de componer rolas propias. Así es como nace la banda, tirando ideas, componiendo de manera colectiva… Y el nombre, pues es una como burla a todas estas bandas norteñas que se ponen nombres como “La Tracalosa” y esas cosas. Es como una mofa, y el hecho de que somos un poco traviesos.

Gerardo Castmu, guitarrista. – Lo más curioso de la banda es que todos tenemos como corrientes distintas, por ejemplo. Claudio estaba en una orquesta sinfónica, donde tocaba jazz. El trompetista tenía un grupo tropical con su familia. El violinista es folclorista, y todos tocamos en algunos proyectos donde coincidimos en algún momento. Pero sí; somos como músicos de una escena muy de calle, de andar rodando por los bares y cafés en esa época.

¿Es complicado esparcir el mensaje de la banda por zonas donde se suele escuchar precisamente esa música de las bandas norteñas o de narcocorridos?

Gerardo. - ¡Sí es complicado! Pero el valor de la banda, como tú bien lo dices, es la música. No somos un grupo de “show o de imagen” o “de vestuarios o canciones pegajosas”. De hecho, no cantamos! Somos enteramente instrumentales, totalmente. Pero la música es la que conecta directamente con el público. Por otro lado, somos una banda que cabe perfectamente en un festival cultural, en uno de jazz, en uno universitario, aunque también hemos realizado festivales “comerciales”, hemos estado en el extranjero...

Yo siento que somos una banda que representa un poco de lo que se ha perdido, sabes. Creemos que las propuestas que hay en la escena están como muy gastadas. Y yo creo que es precisamente eso, porque se han olvidado precisamente de la música, donde la música, es lo que menos tiene que ver. “En un festival, en una revista o en una estación de radio”, la música es lo menos importante. Lo más importante pueden ser los “likes”, “los videos que generan”, la manera en “cómo se venden”, en tanto, la música: ¡se fue al carajo! Eso para nosotros, es lo más importante. Por tanto, el hecho de llegar a un lugar donde hay  gente que no nos conoce, lo único que tenemos para defendernos y mostrar: es la música.

Gerardo. - Aguascalientes tiene una ventaja, geográficamente estamos en el centro de la república. Entonces, a una hora nos queda Zacatecas, a una hora León, a dos horas San Luis… entonces, hacemos esos recorridos, donde no hay tráfico y vamos ganando a modo de insistir.

 Su sonido tiene muchos sabores del jazz, pero ¿es correcto verlos como unos puristas dentro del género?

Gerardo. – Tenemos varias influencias, así como lo mencionas; desde  jazz manouche y otros, pero en realidad creo que estamos más como en el world music, o en una suerte de jazz como más festivo.

Ante tanta expectativa, ¿cómo se siente la banda, previo al 20 aniversario del Vive?

Gerardo. – Ya hemos tocado en varios festivales.

Claudio. - ¡Estamos contentos!

Gerardo. – No nos esperábamos esta invitación, pero como te digo. Ya hemos estado en festivales muy grandes, el año pasado tocamos en el Cervantino, hicimos Festival Quimera, hace un mes estuvimos en Bahidorá, entonces ¡estamos más que listos!

 Ustedes vienen de grabar con Steve Albini. Después de grabar con él, la banda ¿experimentó alguna especie de catarsis en su sonido?

Claudio. – Pues fue como un agasajo grabar con él. Es una persona muy respetuosa de nuestro trabajo. Pero su método de grabación es análogo, mete una cinta, graba. No usa la computadora para nada, edita ahí mismo. A mí, cuando grabamos, me puso como 25 micros en la batería. Y el sonido que se logró, es realmente un viaje. Todo esto es para el más reciente Ep, que se llama Música para domar monstruos (2018).

Gerardo. – Además, dentro de la música; él es como un mito. Dentro de los que mencionaste (Nirvana, Pj Harvey, Robert Plant), ha grabado cerca de 2 mil discos, y dentro de la industria discográfica, él es un monstruo.

Claudio. - De hecho, cuando grabamos con él, creo que nos denominó algo así como “ethnical dixie-land”,

Gerardo. - Como una mezcla de algo que no había grabado él; y digo, ha grabado cosas como Gogol Bordello, o cosas más gitanas, como gypsis. Entonces estuvo como muy curiosa, sabes. Sí, lo ves trabajando con “Nirvana” y con gente así, pero conoce perfectamente la comida mexicana, somos la segunda banda nacional con la que Baldini trabaja. Anteriormente, ya trabajó con Descartes  a Kant, en su estudio, allá en Chicago, pero era la ¡primera vez que venía a México a grabar a una banda!

Claudio. - ¡Yo sí estaba emocionado por todo!

El disco ¿lo grabaron aquí?

Gerardo. - ¡Sí! En la ciudad de León. En un estudio que se llama Testa, un estudio análogo. Es un estudio increíble, de los pocos que hay así aquí en México. De hecho, es un modelo de su estudio, porque está armado como su estudio allá en Chicago, con adobes, micros de los años 30 y 40. ¡Está muy padre!

Finalmente, en este 20 aniversario, ¿qué huella les gustaría dejar o cómo ser recordados?

Gerardo.-  Pues… ¡Nos gustaría regresar! (reímos todos). Creo que es complicado, por esta onda de los “festivalitis”. Muchísimas bandas, muchísimas propuestas; incluso propuestas que suenan al mismo tiempo, y eso complica las cosas, ¿no? Ponen a Santa y a Fobia al mismo tiempo… Pero para nosotros lo más importante es estar, y conocer a gente que probablemente no nos ha visto.  Poder regresar, pero probablemente con más recorrido, con nuevo material. Pero sí, es complicado pensar en dejar “huella” con tanto artista ahí… ¡Competir contra Santana! ¡Está como cañón! (risas chidas).

¿Qué viene acabando el Vive?

Claudio.-  Pues vamos a varias giras, León Texcoco, Durango. Y queremos sacar un disco para finales de año. También, queremos ir a Asia.

Gerardo.-  Regresar a Asia. El año pasado hicimos Hong Kong, Indonesia. Pero para este año, queremos ir a China.

La Pingo´s Orquesta estará en la Carpa Intolerante, llevando a cabo su excelente sonido este domingo 17 a las 15:30 hrs. No dejen de poner atención a esta étnica dixie band de Aguascalientes.

Guadalajara, es uno de los estados más queridos para los chilangos. Es ya una tradición que las bandas que nacen por allá, y luego se desplazan hacia la CDMX, tendrán un éxito asegurado. Producto de una mezcla que parece sacada de la unión entre el agua y el aceite, Vaquero Negro nos cuenta de su sonido y sobre sus esperanzas para este 20 aniversario del Vive.

¿Cómo se formó el grupo y por qué mezclar el sonido rockero poderoso que tienen con el hip hop?

David, guitarrista.- La banda se forma porque Nacho, el vocal hizo una rolas de lo que viene siendo el primer EP (Somos más, del 2015), de seis rolas, cuatro son de él. Nos juntamos, y al estar armándolas en un formato de voz y guitarra acústica, nos dimos cuenta de que había que armarlo en una banda de rock. Allí es donde se incorpora Nachito (baterista) y Charles (bajo). Ahí las rolas agarraron un toque medio funk, pero también como entre el rock y el rap, pero con esa esencia funky-groove. Entonces, la banda ya unida sacamos la primera rola rocker que es “Vaquero Negro”.

Cuando tocábamos esa rola, notábamos ¡que la gente se prendía! De ahí, sacamos la segunda que se llama “Intentarlo todo” y “La Locura”, rolas que salen hasta el segundo EP (Nuca dejes de Creer, 2016). Ahí, seguimos buscando ese sonido heavy la receta rocker, del hip hop, del rap. Pero es hasta el año pasado, en el 2018, donde grabamos una nueva etapa de este nuevo álbum, que sale este año, se llama “El Pantera”. Rola que produjo Jorge “Chiquis” Amaro, allá en Guadalajara. Ésta rola ya tiene afinaciones más graves, más distorsión, riffs más agresivos, una letra más agresiva… Como que todo se fue poniendo más punch.

¿Desde que nace la banda hasta el momento, sienten que la banda ha evolucionado en su sonido?

Hasta el momento, nuestro mensaje no ha cambiado, simplemente cambió la manera en que lo decimos. Esa es la evolución que ha tenido Vaquero Negro desde hace como dos años que venimos buscando ese sonido más heavy. Y como cada quien tiene sus influencias. El rap y el hip hop lo aporta Nacho (el vocalista), en tanto Nachito, le aporta ese power a las baterías. Charly, es un bajista más groovie, del funk, y a mí (David),  me gusta mucho como el blues, así como el new metal. Como que todo eso ha influido en el sonido que hemos logrado.

Pero esto ha sido un trabajo de cuatro años, donde hemos probado show tras show, qué funcionaba y qué no. A nosotros nos encanta involucrar a la gente en nuestros shows. Es un recurso que hemos utilizado, ya que al ser una banda nueva, nos apoyamos en las interacciones; para que la gente se lleve una buena experiencia y recuerde nuestra presentación.

¿Cómo está la escena allá en Guadalajara?

David.- La escena se está uniendo lentamente. A lo mejor la gente no se da cuenta, pero por ejemplo, nosotros tenemos un podcast, ahí vamos invitando gente a la escena, desde periodistas, gente. Estamos compartiendo públicos, pero es cuestión de tiempo para que Guadalajara vuelva a ser un referente.

¿De qué alimenta Vaquero Negro sus letras?

David. – Pues mira, nosotros que combinamos el hip hop, el rap géneros que tienen muchos “clichés”. Hablar del dinero, de las viejas… Nosotros no le damos por ahí, sabes. Buscamos abordar ciertos temas de problemáticas, de temas nuevos. Por ejemplo, en “Cuantos dedos ves”, es una rola que le pinta un dedo al “hate”; y a toda esta gente que te tira hate en las redes sociales. Detrás del anonimato, detrás del disfraz, detrás de una compu. Son cosas que antes ¡no había, antes no pasaba! Antes; cuándo tú le ibas a escribir  a tú artista; antes le escribías una carta… y a ver si le llega (risas). Pero con las redes, ahorita le puedes decir lo que sea, en cualquier momento, como que se ha desbordado eso. Entonces, ese es un tema.

En el Pantera, es una rola como de tipo motivacional, de salir adelante. En Vaquero Negro no queremos depender de nadie, vamos para adelante y eso es lo que queremos compartir, a través de la música, de un show. Pero que la gante la pase muy padre y que nos entretengamos, sacar toda esa locura, toda esa energía, ¡pasártela chingón, pues!

Para ustedes que nacen en tiempos de las redes, que usan plataformas para difundir su mensaje ¿qué balance sacan frente a otras plataformas como la radio o la tv?

David. – De la radio; yo sigo pensando que estar en la radio tiene su peso, estar en tele, tiene su peso. Pero con las redes sociales; son las herramientas que los artistas podemos usar a nuestro placer. El potencial que tienen las redes es enorme. De ahí que nosotros estamos viendo la manera de cómo conectar con la gente, a parte de la música. Por eso tenemos un podcast. Allí nosotros compartimos: “quiénes somos y qué hacemos”. La idea es compartir con la gente, qué hay detrás de cada historia exitosa…

¿Habrá alguna variación para este Vive Latino en lo que será su show a como cotidianamente se presentan?

Nachito, baterista. – Pues para este show que será un poco más breve, vamos a dar un show más concreto, más contundente. Vamos a salir con toda la carne al asador. Tenemos varias sorpresas, entre ellas, una rola que recientemente acabamos de lanzar, es un video que hicimos con María Barracuda, se llama “Por ti”. Y María se va a subir con nosotros, porque ella va a tocar en el mismo escenario el domingo.

David. – Todo se alinea. Y qué mejor manera que cantar con ella en el Vive Latino. Y bueno, pues nada, agradecer a toda la gente que nos sigue y que nos va a ir a ver, así como todos los medios. Para nosotros es un honor ser parte de la escena que representa al rock mexicano, y un honor ser parte del aniversario número 20 del Vive Latino. Nosotros queremos dejar una huella, queremos que nos recuerden precisamente por nuestra manera de trabajar y por el show que vamos a dar. ¡Muchas gracias!

La entusiasta y poderosa banda Vaquero Negro, provenientes de Guadalajara, tocará el domingo 17, a las 17:05 hrs; en la Carpa Intolerante. De verdad, la energía que sueltan estos chicos los va a conquistar. Chequen y pónganle mucha atención.

El Ska es un género ya consolidado entre la chaviza, probablemente habrá siempre detractores por parte de algunos puristas sobre este sonido. Lo cierto es que el Ska es un movimiento ya transgeneracional, que sobrepasa sus ya 40 años de vida. Qué mejor propuesta, en ese sentido, que los Rude Boys. Grupo oriundo del estado de México, y con un gran número de seguidores a través de sus redes. Su vocalista, ya nos vaticinaba hace tiempo que algún día estarían en un Vive Latino. Por ello platicamos con el cerebro y frontman de este grupo, que rescata al Ska en su más puro estado.

Fego, hace 6 meses nos reunimos aquí, precisamente  en este Hamburgo Market. Y ya citabas esa hambre de estar algún día en un Vive, ¿qué ha pasado en los Rude Boys que los tiene en este Vive Latino?

Fego, vocalista y alma de la banda. – Pues hemos estado trabajando, logramos sacar el video que te contaba, el de “Los Archivos Perdidos”. Esto ha impactado en la banda, además, la proyección que hemos tenido. No hacemos tanto alarde, porque no va con nosotros. Para este Vive Latino, vamos aprovechar y tocar la canción con la proyección del video. Por otro lado, tuvimos recientemente la gira de los 18 años de la banda. Moviéndonos por todos lados, radio, televisión.

¿Cómo te sientes previo al evento y la banda?

Qué bueno que la gente viene asimilando cada vez más el proyecto que es los Rude Boys. Aunque no te voy a negar que estamos un poco nerviosos por lo del día, pero también ya estamos más que curtidos en esto de subir al escenario y enfrentar al público. Pisado espacios en otros lados, pero qué mejor que estar en uno de los más importantes festivales como es el Vive Latino… Sí nos da como un poco de “mello”, pero no te preocupes, al primer guitarrazo se nos va a quitar (risas).  Pero pues ¡ya, que se acerque el Vive, me urge subirme ya!

Desde esa ocasión que platicábamos, el estado que guarda la banda ¿han realizado por decirlo de algún modo, alguna reingeniería; qué les has planteado?

Fego. – Obviamente nos replanteábamos qué iba a pasar a partir de que estuviéramos bajo los reflectores, de todo este monstruo que se llama Vive Latino. “Qué es lo que queríamos”, si queríamos ser músicos para siempre, o verlo tan sólo como un hobbie. Creo que todos coincidimos, así como nuestro equipo de trabajo, en continuar por la línea del trabajo. Si queríamos estar dentro de lo que es el “libro del rock mexicano”, pues nos enfocamos en que tendríamos que trabajar “todavía más duro de lo que veníamos trabajando”. Hemos estado ensayando, en entrevistas. Yo lo que plantee, hace tiempo, fue que si querían una vida de rockeros, habría que estarse mentalizando en ello. Neta, esto conlleva mucha responsabilidad. A parte, te conviertes en una figura pública, y a mí no me gustaría darle un mal ejemplo a las generaciones más jóvenes.

Dentro del grupo ¿se han dado fracturas tras 18 años de vida?

Fego. – No para nada, de hecho mi compadre toca con nosotros. Es padre porque ya nos conocemos, sabemos de qué pata cojea cada quién y en lugar de echarnos piedras, nos apoyamos, nos aconsejamos y eso ha mantenido a la banda viva estos 18 años. Lo que yo sí quisiera, es vernos igual, cuando lleguen nuestros 20 años de vida como banda. Tocando y haciendo lo que nos gusta, así como presentando discos.

Para este aniversario del Vive ¿qué esperan ustedes, qué verá la gente que aún no les conoce y qué piensan de que hay que arrojar sangre nueva al Vive?

Fego. – Pues nos vamos a presentar como siempre, como somos. Para quienes ya nos conocen, ellos ya saben qué onda, pero para esos que aún no saben de qué va la banda; ¡ten por seguro que los vamos a contagiar! Sobre todo, por toda la gente que va a estar cantando y bailando ese día. Nosotros vamos a disfrutar del evento ese día, vamos a hacer el escenario nuestro. No invitamos a nadie, artistas o de gente que nos rodea, del medio; porque queremos que sea por nuestros propios medios. Nosotros llegamos por nosotros mismos, y queremos que así nos vean y nos conozcan. Queremos empezar con el pie derecho, porque sabemos que iremos subiendo peldaños, de escenario en escenario. Consolidar a la banda e internacionalizarla, porque la verdad es que hemos trabajado mucho para lograr eso.

Los Rude Boys estarán tocando este sábado 16 en un horario privilegiado, a las 18:55 horas, el Ska del barrio, se verá en la Carpa Intolerante, para esta 20ª edición del Vive Latino. Habrá mucha gente que irá pasando, y seguramente: ¡se quedará!

Eutanasia Fest, nos llevó a la esencia del gótico ochentero, en pleno siglo XXI

Mementut // Trans-X // Selofan // Trisomie 21 en el Indie Rocks, col Roma. Fotos: Enrique L´pez Moreno.

México, 6 marzo.- Con mucha anticipación, y a través de las redes sociales el Eutanasia Fest venía haciendo su labor. Generar la máxima difusión al gran cartel con el que contarían, para el pasado 2 de marzo. La cita fue en el foro Indie Rocks, en Zacatecas #39, en la Roma. Con un retraso en la apertura de puertas, así como el inicio del evento, las obscuras sombras y etéreas ya formaban un solo y gran espíritu en torno a las bandas que ahí tocarían. Esfuerzos realmente teatrales por parte de algunos de los asistentes, me recordaban  imágenes de videos, donde el entusiasmo de los asistentes; acudieron con sus más elaborados looks para ver a sus ansiadas bandas. Apariencias enteramente darks, cuidadosos e  ingeniosos maquillajes blanquecinos sobre negros, ropas verdaderamente elaboradas, desde el clásico dark ochentero, pasando por los techno-dancers, fetiches, steampunks etc.

Por fin, ya dentro y tras una exagerada revisión por parte del personal de seguridad, que hacía lentísimo el acceso; tratamos de ubicar el escondido baño. Pues con más de medio litro de agua en mis riñones  que previamente me había empinado debido a esta ola de calor, que creo será así para casi todo el año, recorrimos el Indie Rocks para encontrar el mejor punto del escenario…

En lo que es el balcón de esta antigua casona, hoy escenario de espectáculos. Emergía Mementut, dueto post punk experimental. Tras dos años de haberse formado, el sonido de éste arreglo sonoro tiene una gran potencia, particularmente en la línea del bajo. Sus influencias son claras aún en su sonido, es posible percatarse de ecos sonoros que mezclan el estilo de Bauhaus, algo de Joy Division, particularmente en el bajo,  y ese fondo mono estéreo típico del punk, pero con la melancólica reminiscencia de los Siouxsie And The Banshees. Sus atmósferas son siempre a tope, como carrera que pegas tras haber visto una sombra extraña y de noche. Las liricas que aborda el grupo son sobre “la política, las guerras y la religión en la mente de un ser humano con enfermedades mentales y/o daños psicológicos, un apego a temas relacionados a condiciones como el autismo, la sociopatía, la psicopatía y la bipolaridad, el odio/amor a la oscuridad de Dios, la inestable meditación para alcanzar la paz en un lugar sin luz o esperanza y aquello que solo los individuos trágicos pueden percibir en sus emociones”.

Su nombre es la combinación de  Memento, del latín “recuerdo” y, Tot, muerto, en alemán. Algo como un “recuerdo muerto”. Esta idea provine de aquella teoría médica que, cuando una persona fallece, aunque clínicamente se le declare como “fallecida”, existe la teoría de que en el cerebro, aún existen registros de algún recuerdo que no ha dejado de existir.

Pasadas las 21:00 hrs, aterrizaba la nave de Trans-X. Con un gran cúmulo de horas vuelo interestelar, la historia del Synth-pop, el High Energy y el Space Disco que nacía en los 1980 y se asentaba duramente en México, subían al entarimado. Pascal Languirand, oriundo de Quebec, Canadá. Con sus ya, quizás más 37 años de carrera profesional musical, carga con un extenso listado de álbumes en estudio, videos, acoplados y sencillos que  sonaron por años en la radio nacional. Cómo olvidar el exitoso single “living on video”,  track que vaticinaba lo que sería los sonidos electrónicos de hoy día en bandas tanto nacionales como de otros países. O el “Message on the Radio”. De hecho, el nombre de esta banda, según cuenta el mismo Pascal, surge del álbum Trans Europa Express del grupo alemán Kraftwerk (de quien ya tuvimos la oportunidad de entrevistar a uno de sus miembros), ya que Pascal considera que ese álbum sería el parteaguas y ruptura, que pondría los cimientos para todo lo que hoy conocemos como la música “electrónica”.

Si algo hay que agradecerle a este gran músico, es ese tino que tiene al escoger esas voces femeninas que regularmente abren las puertas a la inquietud. Esa sensación de tratar de saber “quién puede ser esa sensual voz”. Pero en la era digital, es posible descubrir a través de un toque, esos detalles antes tan difíciles de conocer. En Tans-X, hemos escuchado desde la bella Laurie Ann Gill, hasta su actual y sensual vocalista, la bella y carismática Lily Contreras, quien además, es locutora en una estación de radio. Empezaba su show y de pronto, hubo que parar. Pues la batería de Aletz Franco no sonaba. Subían los técnicos, revisaban, y ahora el que ya no sonaba era el sintetizador de Pascal. El tiempo transcurría y a los fotógrafos ya nos quieran remover, pero no habían tocado ni una sola pieza. Y como suele ser, el ingenio nacional se hacía presente. “Pascal y si lo apagan y encienden” “Pascal, pásales factura” entre otros comentarios, sacaban la risa nerviosa de la sensual Lily. Revisaban cables, y tras 15 minutos más, por fin, la vieja escuela del sintetizador y los ritmos pegajosos comenzaban a sonar. A través de una extensa gira por sus grandes éxitos sonoros de ayer y de ahora, los fans bailaban y se contorsionaban de formas muy ajenas a la época de los ochenta, pero con el mismo entusiasmo. De este modo, Trans-X dejaba extasiados a muchos fans que sudaban copiosamente, envueltos por el tremendo calor en la antigua casona.

Se hacía una pausa para montar el escenario a la siguiente banda, la muy esperada agrupación griega: Selofan. Éste es un proyecto que recupera y renueva toda la escena gótica inglesa y europea, para dotarla de nuevos bríos. Compuestos por la excéntrica magia de Joanna Pavlidou y el multinstrumentista Dimitris Pavlidis, el dueto conectó con la gran audiencia mexicana. Grecia, es la nación helénica que más le ha aportado a la humanidad. Desde el campo de las ciencias y humanidades, la geometría, la filosofía y el amplio espectro del arte, así como esta conexión que tenemos con los muertos. Quizás de ahí, que el vaso sanguíneo que hay entre Grecia y México, esté más cerca de lo que creemos.

Ataviada por un vestido rojo a rayas negras, sin mangas, medias de malla negras, así como un top de igual material que cobijaban sus brazos, para rematar en unos guantes negros. La inmensa y delgada rubia Joanna Pavlidou, emergía envuelta por una nube que la iluminaba desde el fondo, como el espectro de una hermosa muñeca macabra. Un delineante negro grueso, acentuaba sus inmensos y expresivos ojos, algo de rosa sobre sus cejas y una bisutería que decoraba tanto su cuello, manos y cintura para jugar en ese contraste de elegancia; dada la importante noche, para ellos y su público mexicano.

Selofan es ya una banda que podemos considerar: una consagrada.  Pese a su estilo de vida underground. Cuenta con seis álbumes, con tracks interpretados tanto en su idioma natal, francés, inglés y algo de alemán. Desde la extensa fila que hacían los admiradores, la entrega de la banda hacia el público fue total. En varios momentos la gente coreaba fragmentos de sus rolas. Ya en inglés, francés y griego. Las manos se extendían intentando alcanzarse, franqueando el espacio que creaba la valla y los artistas. Incontables esfuerzos se dieron a lo largo de su presentación, intercambio de plumas, hojas y discos para que se los autografiaran. Desde al arco de un muro, que era mi esquina, sonrisas extasiadas se veían detenidas por las luces del escenario.

El ritmo que llevaba Selofan era tan cadenciosamente contagioso, que  probablemente espíritus envidiosos, lanzaron alguna suerte de hechizo que interrumpía bruscamente con un apagón la energía que alimentaba los instrumentos durante su presentación. De nueva cuenta, un batallón de técnicos subía a revisar el sistema linfático de cables para ver qué había pasado, tras 15 minutos de espera, se reanudaba el performance mortuorio musical.

A poco de terminar su show, era hora de celebrar el cumpleaños de Joanna Pavlidou. La productora (Eutanasia Producciones), le tenía un pastel con sus velitas, para que la vocalista fuera homenajeada con su público. Era muy notorio el sentimiento de estar conmovidos. Tanto Joanna como el mismo Dimitris. Así un coro, ya no griego, sino enteramente mexicano. Entonaban las mañanitas con todos sus fans. Un pastel y flores se presentaban en su honor, seguida de una lluvia de aplausos que los invitaba a continuar. Para los Selofanes, la noche era larga, pues al grito de "¡Selofan, Selofan!” la banda pedía más de ellos, y así fue. Selofan era la banda donde los corazones mexicanos se entregaron por completo.

La última y más extensa pausa fue de unos 30 minutos aproximadamente. Tiempo forzosamente requerido para hacer más pruebas al audio, ya que a las tres bandas anteriores les venía fallando. Así aparecía otra leyenda más sobre el escenario: Trisomie 21, agrupación gala, que para algunos, “era más que suficiente”. Este trío nace en 1981, y viene conformado por los hermanos Phillipe y Hervé Lomprez. Durante un tiempo les acompañaron Michel Matuszak (amigo y mentor) y Pascal Tison (en el bajo). Actualmente cuentan con un nuevo guitarrista, un joven que le impregna más potencia y energía al sonido de ésta banda.

Los Trisomie 21 son (sin decir menos), una elegante banda; como suelen ser muchas de las producciones francesas. Estos artistas, muy completos en su formación, se adueñaron con enjundia del escenario; pues la tarea no era ya para nada sencilla, desde que Mementut había pisado el entarimado, el nivel de calidad subía y subía en crescendo. En tanto, el metrónomo marcaba a un ritmo de ¾  en la clave de sol. Con tan larga trayectoria, la madrugada no daría para que sonaran toda su producción. Así que temas seleccionados a lo largo de su trayectoria musical, así como su más reciente material “La elegancia no muere” (2017), serían piezas escogidas que arropaban la calurosa noche que no cedía.

Bien calibrada, la banda así como su sonido, los eslabones se unían bien aceitados sobre cada piñón, los cambios de velocidades dejaban la navegación en una solo velocidad, dejando una trayectoria limpia y a barlovento, provista de gran alegría. Donde los fans ya no soñaban, eran parte de una gran noche con boletos agotados. El Indie Rocks tiene una placa que señala que ese es un espacio que admite hasta seiscientas y pico de almas, seguramente ¡así se encontraba!

Sin espacio para las dudas, al final. Los obscuros espíritus que habitaron el Indie Rocks, abandonaron el recinto desvaneciéndose conforme la luz retornaba hacia el planeta Tierra. Aquellos oídos que se hicieron vista, sensaciones, olfatos y lenguas que se saboreaban mientras danzaban; llevaron sus respectivas cabezas a reposar sobre sus respectivas almohadas. Sus sueños, intentando reparar los aporreados huesos, tras haber disfrutado de una gran noche gótica, y con la satisfacción de que Eutanasia Producciones, había logrado lo impensable. Reunir en una noche y de manera tan exitosa a bandas del dark-punk-post-new wave-dance-pop-synth pop y space disco de tan alta calidad, tanto nacionalmente como a nivel internacional en un solo lugar.

Epílogo: músico pagado, toca mal son.

Proyectos artísticos jóvenes, así como de larga trayectoria; compartieron el escenario gracias al entusiasmo de la productora Eutanasia. Sin embargo, los incidentes con el audio hacia los artistas es un detalle al que le deben poner particular atención. Pues a Mementut le falló en varios momentos, pero se corrigió de forma expedita, tal vez por lo breve de su presentación. Donde las cosas pasan a semáforo de alerta en naranja es con Trans-X y Selofan. Con uno, tardaron alrededor de 15 minutos en arreglarlo, ocurriendo en el arranque, pero con Selofan; a mitad de su evento, ¡un corte absoluto en el audio! Un acto verdaderamente garrafal.

Esto es de llamar la atención, pues los que llegamos temprano, pudimos escuchar cómo se llevaban  a cabo las pruebas del audio o el famoso “sound check”, previo al inicio del concierto. Este ejercicio se realiza siempre; con la intensión de evitar que lo ocurrido pase, y no al revés. Estos detalles son los que empañan a tan maravilloso espectáculo, pues el esfuerzo que realiza una productora para conseguir a los artistas, encontrar el lugar y armar toda la logística, para que se descuiden los detalles y se trate mal al público y se dé una imagen de falta de profesionalidad con los artistas, limita que éstos regresen con la intensión de ofrecer un concierto en México.

Y es que este Eutanasia Fest, estuvo siendo observada con la daga de la muerte, pues cambiaron de sede, cosa complicada, se les enferma un integrante de otra banda que ya no pudo llegar, y que formaba parte de este ambicioso cartel, la muy esperada Levanon Hanover, los problemas con el audio, es decir, difícil tarea les toco a los organizadores como para que los técnicos del Indie (o de la productora, no sabemos de dónde provinieron estos detalles) dejen notas mal tocadas. Sin embargo, tras todos estos traspiés, el evento fue un rotundo éxito. No sólo para la productora, sino para la gente y los artistas. Con un lleno absoluto, no cabía nadie más en la casa de Zacatecas #39, en la colonia Roma.

Vale la pena estar al pendiente de los eventos de Eutanasia producciones, ya que este ejercicio lleno de entusiasmo deja ver que escogen muy bien la secuencia o menú que se habrá de degustar. Así, como encomiarles a que se desplacen como originalmente estaba planeado este festival obscuro, un poco al norte de la CDMX, ya que por estos rumbos, han dejado de traerse eventos de tan elegantes ropas.

Aguamarina, “la niña que piensa en vos”. Revisamos el disco epónimo de la cantautora argentina.

Portada del disco Aguamarina (ídem)// Foto proporcionada por la artista.México.19 febrero. Revisar un disco es toda una aventura. Desde cómo nos  conectamos con los primeros acordes, las primeras notas; y ese magnetismo al que son atraídos nuestros sentidos. Así, el cómo va hilvanando cada una de las notas musicales que atraviesan nuestros oídos. Notas, que irán construyendo carreteras de imaginación.

Hoy, revisaremos el disco de Aguamarina. “la hormiguita bonaerense que labora y labora desde el jardín, para lanzar sus flechas al viento; en espera de ser escuchada”.

Aguamarina, se edita y produce en 2018. El acoplado está compuesto por 9 tracks o pistas: 01 - el camino del agua, 02 - pájaro azul, 03 – lalá, 04 - nada que entender, 05 – territorio, 06 - tu hogar, 07 – unidad, 08 - amanece por fin y 09 - viene del corazón.

Como ya mencionábamos, en la entrevista que sostuvimos con la cantautora (el pasado 2 de febrero), Agua nos comentaba que cada una de estas canciones, son los brazos de una familia, donde todas ellas, van unidas por su voz.

¿Cómo es cada una de las flechas musicales que lanza esta joven intérprete? En el “camino del agua”, primer track de este álbum epónimo. La línea sonora se sostendrá por una emotiva guitarra acústica, instrumento que impulsa a vocablos antiguos provenientes del sur del continente Americano. Las primeras notas que salen, me  recuerdan al sonido de los Caifanes. La rola es casi un canto a capela, llena de ritmos sincopados. La acompañan unas palmas de mano y tal vez una cabasa, que suena a cascabeles que imitan el torrente de agua.

Posteriormente viene “pájaro azul”. Rola que podemos considerar como el sencillo con el que se mueve este álbum. El video, del cual dejamos en enlace https://www.youtube.com/watch?v=jgzz8PZjpO0 Es un video hermosamente narrado. Usando como telón de fondo, encontramos un tapete de hojas en diferentes tonos ocre. Allí, un teatro nos narra la historia de un pájaro azul y la niña que sueña con él. La voz tersa de Agua, nos susurra dicha historia. El tambor marcha con su escobilla a ritmos jazzísticos, mientras la guitarra pulsa como viento que viene del sur.

Lalá”, es una pieza que abre un gran portón, dada su amplia sencillez. Un piano toca las primeras notas, antesala hacia ese gran espacio: el universo. Ya inmersos en ese cosmos que nos observa, la narrativa nos pone entre manos la importancia de nuestra presencia en la vida o en la Tierra, de ese polvo cósmico que somos. El misticismo de esta composición, dada la presencia del arpa, otro instrumento que acompaña a la voz, mantendrá un dialogo con un infante. Alrededor de esta esfera narrativa, presenciaremos la fragilidad de lo que somos. Para finalmente, agradecer a la vida, el uso de ese espacio que ocupamos.

Nada que entender”, es una pieza de amor. Una donde no habitan explicaciones claras, todo tiene un nombre, y se convierte en referente, pero nada parece ser. Sólo existe, y se vive. Armada a contratiempos, la sensación que experimentamos mientras suena esta pieza, es la de que el tiempo sonoro transcurre a través de pinceladas. La guitarra acústica como siempre, sonando delicadamente.

Territorio”, es quizás, la pieza con más potencia. Desde el arranque, la guitarra acústica de Agua se ciñe a la cintura del baterista. Las atmósferas inclasificables que nos “¡suenan a eso, pero a eso, también!, se manifiestan El violín, así como el chelo, engrosan la voz de Aguamarina, y dentro de esa fuerza, nos sentimos con el ímpetu que nos anima a correr envueltos por una contagiable alegría. (Una de mis favoritas). 

Tú hogar”. La atmósfera aquí, aunque no llega a la esencia del progresivo, se alimenta de sus ideas. Armada con unos sonidos electrónicos, muy discretos, que emergen desde el fondo, los cuáles nos rebasarán en cierto momento, irán acomodándose al lado de las dos guitarras, la acústica y la eléctrica. (Me da la sensación de volver a sentir las visiones con las que alguna vez nos visitara Soda Estéreo, pero siempre con la esencia de Aguamarina). Su letra, como en todo el recorrido, abarca el mundo de sus vivencias, de las cosas que Agua nos viene contando, de lo que ella ha buscado qué decir y qué es lo que quiere cantar.

Unidad”. Obra que pone sobre la mesa el mundo de las dualidades, el estar dentro o afuera, el blanco o el negro, lo importante es buscar la esencia, la unidad.   Para volver sobre nuestros pasos y de este modo, aprender a resolver nuestras diferencias.

Amanece por fin”, es otra de las piezas más bellas. Enriquecida  por sonidos de oriente, pero armada artesanalmente en las pampas argentinas. La canción se compone de violines, chelos, tambores y un juego a dos y más voces. Dichos cantos, le proporcionan el brillo a una tenue luz de la bóveda celeste. Aquí, otro mensaje más sobre nuestro paso por este planeta Tierra.  De un viaje que comenzó en alguna parte, y aún sigue.

Viene del Corazón”, última pieza y el cierre de este primer viaje que es Aguamarina. La chica que luce congelada en su bóveda de cristal, rodeada de flores lívidas, detenida en el tiempo. Las últimas notas son las de un piano que sella la tapa al viaje que nace en Buenos Aire, se muda a la Patagonia, y de momento se encuentra en  Córdoba, en la inmensa cierra Argentina.

La construcción artesanal para este primer disco corrió a cargo de: voz, letras y composiciones de Aguamarina// Diseño Gráfico: Esteban Goicoechea// Fotografía de tapa: Gisela Volá.

El camino del agua : Aguamarina: Voz y Guitarra//María Di Pace: Guitarra y arreglo//Diego Lozano: Bajo y Programaciones//Ignacio Svachka: Batería y Percusión.

Pájaro azul: Aguamarina: Voz y Guitarra//Nico Spivak: Guitarra y arreglo//Amanda Irarrazabal: Contrabajo//Mario Gusso: Batería y Percusión.

Lalá: Aguamarina: Voz y Guitarra//Marcela Viciano: Coros//Diego Lozano: Piano, Sintetizador, Guitarra, Programaciones y Coros//Lúmina Grisanti Virasoro: Voz de Niña//Gonzalo Danguise: Bajo//María Di Pace: Arpa y arreglo//Ignacio Svachka: Percusión.

Nada que entender: Aguamarina: Voz y Guitarra//Gonzalo Danguise: Bajo//Diego Lozano: Guitarra y Programaciones.

Territorio: Aguamarina: Voz y Guitarra//Amanda Irarrazabal: Contrabajo//Lucía Gómez: Cello//Mario Gusso: Batería y Percusión.

Tu hogar: Aguamarina: Voz y Guitarra//Gonzalo Danguise: Bajo//Diego Lozano: Sintetizador//Matias Kupinsky: Guitarra Eléctrica.

Unidad: Aguamarina: Voz y Guitarra//Rodrigo Carazo: Coros y arreglo//Diego Lozano: Guitarra//Gonzalo Danguise: Bajo//María Di Pace: Ngoni y arreglo//Ignacio Svachka: Batería y Percusión.

Amanece por fin: Aguamarina: Voz, Guitarra y recitado del poema "Tiempo del hombre", del maestro Atahualpa Yupanqui //Amit Giat: orando en árabe por la paz// Matías Mahmud Ortola: Tambur, Bendir, Laud, Hang, Coros y arreglo// Diego Lozano: Sintetizador.

Viene del corazón: Aguamarina: Voz// Diego Lozano: Piano y Programaciones.

Este primer trabajo sonoro fue grabado de manera gratuita en el Estudio Urbano, espacio de formación y promoción de la música independiente, de la Dirección General de Música del Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires.

Para descargar el álbum completo o por partes, dejamos el siguiente enlace https://store.cdbaby.com/cd/aguamarina  No dejen de darle like y seguir a esta cantautora, sencilla y muy elocuente en su red de Facebook como: Aguamarina Canciones.

O bien, anímense a escuchar el álbum y darle seguimiento a este esfuerzo legítimo y original que nace en Argentina, pero que va trazando su caminito para algún día llegar a México, en Aguamarina 2018 full álbum: https://www.youtube.com/watch?v=nErGIeqgumY&t=1s Donde encontrarán más datos de seguimiento e información para esta novedosa producción.

La penumbra y sus criaturas sensuales, abrirán sus alas negras en el Festival Obscuro de la ciudad de México, este 16 de febrero

Festival Gótico CDMX 16-Feb 2019// Cartel del evento.

México, 13 febrero.- La ciudad de México por sus tradiciones y su abigarrada mezcla de arquitecturas, es el espacio idóneo para ver transitar esas coloridas almas obscuras en pena, que tan sólo buscan un rosario para descansar su condena. Y aunque la muerte ronda sobre ellas, el Festival Gótico CDMX 2019, será la media luna para que estas almas emerjan de sus tumbas.

A celebrarse un evento completamente dark, este 16 de febrero, el Foro Bizarro será la cede para que bandas provenientes del rock obscuro y post punk tanto de Estados Unidos como de México; manifiesten sus negras intenciones. Ubicado en Yucatán # 10 esquina  Álvaro Obregón, 1er piso, en la colonia Roma Norte, ciudad de México. Este espacio alternativo de música, sala de eventos y espectáculos así como Pub, posee la estructura ideal para la reunión íntima con los invocadores a los siete sellos.

Para este Festival Gótico contaremos con la presencia de grandes leyendas de los años 1980, iconos  que fueron un referente para muchos. Incluso para movimientos que hoy recuperan ese sonido y se encuentran muy en boga. Gitane DeMone, es una artista con más de 30 años de carrera. Como tecladista y vocalista, formó parte de la mítica leyenda  de Christian Death. Antes de haber formado parte de la banda de culto, participó en proyectos como  Pompeya 99 y Dreadful Shadows

Influenciada por Billie Holiday, en su natal California, la talentosa vocalista ha evolucionado desde aquella época en que; siendo integrante de una banda metalera, se dañó la voz al forzarla. Con el tiempo sanó y buscando ayuda, se preparó con una maestra que había entrenado la voz de la actriz y cantante Barbara Streisand. Con ella encontró las técnicas adecuadas para crear su propio estilo vocal. Tras varios singles, EPs y álbumes de estudio, la voz que mastica entre dientes frases clave como “éxtasis”, “deseo”, “placer y muerte”… Realizará su performance al viejo estilo, sólo para melómanos que podrán escuchar la calidad de su voz y descubrir el antecedente más antiguo de estilos muy en boga en bandas del  indie-pop-dark-new wave, shoegazing etc; de hoy día.

Pero si mencionamos a Christian Death, es de imperiosa necesidad hablar de otro de sus elementos obscuros, Rikk Agnew. Oriundo también de California, el multinstrumentista y guitarrista del condado de Orange, ha pasado por los géneros del punk, postpunk y deathrock y punkmetal. Al igual que DeMone, formó parte de la mítica banda. En cierta ocasión que asistía a un concierto de Christian Death, les preguntó “si necesitaban de otro guitarrista”; poco tiempo después, formaba parte de esta alineación

Agnew se enrolo en dar forma a un proyecto en solitario. De 1982 a 1992, lanzó el “All by my self”, el “Emotional Vomit” y “Turtle”. Del Emotional vomit, declaró en cierto momento que cuando grabó ese disco, se sentía completamente desorientado y emocionalmente deprimido. Actualmente Rikk forma parte del grupo Gitane DeMone Quartet, y será parte de este festival.

Pero como toda escuela tiene sus seguidores, en México encontramos el aquelarre de Lúcida Fila. Armada con los espíritus de Damian Vazzmor / Voz y Guitarra, Lis Amethyst / Yael / bajo, Teclado, Armand "kuri" / Guitarra y George Strada / Batería. La banda se define como “una banda melancólica que le canta a la noche y que se regocija en la esencia humana”. La formación cuenta con un EP que se puede escuchar en el siguiente enlace https://lucidafila.bandcamp.com/releases?fbclid=IwAR1F9VV3dWEsH0xvy4Co3VA6EvR7hN6__OusTUSjOvfZXpi_94pU0iNkDs4  Para ellos, el acto de su música es como señalan en su cuenta de Facebook: “Nuestra influencia es extensa, consagramos el legado de bandas ya míticas de la escena oscura y del rock gótico, pero así mismo también nos impregnamos de diversos géneros que nos han acompañado a lo largo de la vida de cada quien, la música ya está hecha, sólo tratamos de juntar las piezas para darle forma según nuestra pasión...”

Provenientes de Charlottesville, Virginia, Estados Unidos. Emerge el grupo Bella Morte. Compuestos por Andy Deane, vocales; Tony Lechmanski, guitarra y segunda voz y Marshall Camden, bajo y teclados. El sonido que producen, se basa en el gótico-techno-industrial y rockabilly. Este grupo de amigos dieron vida a su proyecto en 1996. Andy Dean, vocalista de la agrupación ha sido acusado por antiguos miembros de haber tenido una conducta inapropiada con varias mujeres, sin embargo, para el 17 de enero del 2019, a través de su cuenta en Facebook, ofreció una disculpa pública para quien quiera, alguna vez haya sido lastimado. Tras ese empellón, el sonido de la banda sigue íntegro y en relativo balance.

Black Heroin Gallery, es un proyecto que me recuerda a nuestros “Qué Payasos”, pero dibujados en su versión gótica-obscura. Esta organización la componen Eyajo December Joseph, vocalista, guitarra y sintetizador, Toe knee F. Corpse, batería, Kris Fantom, guitarra y Kevin Desolate, bajo. Ubicados en el deth-postpunk gótico. La agrupación realiza un performance teatral mezcla de clown loco-desquiciado. Su rola Bellow dark waters, da la sensación de recrear aquel sonido y atmósfera de aquella gran banda Coal Chamber, en “Loco”.

Para este evento donde predomina el sonido angelino, contaremos con la presencia de Readship Hostile, banda que nace en Hollywood, California. El cuarteto viene representado por una fuerte pero suave y tersa voz que hará las delicias de este festival gótico, compuestos de la siguiente forma Adrienne Pearson, en la voz; Benn Ra, guitarra; Michael Collins, baterista y Bryan Yazzie  en el bajo. El concepto musical de este grupo se autodefine como: “Una catártica colisión entre el gótico, el death rock, el temprano punk y la sicodelia impulsada por la efervescente presencia de una gran vocalista”.

El performance, que muy probablemente veremos, recrea esa escena que veíamos en los años 1980, pero, ya en pleno siglo XXI. Es decir, toda la energía de bandas underground que empezaban a inundar la escena; más como un acto lúdico y que con el tiempo se volvieron grandes iconos y referentes en el rock gótico. Vale mucho darse una vuelta por este gran sonido, dejamos el enlace a uno de sus sitios para que se animen a escuchar: https://readershiphostile.bandcamp.com/

Y para no salirnos del estado “Dorado”, como se le conoce al estado norteamericano. Enclavados en Fullerton, California, EUA. Arribará DeepDrain Proyecto que mezcla los elementos clásicos del rock, con la electrónica. Experimentando con diferentes sonidos;  quizás sea una de las bandas que mejor aglutina ese espíritu sonoro del gótico californiano de la década de 1980. Esta lluvia intensa viene conformada por: Mario en las vocalizaciones, guitarra y sonidos electrónicos; Ismael, guitarra y voz de soporte, así como Shawn en la batería. Para los DeepDrain no hay corralitos de contención,” no seguimos reglas preestablecidas, no hay límites, no nos definimos en un solo género, producimos  el sonido que a nosotros nos  gustaría escuchar, y creemos que nuestras letras están bien, porque salen de nuestras bocas y de lo que realmente sentimos”.

Desde hace tiempo que no nos llegan los sonidos californianos. ¡Esta es una gran oportunidad para conocer y saber qué está ocurriendo en la escena!  DeepDrain nos visita con su sencillo “Come Dance with me”, del cual ofrecemos el extracto https://www.youtube.com/watch?v=twMQ283ql0c

El costo para esta fiesta de aves obscuras que se elevarán hasta insospechadas alturas arrancan en $400 pesitos en preventa, para el día del evento serán $500 morlacos, y para la zona VIP $800.00 en moneda nacional. Los boletos; directo en el Foro Bizarro o bien en Doctor Frankenstein Shop. Las góticas puertas se abrirán a las 19:00 hrs. Además, habrá diyeís en vivo: Christian Hyde, Matrix, Fallen Engel y Lilithvnv.

Por lo que el aquelarre irá terminando… ¡quién sabe a qué hora! Pero seguramente, esas etéreas almas obscuras se irán extinguiendo con los primeros rayos del sol.

Eluveitie, la banda del metal folk suizo, ofrecerá un concierto en la CDMX este 9 de febrero

Eluveitie y Ne Obliviscaris, poster 2019// Foto tomada del facebook del Circo VoladorMéxico, 4 feb.- El viejo continente sigue siendo un referente en música para buena parte del mundo, particularmente, en la escena del metal. Y por sorpresas no paramos de contar en este espacio. Toca el turno a  Eluveitie, la banda del metal folk suizo, viene a México a ofrecer un concierto en el ya famoso Circo Volador. Espacio consagrado desde hace años a presentar bandas metaleras, obscuras y demás actividades culturales. Dicho espacio cuenta con un reconocimiento a nivel mundial, por revalorar las escenas independientes desde el 2004. La banda tocará este 9 de febrero. Para mayor comodidad, el Circo Volador tiene muy cercano el metro La Viga. Los boletos ya están a la venta a través del sitio https://web.superboletos.com/ y en el mismo teatro.

Además, se presentará con ellos, Ne Obliviscaris (del latín: No me olvides). Banda que mezcla varios sonidos, que van desde el folk metal, pasando por tintes del metal progresivo, el doom metal, jazz y hasta el “flamenco”. Oriundos de Australia, la banda cuenta ya con tres álbumes de estudio. Su estilo viene muy  ad hoc con la temática que se sostendrá en el entarimado este próximo sábado.

Eluveitie ha pasado ya por varias actividades de reingeniería. Formada en 2002 ha contado con ocho integrantes que han dejado un gran legado en su paso, sobre todo para los fans. Pocos recuerdan a Sarah Wauquiez, quien participó hasta el 2006, en cambio hay dos talentos vocales e instrumentales que muchos aún tenemos en mente. Por un lado, la menudita belleza de Anna Murphy, que aparecía tocando la “zanfona” (antecedente de lo que es hoy día un organillo o incluso, algunos citan al piano). Éste instrumento data desde el siglo X; y en España se le conoce como la “vihuela de rueda”. Instrumento muy utilizado en los conciertos de música religiosa medieval.

Además, imposible no recordarla  interpretando el sencillo “Inis Mona”, rola que nos retumba en la cabeza, y que forma parte del disco Slania del 2008. Mención aparte tiene su compañera y amiga, la violinista Meri Tadic, que sustituyó a Linda Suter y a Mattu Ackerman. Y que  también aparece en el video (y giras de la banda), interpretando la misma rola, hasta su separación de la agrupación.

Desde que surgió esta banda, y firmó con la disquera más importante del metal: Nuclear Blast (con sedes en Alemania EU y Brasil), mucha gente no comprendía ni la letra, ni el idioma en que se cantaban Inis Mona, (entre otras). Pues ésta canción, es un ejemplo muy vívido de esas influencias céltica-nórdicas, galesas y helvéticas con las que se arman las letras y atmósferas medievales en Eluveitie; a lo largo de sus ya casi 17 años de vida artística.

Incluso el mismo nombre de la banda, resulta complicado. Según  Wikipedia, la mejor manera de pronunciar el nombre de la banda es: El-vei-te, nombre proveniente del galo antiguo, signado, muy probablemente en el siglo VI. Desde esa misma línea consanguínea, provienen muchas de las letras. El nombre de la banda fue tomado de una pintara encontrada en la ciudad de Mantua (300 a. C.)​ En la inscripción se hallaron en letras etruscas “eluveitie”, “(h)elvetios  o el helvético”, probablemente en referencia a un descendiente de los helvecios que vivió allí.

Lamentablemente y hasta la fecha, el metal es un género muy vilipendiado y poco comprendido. Razones hay, pero carecen de sustento. Eluveitie es una banda que aborda temas medievales, de gestas épicas antiguas, que no nacen de la improvisación.  Para sus composiciones, aquellas donde hablan en lenguas celtas, galesas, bretonas o helvéticas, acuden con expertos en lingüística e historia, para que al abordar los temas de los que nos van a contar, hechos históricos, mitos y leyendas; donde la imaginación y poética que nace de su trabajo, hacen que al poner atención a su narrativa, la  experiencia de escarbar e investigar sobre sus letras sea para el escucha, un suceso doblemente enriquecedor, tanto por dejar volar la imaginación, como para cada uno de los discos.

Por tanto, el metal en muchas de sus variantes, es más que un simple sonido, está compuesto de arreglos, investigaciones, esfuerzos tanto musicales, humanos y literarios que enriquecen y aportan mucho a la cultura, que géneros burdos como el reguetón o la narcomúsica. Pero ese será otro tema.

En esta visita a nuestro país, Eluveitie estará compuesto hasta el día de hoy, según su red social oficial en Facebook, con la presencia de: Alain Ackermann – batería, Chrigel Glanzmann – vocales, mandola y mandolina, flauta pequeña y baja, gaita y el bodhrán (tamborcillo que se toca por ambas caras),  Michalina Malisz –zanfona; Jonas Wolf – guitarra, Rafael Salzmann – guitarra, Matteo Sisti – flauta pequeña y baja, gaita y mandola, Kay Brem – bajo, Nicole Anspenger- violín y Fabienne Erni – vocales, harpa y mandola. De tantos cambios que ha procesado la banda, la única constante que afortunadamente no se despeja es el buenazo de Chrigel Glanzmann.

El estilo de armar su sonido se basa en instrumentos que pertenecen a las maderas y vientos antiguos. Así como ya hemos mencionado lenguas medievales antiguas, destacando la gala, celta y helvética. En realidad no es de extrañar, ya que en la era medieval, alta, media y baja, muchas culturas pasaron dejando una importante huella en la Suiza.

Al otro lado del  mundo

Ne Obliviscaris, banda que tiene su sede en Melbourne, Australia, es una banda integrada por Tim Charles (voz y violín), Xenoyr (voz gutural y letras), Matt Klavins (guitarra), Dan Presland (batería), Benjamin Baret (guitarra líder) y Martino Garattoni (bajo). (Señalar, que la alineación puede cambiar al momento de visitar nuestro país el día del evento).

En tiempos donde las vacas están muy flacas y el horno no está como para bollos, la agrupación alimentó su proyecto bajo un subsidio colectivo. Con estos esquemas de patrocinios, lanzaron una convocatoria en 2014 para que los fans les apoyaran en su gira mundial. La perspectiva era reunir 40 mil dólares australianos, pero con tal éxito resultó la campaña que en agosto del mismo año reportaron haber superado con creces sus expectativas y rompiendo el registro en más de 86 mil dólares australianos.

Las grandes puertas del Circo Volador se  abrirán con el contenido de estos tres álbumes: Portail of I (2012), Citadel (2014) y Urn del 2017. La noche del 9 de febrero, las almas aztecas vestirán de negro eterno el Circo Volador. Con dificultad, creo, corearemos algunas de las rolas, pero es innegable que este evento es uno de los imperdibles. Pues Eluveitie por sí misma es una banda que posee una riqueza intrínseca de muy alto calado, sin despreciar para nada a Ne Obliviscaris, que alimentará los pergaminos de la hermenéutica europea de letras medievales.

Este evento llega a México gracias al esfuerzo que realiza Dilemma Conciertos. La entrada, es de corte general. Y su costo ronda los $780 morlacos nacionales. Los boletos, se pueden adquirir de manera directa y en taquilla, lo que elimina el sangrado al bolsillo, sin cargos extra.

Ya, vayan sacando el Youtube y a ponerse a estudiar, porque la escena se va a poner ruda al momento de cantar.

Septicflesh, la banda griega del doom metal sinfónico más fino, toca este sábado en el Metropolitan

Septicflesh en México// Fotos del sitio oficial de la banda y de Google imágenes

México, 02 febrero.- Arrancamos fuerte y duro con buenas propuestas este año 2019. A pocos días de enero, acudimos a ver en su visita intimista, al legendario guitarrista inglés Steve Rothery Band, integrante más longevo y original de Marillion, banda del rock progresivo con una sonoridad única. En tanto, las propuestas más abigarradas y de gran calado no dejan de acudir a nuestro país. Toca el turno a la banda griega del death metal sinfónico más fino: Septicflesh. Exponentes del viejo continente, vienen a realizar un performance sinfónico, este 2 de febrero en el Teatro Metropolitan.

La alineación del doom metal que pisará el entarimado este sábado viene orquestada de la siguiente manera: Sotiris Vayenas,  guitarra y voz limpia;  Spiros "Seth" Antoniou, voz gutural y bajo; Christos Antoniou,  guitarra y orquestación; y finalmente Kerim "Krimh" Lechner  en la batería.  

Ya desde hace unas semanas, venía anunciándose su arribo a la ciudad de México para tocar y compartir con la audiencia chilanga. Su objetivo, convivir con  los fans mexicanos. Sin embargo, la experiencia no acaba nada más ahí, pues la agrupación, procedente de la mítica Ática, en Atenas, viene con el propósito de hacer una grabación de su gira por México, así como guardar para la memoria, el recuerdo de cómo brincan y se mueven las matas aztecas bajo las épicas notas del death metal sinfónico helénico.

La convocatoria fue lanzada desde la red social oficial de la agrupación para la gran comunidad azteca.  Por lo que Sotiris Vayenas, miembro fundador de la banda, realizó un video con un mensaje de invitación, invocando  a las “pirámides aztecas” a juntarse y  celebrar este gran mestizaje a través de las obscuras letras de Septicflesh: https://www.facebook.com/SymphonicExperienceConcerts/videos/2154432924817848/

La agrupación nace en 1990, pero es hasta 1991 que con el EP Temple of the Lost Race, lanzado en diciembre, arrancan los fuertes caballos del sonido obscuro de voces guturales. Sin que le hayan robado el mes de abril al quinteto, en 1994 graban su primer álbum: Mystic Places Dawn. Ya desde este disco, era clara la línea sinfónica que siempre acompañarían las composiciones del grupo. Desde entonces llevan en su cuenta diez álbumes grabados en estudio. Sin embargo, como toda familia sufre de cambios en su estructura y algunos miembros que originalmente se unieron, ya no están, cediendo su espacio a otros que continúan contribuyendo al proyecto.

Hasta 1997 la formación se mantiene estable. Es para 1998 que suman con Natalie Rassoulis. No obstante, este  momento de avance llegará hasta el 2003, fecha que marcará un receso para la banda, dispersándose cada quien hacia otros proyectos. Para febrero del 2007, se da un gran anuncio, la banda se vuelve a reunir dentro del marco del festival griego Metal Healing Festival, junto a bandas como  Orphaned Land, Rage y Aborted. Para estas mismas fechas, el sitio en línea Blabbermouth.net, famoso sitio en línea por abordar temas especializados sobre bandas del metal, anuncia la salida del séptimo disco de estudio. Grabado con una orquesta, el álbum Communion se grabó bajo el sello discográfico francés Season of Mist, lanzado en 2008.

La aparición de éste disco, marca la reunión tras la separación del 2003. En este punto,  el lanzamiento del Communion se realiza en dos fechas: el 17 de marzo del 2008, para todo el mundo, y el 25 de marzo, para el mercado norteamericano. Con esto arrancan una renovada gira. Lo particular de este disco fue que contó con la presencia de 80 instrumentistas, así como un coro de 32 intérpretes.

Dando un brinco en el tiempo, Dante Díaz, genio creador de Warkabinett, nos cuenta algunos detalles para este evento que tendrá lugar en el  Teatro Metropolitan. Así como de coincidencias a esa fecha tan icónica, y el lanzamiento de aquel representativo disco: el Communion del 2008, álbum que pretende repetir la misma sensación, pero esta vez, en México.

¿Cómo fue el proceso para armar los coros en la presentación de Septicflesh?

- Bueno, yo conozco a la directora del coro de jóvenes de la UNAM, además, son chicos con los que trabajo, yo  doy clases con ellos. Tras una serie de pláticas, la convencí con la propuesta y es como decidimos que el Coro de Niños y Jóvenes Cantores de la UNAM sumaran sus voces como parte de éste evento.

Entiendo que además de los niños y jóvenes cantores de la UNAM, se encuentran otras voces, voces digamos de adultos ¿quiénes son y cómo decidiste armar esta alineación?

- Sí, mira. En ese sentido las partes vocales son en elemento esencial, por ejemplo, ya hemos realizado varios eventos entre los que destaco: “Zelda Sinfónico”, “El Señor de los anillos”. El año pasado realizamos Mozart. Pero Esthibaliz Rojas, Julieta Ruiseco y Cheves Miranda, aunque no formen parte del coro “oficial”, dado la intensión y la heterogeneidad que busco, fue que los convoqué. Además, son grandes amigos, de años, a los que estimo y ellos se encuentran en el género del metal.

¿Cómo han sido los ensayos para ti y qué esperas para el evento?

- Los ensayos han sido muy complicados, la banda es muy exigente, Christos Antoniou es una persona muy espacial, demanda precisión, se fija en todos los detalles. En ese sentido, me siento muy identificado con él, pues tengo un carácter muy parecido a él. Además, es mi banda favorita.

Aunque la orquesta lleva ensayando con anticipación, los ensayos generales con la banda empezaron este miércoles. Y pues nada, espero que la gente que acuda, salga satisfecha y le encante todo el esfuerzo que hemos realizado en los ensayos. Con esto, buscamos hacer historia, ya que como sabes, se grabará un DVD de la banda aquí en la ciudad de México y en el Teatro Metropolitan.

La productora para el evento es Sinphonic Experience Concerts, productora de Dante Díaz. Cabe señalar que, esta sinfónica añadirá 100 músicos en escena, para producir la atmósfera reverberante que en escena; sólo se puede sentir. El costo de los boletos va desde los $547.00 hasta los $1,413.00 pesos. La historia comienza esta noche, en punto de las 20:00 horas, las puertas abrirán a las 18:00 horas. El metro más cercano es, el metro Juárez, quedan pocos boletos, pero como siempre, si alguien no consiguió, puede que algún corazón despeñado deje abierta una puerta.

No queda más que ir a disfrutar de este grandilocuente evento que mezcla la delicadeza de los instrumentos de una sinfónica, con los contrapuntos filosos y obscuros del death metal más fino. Y nada, a hacer historia que el mundo querrá saber cómo es el público mexicano, de su entrega y cómo inspira a las bandas a volver, pues la magia se contagiará y saldrá a darle la vuelta al mundo a menos de un click.

Aquí, un enlace que abrirá apetito y explica ese gran matrimonio que es el metal sinfónico: https://www.facebook.com/SymphonicExperienceConcerts/videos/1181671905348157/  

¡Gracias por su atención; esta es la tercera llamada: Comenzamos! 

Atrapando la flecha musical de Aguamarina

Aguamarina // Foto tomada de la cuenta del Facebook de la artista.México, 02, febrero.- Desde hacía tiempo; en la red social de Facebook, un pájaro azul de papel filmado entre hojarasca dorada y con una luz ocre como ambiente, capturaba mi atención. Le daba “play” al video y la animación exquisitamente sencilla atrapaba mi atención. Textos que en manuscrita salían a cuadro en tiritas de papel o cartulina de colores; forman parte de la letra de “Pájaro Azul” sencillo que se puede ver en Youtube, como parte de la más reciente producción  de Aguamarina. https://www.youtube.com/watch?v=jgzz8PZjpO0

Sin embargo, hasta ese momento y por tan bella voz, decidía buscar a la autora de tan melodiosa composición. Le proponía a la artista una entrevista para conocer más de la producción. A lo cual me respondía que con mucho gusto, que tenía tiempo al medio día, pero con tal destreza que me indicaba que sería a las 12:00 hrs; tiempo de Argentina…  ¡Sorpresa total! Ni por asomo me creía que tendría contacto hasta al sur del continente. El tiempo transcurrió lento, hasta hace poco que logramos contactar con la delicada y tierna voz de Aguamarina vía online. Aquí la entrevista que tuvimos con la bonaerense.

Me da la sensación que en tú familia hay una tradición musical ¿es correcto?

Aguamarina – No, no es así. Todo lo contrario. En mi familia cero música. En mi infancia se escuchaba poca música, tal vez recuerdo un casete de Zorba el griego, un vinilo de Simon and Garfunkel; y un recuerdo de “Don’t worry be happy” que escuchaba mi papá… Yo también me he preguntado como de: “dónde vino”… (Sonríe, mientras acaricia su larga cabellera castaña).

Entonces, ¿en qué momento es que abrazas la música como tu lenguaje?

A – Cuando tenía 15 años, recuerdo un día que cantaba una canción de un casete de Silvio Rodríguez. Ahí fue que “me vibró algo dentro”,  era mi propia voz. Fue que pensé que tenía que hacer algo por ahí. Comencé  a tomar clases de canto, de quena (es un instrumento de viento musical), armonía, percusiones, el camino lo fui como inventando… Una vez, una amiga, que tiene toda su familia llena de músicos me decía “Oye, ¿cómo es darte cuenta sola de que lo que querés hacer es  música? Porque a mí no me queda otra”. Es como si te toca nacer en una familia de abogados, no te queda de otra que serlo, me entendés. Y digo, con tantas cosas que me pasan, algo tenía que sucederme. En un diálogo muy de corazón, que se me encendió yo seguí ese latido. En ese pulso fue que pensé “quiero componer mis propias canciones”

¿Hubo alguna lucha interna al momento de ir creciendo en esa búsqueda como artista?

En mis clases de canto, cuando llegaba el momento del repertorio, yo quería llorar. Porque no sabía qué cantar, y no me sentía cómoda cantando las canciones que habían compuesto otras personas… (Entre risa de timidez y reflexión dice): “¿Qué tengo para decir?” Yo no quiero decir lo que dice otro... sino, qué tengo para decir yo”. No fue fácil, no fue súper fluido para mí… Para mí es ¡un tesoro poder haberlo descubierto!

¿Con qué instrumento es el que te aproximas a la música?

A – Primeramente: la voz. Y es con lo que nunca paré. Después hice de todo; fue cuando  apareció la guitarra, como una aliada para componer; porque no podía estudiar armonía sin un instrumento armónico y, como no quería delegar en nadie la composición de la armonía… Acá en Córdoba trabaje con un músico, él le ponía todo su mundo, ¡que estaba bien! Pero no era lo que yo quería decir… Así que allí empecé a estudiar la guitarra (ríe).

¿A partir de qué año empieza tú recorrido como artista, digamos tú identidad?

A - Desde que empecé hasta que edité mi disco, el año pasado… 15 años más o menos ¡fíjate! Yo empecé como “aquí sí, aquí no”. Me encontré con un montón de desafíos; desde no saber armonía y ponerme a estudiar. Desafíos como más personales, con los que todo artista crece a la hora de crear… Una cosa es “interpretar”, cosa que también me gusta, como folklore latinoamericano, muy lindo, pero estás poniendo en vos palabras que son de otros y no es el mismo desafío personal, por lo menos para mí. Yo lo que quiero es  hacerme cargo de lo que vos querés decir. Así que ese camino personal llevó su tiempo. Ya en estos dos años vengo puliendo mis propios temas, y el disco ya salió el año pasado. Con el deseo  que el producto se escuche… y bueno, no sé.

Este disco, Aguamarina (ídem). Ya, editado ¿cuál es el mensaje y hacia dónde va?

A – Bueno, el disco cuenta con nueve canciones. Todas estas canciones son una familia entre ellas. Éstas contienen  las fuerzas de la naturaleza que me atraviesan, y cómo eso nos moldea. Sin embargo, todas son distintas, y cuentan universos distintos. Lo mismo sucede con la instrumentación, yo toco la guitarra y canto. En tanto, los músicos invitados. Ellos interpretan una diversidad de instrumentos que le dan una estructura y sonoridad muy diversa y nutre el disco. Lo que las liga entre sí, a nivel sonoridad: es mi voz, básicamente. Dado que todas son familia y con influencias distintas, hay desde folclore, jazz e influencias de todo tipo, samba, sonidos latinoamericanos, sonidos de oriente, influencias de la música electrónica, un poco de todo.

Mencionas que para ti la música ha sido todo un descubrimiento, ¿qué puertas sensoriales son las que se abrieron para ti?

A – Yo soy de Buenos Aires, y viajaba seguido a la Patagonia; allá me quedaba por un tiempo, y cada que volvía a la ciudad, yo me quería morir. Creo que el haber nacido en una familia que no escuchaba tanta música me condujo a poner atención al escuchar el canto de los pájaros, o mi papá martillando en una obra, yo me seguía con ese ritmo. Te voy a contar algo, cuando apareció el “lavavajillas”. Yo me quedaba acá, escuchándolo; porque para mí era ¡toda una sinfonía! (Ríe). Y no era tanto eso, sino la música que sentía, que iba dentro mío… En una ocasión una de mis hermanas me veía bailar, acá, yo sola, sin música, ella me pregunta, “qué bailas”; entonces le empecé a cantar, pero lo que traía dentro mío.

La Patagonia tiene algo que es muy especial, y es: el silencio. Ese vacío te abre una gran cantidad de posibilidades para crear. La ciudad, como que aturde por el nivel de ruido, hay mucha información. Y ese silencio tan profundo fue lo que me atravesó mucho, como para crear mis propias melodías. Y bueno, yo llevo 10 años viviendo acá en Córdoba. De Buenos Aires, ya sabía que algún día me iba a ir. Al llegar acá, encontré un ambiente distinto, acá los paisajes son muy grandes y muy distintos, entonces, la Patagonia no tiene nada que ver con lo que es el monte, acá los árboles son pinos, todo pincha, es más seco, también hay unos lagos inmensos, tremendo frío. Así que acá recibo mucha información auditiva, de la buena.

En tus canciones ¿cuál es el rasgo o intensión de estas?

A –Me importan mucho las letras al momento de escribirlas; las escribo; si algo no me parece, vuelvo a reescribirlas… Y me da mucho gusto cuando alguien se da cuenta y me dice de las letras, hay como una retribución… Por otro lado yo veo que hay ¡mucha, mucha música en el mundo!, y mucha de esa música tiene unas letras que no dicen nada, o algo que no me gusta. Otra cosa que busco es: no repetirme. Por lo que yo trato es decir algo; “mi verdad”.

En este disco, ¿hay alguna canción que cuente una historia?

A – (Medita un poco…) Para este disco no. Tengo muchas canciones que cuentan una historia, pero aún no están editadas. Puede ser una buena idea para un siguiente disco. Lo que hay en este disco es más como intensiones, o afirmaciones de lo que yo creo que es la vida, o el camino que yo he decidido elegir. Un camino de amor que he decido seguir. De esa intersección que es mi vida, pero con amor. En el aspecto humano, la relación de contacto que hay de la persona con el universo. 

En estos tiempos donde se observa mucha violencia contra las mujeres, ¿tienes interés de abordar estos temas?

A – Para mí, el que una mujer se suba al escenario con una guitarra, ya es un acto de valentía que nos trasciende. Y coincido contigo, son temas que me interesan, pero yo siento que no es mi estilo, hacer o cantar canciones explícitamente de protesta contra la violencia de género. Abordo lo femenino pero no de forma explícita. Me gusta pensar que puedo con mis canciones “regar” con luz  la sombra.

¿En qué género describirías tu disco?

A – No, no me gusta eso. A mí cada que me dicen eso del “género”, yo digo: “cantautora” (reímos copiosamente). - ¡Es algo como muy fácil!- Yo siento que hasta que la gente no te escucha, no sabe lo que hacés. Yo creo que si dices algo como el “género”, es como anticipar qué es lo que van a escuchar… De verdad, es algo que me preguntan mucho, pero es algo que no te puedo anticipar.

En estos tiempos artesanales de hacer música desde casa, ¿cómo ves la situación, y qué complejidades a resolver encuentras?

A – Bastante complejo. Como que ahora hay una nueva manera de hacer las cosas. Hoy las redes sociales son un medio en el que hay que moverse. Que si no estás, no existís; y al mismo tiempo es algo como irreal. Yo todavía trato como de ubicarme. Esto es como ir abriendo camino, hay que perseverar. Hay que apuntar una flecha y decir, “yo voy hacia ahí… y voy”. Con una convicción de lo que estás haciendo, es lo que tenés que hacer.

Por mi parte, teniendo una apertura mental de lo que va a llegar, va a llegar, como esta entrevista que llegó. Para hacer mi música, pues iré tocando a donde pueda, a donde me llamen, como una hormiga, que “hace y hace”. Se van abriendo cosas mágicas. De alguna forma, yo tengo ese deber; de hacer llegar mí música hasta donde tenga que llegar, ¿me sigues?

Para este disco ¿cómo le ha ido de momento por allá, en Argentina, cómo lo ha recibido la  gente?

A -  Le está yendo muy bien. La gente lo recibe muy bien. El año pasado presenté el disco en Buenos Aires, en el Centro Cultura de la Memoria Haroldo Conti, un lugar muy importante para la historia y el presente argentino. Aquí en Traslasierra lo presenté en Cielito Lindo (muy mexicano el nombre), lugar emblemático del valle, al que vienen muchos artistas del país a tocar. Lo sigo presentando por aquí, siempre con muy buena repercusión, y la proyección para este año es salir de gira con el disco. A fines de febrero vuelvo a Buenos Aires, pasando primero por el Valle de Punilla (Pcia. de Córdoba). En marzo andaré por Mendoza, luego Santa Fe, Necochea… Y espero en algún momento llegar a mi amada Patagonia. También, proyectando pisar Uruguay en la primavera.

Esto lo estamos haciendo de manera completamente autogestiva, pero también estamos buscando hacernos de algunos subsidios para poder movernos un poco más. Esta es la forma en que muchos artistas independientes se están moviendo… Y bueno, algún día llegaré a México, como una hormiguita viajera, con mi guitarra, así…

 

Así, la flecha llegó y cayó en México. La hormiguita que trabaja y trabaja ronda por las inmensas tierras argentas. Labore que labore, en búsqueda de que alguien escuche en el tallado que le da forma a su creación artística. Sus rasgos de timidez, la envuelven en un halo maravilloso a contraluz; imágenes mezcla de fríos colores y efectos de ternura,  abren sensaciones que nos jalan y atraen como insectos alrededor de una luz dentro de una cabaña, con  aromas de pampas, tundras, bosques de pinos, lagos; en un eterno contacto con la tierra. Todas estas imágenes sensoriales son las puertas y ventanas que Aguamarina nos abre a través de su acogedora sinceridad. La arquera del zen, nos convence de que su arte, no es un artificio.

Si quieren saber más de esta multicolorida mujer y artista, síganla a través de su cuenta en Facebook, como: Aguamarina Canciones. ¡Pronto, hablaremos de su más reciente material discográfico!

A tan sólo unos fragmentos de navegar con Steve Rothery Band, que voló la imaginación con su guitarra, el pasado 11 de enero en la ciudad de México

 Steve Rothery Band en CDMX

México, 8 enero.- El pasado 11 de enero, la poderosa carga de Steve Rothery y su tripulación, arribaban al muelle del Black Berry ciudad de México, Insurgentes Sur 453, en la Hipódromo Condesa. La cita de partida comenzaba a las 21:00 horas en punto, con la presencia del primer contramaestre, el guitarrista argentino Gabriel Agudo, que con agudeza, realizó un cantar enteramente acústico.

Pero la noche, pese a que era larga (y por fin se asestan las primeras acciones para ir terminando con el saqueo a Pemex que se hizo por años, acentuados en las pésimas administraciones de PRIANísmo), el combustible dentro del buque Black Berry, fluía hacia  las poderosas máquinas del barco inglés. Mientras, en el muelle se escuchaba sonar el corno, que a la distancia ya sonaba,  presagiando el  inicio de una larga noche de excelentes sonidos guitarrísticos.

Este concierto bien podría llamarse Steve Rothery en cuatro actos, pues los encores con los que la gente clamó a Steve, durante su gran noche, fueron para que el gran guitarrista saliera como cuatro veces al entarimado. La primera, con su amigo y telonero Gabriel Agudo, en su presentación, y dos veces más a lo largo del concierto.

El viejo lobo de mar Steve Rothery, cuenta con sus máximos galones de combate y servicio. Con 40 años de trayectoria, este sencillo y discreto guitarrista ha visitado nuestro país en siete ocasiones, siendo México, para Steve y Marillion, un país donde sus fans, le rinden una gran devoción y particular tributo al gran guitarrista que es. La infraestructura portuaria de la noche arrojó un resultado evidente, el concierto que Steve Rothery Band ofreció, fue el de un evento: ¡muy bello! (Por cualquier lado que se le mire).

A las 21:45 hrs, la tripulación orquestada por: el subteniente, Leon Parr, baterista; el primer oficial Yatim Halimi, bajo; el oficial Riccardo Romano, tecladista; el comodoro Dave Foster en la primer guitarra; el comandante Martin Jakubski en la voz, y finalmente el almirante de esta flota, Steve Rothery guitarrista principal y gestor de las atmósferas en el buque mercante llamado Steve Rothery Band nos conducirían por una larga travesía marítima de grandes recuerdos. A partir de este momento y en adelante, las cartas de navegación nos condujeron por varios tiempos en la larga trayectoria de Marillion. La era Fish y  la era Steve Hogarth; así como su actual banda.

Durante dos horas y quince minutos, el humilde sensei tomó sus dos sables, una Jack Dent color miel, de dos pastillas para después, pasar a una hermosa y muy probable, Squier Vintage Stratocaster, de color negro modificada de los 1970. Y ya con este arsenal, la gran fiesta comenzaba…

Las atmósferas del disco The Ghost of Pripyat, abrían las puertas de la percepción frente a las dos plataformas del gran escenario, piezas que como señala su autor, nacen de la imaginación, de las emociones, pero sobre todo, del acercamiento al cine y de las experiencias con las que se queda uno al disfrutar de una buena película, de ese gran soundrack que la acompaña. Así cerraba el parte de navegación, pero como apenas zarpábamos y la costa aún era visible, fue que el capitán llamó  a su comandante vocal Martin Jakubski, para entonces enfilarnos por los sonidos de mamíferos marinos y cielos color lavanda.

Las rolas de Marillion eran reinterpretadas por el corpulento Jakubski. Sencillos de más de siete minutos, que hoy día son unos clásicos, sonaban en su voz tan cercanos al mítico Fish, que de no ser porque había cientos de ojos que se abrían como diminutas luces marinas, podríamos creer que era el mismo Fish quien se hacía presente en el escenario. Así, piezas de exitosos discos como Script for a Jester Tears de 1983, el Fugazi álbum, de 1984 y el éxtasiable Misplaced Childhooh de 1985, arremolinaban las aguas en la proa de este viaje.

Por si esto fuera poco, también la era Hogarth abría sus compuertas. Extractos del Afraid of Sunlight (1995), This Strange Engine (1997), Radiation (1998)  entre otros álbumes; emanaban seductivamente a través de la voz mimetizada de Martin Jakubski, que no dejaba de impresionarnos, al gestar una voz tan cercana al timbre de Steve Hogarth. Un punto clave que no debemos perder de vista es que, este Martin Jakubski tiene su propia voz, pero aunque es capaz de imitar las voces de dos icónicos vocalistas que ha tenido Marillion, el estilo de Jakubski encaja más por el metal, alcanzando agudos tan altos, que fue capaz de llenar cada rincón del teatro.

Cerca de las 22:00 hrs; la banda se despedía, pero la fanaticada mexicana clamaba a la banda a salir, pues aún no llegábamos a esa Dry Land, y con este encore; el espacio frente al escenario,  las aguas turbulentas de grandes olas que brincaban con los ritmos que The Steve Rothery Band, imprimía postales de imaginación…

Segundo encore, y el capitán Rothery nos avisaba a través de su micrófono una noticia importante, “Mexico city, do you know, the party is just has start!” Y las rolas más emotivas, aquellas de corte sinfónico, comenzaban a crear el drama-emotivo que nos arrojaban con un movimiento perfectamente extraño de luces, hacia un abismo apoteósico, hacia un rumbo maravilloso.

Es todo un privilegio ser uno de los países y fans que  acompañamos a este gran hombre de ya 60 años; tocando con esa discreción, como el gran antihéroe de la gran novela inglesa. En esta ocasión, como el gran portagonista.  Y toda esta fiesta se consiguió gracias a ShowMakers.live, quienes a través de su plataforma, se arriesgan en los sueños de un fan que solicitaba revivir a esta leyenda que aún ronda por nuestros caminos.

Y ese Gran Escape llegó, Steve Rotehry era ovacionado por generaciones que tendrán su misma edad, de otras 20 años más jóvenes y de estas aún más jóvenes, de veintitantos, que aún no nacían y que a la inversa, les lleva ya 40 años de trayecto navegado. Todos esa noche esperaban que algo sucediera, algo salvaje,  platicamos sin hablar, estrellas sobre nuestras cabezas abrieron un hoyo en nuestros corazones, y ahí quedó; cada fragmento de una noche de intimidad, en un gran espacio que fue para todos, un viaje simplemente: ¡bello!... aguas calmas suenan a las orillas de una playa gélida y el eco de las ballenas se alejan contando una canción de niños, una que creíamos, era para ti.

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