Domingo, 05 de julio de 2020 | Año XX | No: 7159 | CEO: Francisco J. Siller | Dirección General: Rocio Castellanos Rodríguez

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Enrique López Moreno

Enrique López Moreno

“De blanco a nada”. Instalación dancística sensorial, cargada de simbolismos.

Obra que será estrenada en el Festival de Artes Escénicas, en el estado de México y Valle de Bravo.

De Blanco a Nada, obra dancística en el edo de Méx, y Valle de Bravo

México, 7 julio.- De manera multidisciplinaria, se unen el talento y habilidades creativas de varios artistas para llevarnos por las metáforas sensoriales en “De Blanco a Nada”. La puesta en escena está dirigida y montada por la coreógrafa Sofía Valto, maestra de artes escénicas, egresada de la Escuela Nacional de Danza Clásica y Contemporánea, en la ciudad de México.

La maestra fundó su compañía  SValto Artes Escénicas, en 2013. A la fecha, ella ha presentado una gran variedad de obras en diversos foros y teatros, tanto nacionales como en el extranjero, destacando “Foro experimental Black Box del Centro Nacional de las Artes, Teatro de la Danza del Instituto Nacional de Bellas Artes, el Festival Internacional de Danza, el Festival EDITA Punta Umbría, España y Microteatro, entre muchos más.

La propuesta, conjuga de  manera visual y sensorial, el lenguaje dancístico, sonoro y plástico. Es, “Una instalación viva que expone la parte más primitiva de nosotros”. Bajo la tesis de que; “todos estamos o formamos parte de un juego/rol dentro de una sociedad”, la mejor manera de existir saludablemente en ese entorno  es: “vivir una transformación”. 

Con esta pieza, pretendo exponer cómo afectamos todo lo que tocamos: de manera física, tangible, simbólica y emotiva, dejando una huella en el otro, así como en nuestro entorno. Ya sea de manera consciente o inconsciente.”  Señala la directora.

El performance; corre a cargo de la destacada actuación de la artista y bailarina Gabriela Rosero. Egresada de la Escuela Nacional de Ecuador. Rosero, es una ejecutante independiente que lleva trabajando algunos años en México; acompañándose de diversos directores y artistas nacionales, en el complejo arte de crear "mensajes y un diálogo con los asistentes, a través del cuerpo".

La idea original, es el trabajo de Sofía Valto. En tanto que los elementos visuales, corrieron a cargo de Abraham González Pacheco, ganador de la beca 2018-2019 del Programa Jóvenes Creadores, FONCA. Así mismo, la música original fue expresamente creada para éste montaje por el compositor Rodrigo Castillo Filomarino, bajo la curaduría de Sofía Olascoaga. Y para la fotografía, ésta corrió a cargo de Ángel Flores, también Becario del Programa Jóvenes Creadores (2018-2019 FONCA).

De blanco, a nada, genera una postura propia que se desprende de la interacción, la conexión y cuestiona las imposiciones. En donde algo que creemos que es una estrategia y que sólo llegará a un punto, se puede convertir en algo que no podemos controlar.   

Esta pieza se realizó gracias al apoyo otorgado por el Festival de Artes Escénicas del Estado de México. El cual podrá ser apreciado los días 14, 28 de julio y 11 de agosto del presente año a las 13:00 hrs. Estas presentaciones se realizarán en el Centro Regional de Cultura de Valle de Bravo, así mismo podremos apreciar, a modo de exhibición, ésta instalación en el Museo Arqueológico de Valle de Bravo del 15 de julio al 13 de agosto. Para ambas actividades la entrada es libre.

En Atizapán de Zaragoza, se celebrará este sábado 13, el día mundial del rock

cartel Unitec celebra al rock 13 de julio

*Con charlas, ponencias y conferencias de expertos, así como bandas de rock en vivo.

México, 30 junio.- El día mundial de rock, nace el 13 de julio, pero de 1985. En cierto momento, en la década de los 1980.  Ciertas regiones del continente Africano estaban pasando por una acentuada cadena de terribles acontecimientos, desde la esfera tanto política, económica, la hambruna y las olas de sequía; rasgos que ya asomaba el calentamiento global.

En la zona conocida como "El Cuerno de África", la dura crisis económica y ambiental causaba una severa  hambre en los países de Somalia y Etiopía, los más castigados por esta peste, muriendo casi un millón de personas entre los años de 1984 y 1985. Los medios de comunicación de aquella época no pudieron ocultar la tragedia, y las sobrecogedoras imágenes recorrían el globo encendiendo las alarmas.

Bajo un espíritu de altruismo, el cantante irlandés Bob Geldof buscó la forma de reunir fondos para otorgar alguna ayuda, con carácter humanitario para esa región. Por tal motivo decidió fundar la organización "Band Aid Trust" a través de la cual comenzaría a darle forma a su ambicioso proyecto al que terminó bautizando como "Live Aid". A éste magno evento respondieron muchas de las más famosas bandas del rock internacional: Queen, Led Zeppelin, Black Sabbath, Judas Priest, Duran Duran, Sting, Scorpions, Billy Joel, Mick Jagger, Carlos Santana, Stevie Wonder, entre muchas bandas más.

La trascendencia de éste acto benéfico, mostró la importancia que tienen las bandas de rock para eventos de ayuda humanitaria. Desde un acto de solidaridad, así como marcando una distancia ante pensamientos conservadores que tildaban al rock, como el ejercicio de unos jóvenes “sin rumbo, ni beneficio”. Por éste motivo, es que a nivel mundial; se decidió considerar al 13 de julio como el “Día Mundial del Rock

Bajo ese espíritu es que en el Unitec, Campus Atizapán de Zaragoza, estado de México. Tiene programada una serie de charlas, ponencias y análisis en torno al rock. Entre algunos de sus participantes se encuentra: Pablo Quiepo, periodista de larga trayectoria estudiando el fenómeno del rock. Pero también se contará con la presencia de músicos del rock nacional que han dejado un legado en la que fue la era de los 80 a muchas bandas nacionales y de habla hispana, como son: Bon, de los Enemigos del Silencio y  Carlos Avilés, bajista de la legendaria banda La Cuca.

El evento está pensado para que acuda gente de todas las edades. Además, se invita  a todos los asistentes que gusten,  a disfrazarse como alguno de los clásicos rokeros del Live Aid, o de su banda preferida. Las puertas abrirán desde las 15:00 hrs. Habrá un “alfombra roja”, por la que desfilarán los asistentes caracterizados, así como un photo shooting. El campus ofrecerá estacionamiento gratuito ese día.

Las bandas que se presentarán este sábado 13 de julio son: Ekos, banda de rock progresivo, fuertemente inspirada en los riffs de la gran banda inglesa Pink Floyd. Además estarán, Los Caverns, trío del pop retro que rememora a The Beatles, The Kinks, The Zombies y The Animals entre otras. The Rambling Stones, banda tributo a los Rolling Stones, y Versus, banda que interpreta clásicos del rock tanto en español como en inglés.

Los boletos y reservaciones, ya están disponibles en el circuito de bares Rock Son Satélite y Cuautitlán Izcalli, así como en el Unitec Campus Atizapán. Y, para mayores informes y venta de paquetes al watsapp: 5513877059.

Orquesta Típica García Blanco, diez años de pasión por México y su labor de trabajo altruista

México, 28 junio.-  Con motivo de su décimo aniversario, la Orquesta Típica García Blanco; realizará un magno concierto en el Teatro de la ciudad de México, Esperanza Iris este 10 de julio. Su director Ricardo Gutiérrez, ha reunido a diversos exponentes de la música vernácula y señaló que: “Va a ser algo que el público no se puede perder. Estamos contribuyendo a regresar la música mexicana de gran calidad”.

Y es que las actividades para Gutiérrez Blanco, no se limitan a un aspecto meramente musical. Dentro de sus proyectos musicales, hay acciones sociales y de carácter altruista. Su objetivo, es ofrecer a las personas que  viven en condiciones de violencia,  la posibilidad de recuperar los espacios, así como la formación de audiencias en la construcción de proyectos de paz e identidad.

Para conocer de éste proyecto, conversamos con Edna Hernández, profesora de canto, amiga y colaboradora en Conarte, Asociación Civil. Que trabaja desde hace 13 años en la formación y educación en las artes en espacios públicos, tales como escuelas y comunidades del Centro Histórico y de otras periferias del país, generando nuevas formas de convivencia a través de la cultura de paz.

¿Cómo se da esta asociación y qué ejercicios han llevado a cabo?

Edna Hernández.-  El maestro Gutiérrez Blanco y Conarte, unieron esfuerzos y experiencias para llevar a las escuelas un proyecto extracurricular en la formación de niños y jóvenes. Ellos se aproximaron a escuelas de Tepito para formar grupos musicales corales. El maestro reunió a un grupo de personas, dentro de las cuales me cuento, para preparar a los grupos con el método Conarte. Las escuelas participantes son tanto de los alrededores del centro Histórico como de Tepito, allí damos clases a niños que van desde primero a sexto.

¿Cuál es la filosofía que se plantean desde Conarte para los chicos?

EH.- Su filosofía y labor está pensada en la “no violencia”. En la construcción de espacios públicos para la paz. Estos espacios son pensados de manera lúdica. Nosotros no tenemos la opción para calificar o descalificar. Nuestras actividades no otorgan alguna calificación. Estas actividades se realizan con el fin de que  los niños incrementen dentro de sus actividades escolares su currículo.

¿Qué estrategias usan en la formación y/o evaluación de los niños?

EH.- Las dinámicas se dividen en dos partes. La primera, es de convivencia entre los niños, y la segunda como tal, es la práctica del canto. Hacemos ejercicios de calentamiento, planteamos la relación que hay con su cuerpo, en este caso su relación con la voz, y finalmente la interpretación del repertorio. Los ensayos los realizo a partir de mi experiencia, es decir, el recurso de la canción, más gestos. Para mí, estos sistemas son psico-corporales, los cuales tienen: gesto, voz, ritmo y palabra. Elementos que yo busco trasmitirle a los niños. En mi caso, las canciones que me tocaron representar con ellos, del repertorio mexicano fueron de Salvador Flores Rivera, conocido como Chava Flores. Hombre que nació y creció en Peralvillo.

¿Quiénes pueden acercarse al instituto?

EH.- Conarte se encuentra extendida por toda la república mexicana. Pero hay una cede aquí en la ciudad de México, que se encuentra en asociación con el Instituto García Blanco, que es la Nana. Ésta se ubica atrás del metro Hidalgo. Ahí es el centro donde nosotros nos capacitamos para aprender técnicas y estrategias del método Conarte.

Desde que arrancaron, ¿han realizado alguna medición del impacto que ustedes han tenido en los objetivos que persiguen?

EH.- Como tal, creo que no contamos con datos duros, como para hacer alguna estadística. Pero sí tenemos otras mediciones. Por ejemplo, de las piezas que a mí me ha tocado dar, me he abocado a investigar cuentos de tradición oral, cuentos para niños, o anécdotas o adivinanzas que los vincule con el México de cierto tiempo, o ubique en el contexto cuando se escribieron estas canciones. Hacemos un rescate de ciertas tradiciones místicas, de la forma en que se pensaba hace muchos años, y se las contamos a los niños para enriquecer sus conocimientos.

¿Qué experiencia resulta para ti llevar estos ejercicios a las escuelas?

Yo creo que si los conciertos los hacemos en los cierres escolares, estos serían muy emocionantes. Pero para el caso del teatro, estas son experiencias muy buenas; tanto para los niños como para nosotros, los maestros y todo el grupo de trabajo. Además, el evento se realiza en un teatro, donde contamos con  un director. Los niños  van vestidos ese día de manera muy especial. No se les pide nada extraordinario, sólo que se respete el uniforme escolar, pero ese día. Les pedimos que usen algún motivo que acompañe a la celebración. Además, se encuentran presentes los papás, los tíos, la familia etcétera.

También, hemos contado con la experiencia de jóvenes; que tras haber pasado por estas vivencias, llegan a definir su profesión y se vuelven magníficos ejecutantes, o bien, profesores. Siempre se requiere de profesores en la formación musical, algunos de estos chicos deciden ser lauderos o pedagogos. Entonces, ahí es donde creo, se haya la retribución.

¿Es complicado jalar a los niños hacia un estilo de música que ya no se le hace tanto caso, que se le ve como parte de un pasado?

EH.- Te platico de una experiencia que tuve. Era un niño de 6º año, iba a una escuela que está como a tres cuadras de la estación Tepito. El chico, mostraba un avance muy rápido, avanzaba con él, negociando. Ya que es muy activo, de pronto sus compañeros habían entrado en ritmo, pero para él, se avanzaba demasiado lento. Tras una pausa hablé con él, ya que sentía que no le interesaba lo que yo contaba, que parecía tener otros intereses. Fue hasta que le plantee “qué le gustaría que hiciera, qué cambios o rumbo debía yo tomar”. Él me respondió que “sí quería continuar con el grupo, pero quería abordar otros temas”. Así que le propuse que aunque no teníamos esas piezas integradas, las agregaríamos como parte del calentamiento. Y es que al niño, en su casa, a sus padres les gusta mucho la “salsa”, y él se sentía muy atraído por esos ritmos. No siempre es tan sencillo desmarcarse del programa, es por ello que uno como profesor, se apoya en diferentes técnicas para integrar a los chicos y lograr ese objetivo con ellos.

Este gran evento orquestal, busca renovar los lazos con nuevas generaciones. Intentando  recuperar las tradiciones del México vernáculo a través de las canciones. Inculcando entre los jóvenes, la renovación de  raíces que los conecten aún en esta nueva sociedad, en un mundo más tecnologizado y de memoria diáfana...  Al menos, ese es el objetivo que buscan tanto en Conarte como en el Instituto García Blanco, retomar a través de la música y la educación formal en el canto, el  enriquecimiento cultural. Rescatando a sociedades más expuestas a una fragmentación social y/o familiar de formas más lúdicas.

Cierra la V Feria de la Música Independiente con la tradición oral convertida en música

V Feria de la Música Independiente 2019

México, 18 junio. El pasado sábado 15 de este mes, la V Feria de la Música Independiente y su Mercadito de Discos; cerró de manera maravillosa en el Espacio X con dos bandas maravillosas que refrescaron y renovaron las tradiciones y las raíces de los pueblos originarios mexicanos. En una jornada extensa que abarcó toda la segunda semana de actividades al mes de junio, se revisó el papel que están jugando actualmente el cine, la radio y sus locutores, así como la producción discográfica, pero manteniendo a la música en su papel central y su relación con los artistas “independientes”.

El mosaico musical fue de una propuesta variada, como suele realizarse en el Centro Cultural de España en México. Así, desde el 11 de junio hasta el 15, se presentaron artistas como Caloncho, Sangre Maíz, Jan Metztic ft. Mexicanos Dub Warriors, Fryturama, Rosk, .Stendal, Neue Strassen, Johnny Nasty Boots, Kill Aniston y el atiborrado Show Case con La Gusana Ciega, que sigue promoviendo su disco completo de “Borregos en la Niebla”, el cual, dejó a varias personas fuera del recinto, ya que no cabía un alma más dentro.

Los ámbitos musicales se vieron visitados por varios géneros musicales que comprendieron al Hip hop, folk, la psicodelia, el stoner, el shoegaze electrónico, la salsa y la música afrocaribeña. Pero para el cierre, el elemento más cautivante lo ofreció la gran mezcla de sonidos del mestizaje: Kumantuk Xuxpë, y las raíces del sotavento de Sonex, banda oriunda de Xalapa, Veracruz.

Kumantuk Xuxpë, es el nombre con el que un grupo de artistas multidisciplinarios se abre camino en torno al verdadero proceso de recrear y renovar la música de tradiciones orales mixes. Benjamín García González, trompetista; Roi Martínez DJ Productor; Ghalo Mexía, guitarrista, Vj sietece y Gilberto Kupyum, artista plástico. Unen sus particulares talentos para retomar la antigua creencia de un ser humano amorfo con el nombre de Kumantuk. Éste ser, es capaz de llegar a un sitio particularmente señalado. Allí, desprenderá su cabeza con ambas manos, ya sin ella, inicia un viaje en busca de sangre acechando a sus víctimas, los chupará y será capaz de desplazarse sin problemas por el tiempo y el espacio.

El concepto musical lo definen a través de una idea: “perder la cabeza en viajes musicales”. Y en efecto, así fue como sucedió el pasado sábado 15. Con el objetivo de evitar la racionalización de los sonidos, estos músicos oriundos de Oaxaca y el DeFectuso, abren los sentidos auditivos, despojándose de su cabeza (metafóricamente hablando)  a través de variadas y potentes ondas sonoras, para manipular su aspecto físico y ofrecernos con talento y capacidades sobrenaturales el viaje al que se nos convocó en el recinto del CCE.

Satisfechos por sus ancestrales tradiciones, Kumantuk Xuxpë nos conduce por la psicodelia, la imaginación y de sensaciones difíciles de describir. No obstante, sus habilidades están cargadas de ritmos conocidos. Destacan las vibraciones repetitivas de la electrónica, los sampleos y los programas creados a través de de un ordenador, pero también encontramos muchos coqueteos con el acid jazz, el trip hop, y el drum and bass, así como un ambiguo, pero muy amplio concepto de “world music”. A todos esos tintes que se conectan desde la electrónica, hay que sumarle elementos más vivos y naturales como es la presencia de la trompeta y la guitarra acústica.

Más no es todo en Kumantuk, ya que la narración de la poesía y el acompañamiento que tuvo mediante la música, se vivió apoyada por una secuencia de gráficos animados que hablan de ese ser mítico que se desprende de su cabeza, para después pasar a la de un toro que nos conduce por mundos extraños, extrañamente abigarrados y cargados de emociones de alegría y paz espiritual.

Kumantuk Xuxpë, se vio excelentemente apoyada por la secuencia de luces que los hizo lucir como seres imaginarios que se escondían entre azules profundos, amarillos deliciosos y algunos verdes adictivos. Fueron, personajes que nos invitaron a un viaje donde perdimos la cabeza tras un gran alucine.  La agrupación ya está trabajando en su disco, arte objeto. Dicho material estará disponible tentativamente para el 15 de julio, según nos adelantó Roi Martínez. Francamente será una delicia volver a escuchar a una banda que se conduce por los límites de las reglas musicales, pero que al escucharlos, se dan quiebres que nos hipnotizan.

Después, llegó el turno al cuarteto de Xalapa, Veracruz: Sonex. Como lo dice su nombre, su estilo abraza dos elementos, por un lado el tradicional sonido afrocaribeño y su multiculturalidad de influencias y sabores, apoyándose en el mundo digital y sus beats, pero dotándose por la fuerza de tocar instrumentos en vivo. Texturizados alrededor de dos jaraneros, uno que le da tumbo al cajón Helio Martín del Campo (cajón flamenco, jarana y voz) y otro, Luis Felipe Luna (voz, jarana, guitarra de son y zapateado) el bailarín. Los sabores se van complementando con un bajo eléctrico Jerónimo González García (bajo y jarana) y la presencia de un violín moderno y eléctrico, elemento central en la música tradicional veracruzana, Camil Meseguer Rioux (violín y voz).

Los Sonex, llevan 15 años en la ruta del sabor que se moderniza y sigue en esa búsqueda incansable; por revivir con la potencia y alegría de la música veracruzana, sus bailes y ese mestizaje tan amplio que ha ofrecido la costa del Golfo de México. Las profundas raíces que han fortalecido su tronco vienen desde Doña Elena Ramírez, Don Arcadio Hidalgo, Don Andrés Vega, así como de los grupos Zacamandú, Chuchumbé y Siquisirí.

Para no estancarse, géneros como la música tradicional africana, afro-peruana y venezolana, así como por el flamenco, la salsa, y las tendencias urbanas como el jazz, el funk, el hip hop, el rock, el reggae, entre otras, han ido dándole forma a su proyecto. Formación que ha tenido el gusto de pisar los más importantes espacios nacionales e internacionales. La entrega que ofrecieron tras su emocionante espectáculo musical y dancístico, a quienes tuvimos la oportunidad de verlos, es la de un contagio inmediato por el canto y el baile, particularmente esas danzas afrocaribeñas, bamboleos arropados de una fuerte sensualidad.

Finalmente en la Terraza, asistimos a la hora íntima y reflexiva con La Muna (Co). Cantautora que representa el amplio trayecto que va desde Colombia, pasando por Sonora y dejando huellas en los Estados Unidos de América. Su canto, se centra en la crónica, de ese andar, de sus contactos y de los intercambios de disímbolas  narrativas y experiencias de vida que va forjando la menudita intérprete con sus desérticos amigos

Con un sombrero texano de paja, unos jeans y unos tenis retro, La Muna reflexionó sobre la migración y sus entresijos, el trasiego de la droga, el valor y coraje para vivir con el peligro día a día y con el “Jesús en la boca”. Dueña de un temperamento cargado de un buen humor, ocurrencias y chistes que rompían o al menos eliminaba la distancia que hay entre el artista y el público, la fiesta iba alcanzando las casi últimas horas de vida en esta V Feria de la Música Independiente.

Cerró la noche Libni, intérprete de jalisciense. Su estilo y aprendizaje se forjó en la Escuela Folklórica del Ayuntamiento de Guadalajara. Y desde entonces, ella señala que “no ha dejado de aprender”. Acompañada de buenos amigos, Alán Fajardo en la batería, Vico Días en la leona, Armando Cuevas en la guitarra y ella misma en la guitarra y voz.

Alrededor de una buena comida, vino y/o cervezas, el fuerte estilo jazzístico y  soul de Libni, así como de mezclas personales, fueron aflorando deliciosamente. La calurosa tarde iba cediendo a los frescos vientos nocturnos y las calles céntricas se quedaban casi desiertas, algunos amantes recorrían el centro bajo la tenue mirada de distintas farolas y luminarias que mostraban la majestuosidad de palacios coloniales.

La V feria de la música independiente 2019, arranca con nutrido cartel en el CCEM

V Feria de la Música Independiente en el CCEM 2019

México, 12 junio. -  El Centro Cultural de España en México, presentó su cartel musical para este fin de semana. En este quinto aniversario,  el espacio que forma parte de la Agencia Internacional de Cultura española, tiene como objetivo “fortalecer el papel de la creación cultural como un detonante para el desarrollo humano sostenible”, así lo señala Rodrigo García, subdirector de comunicación cultural del CCE.

Esta V Feria de la Música Independiente, así como su Mercadito de la Música Independiente, estarán llevando a cabo esta gran convivencia desde el 13 al 15 de junio, en el Centro Cultural de España en México, ubicada en la calle de Guatemala #18, centro Histórico, CDMX.

Durante estos cinco años de actividades culturales, el CCEM ha estado presentando un calendario amplio de actividades, las cuales han fortalecido la discusión en torno al quehacer artístico, tanto musical, así como de otras expresiones culturales. Tales como talleres, pláticas y discusiones que han convocado tanto a creativos, productores, casas disqueras, curadores e intelectuales dedicados a la investigación y producción editorial en torno a la música y su amplio ámbito de reproducción, reuniendo a medios y a público en general.

Actualmente, resulta más complejo estar al tanto sobre nuevas propuestas. Y es que, debido al arribo de la Internet, el medio y las distintas plataformas, aceleran día a día las disímiles propuestas. En ese inmenso océano de artistas y planteamientos, es que el Centro abre sus puertas hacia esos diversos horizontes, privilegiando, por supuesto, el idioma español.

Con una variada oferta musical, la V Feria de la Música Independiente, busca ofrecer una respuesta frente a esos diversos estilos y géneros musicales. Ya que la ciudad de México, se ha convertido en una inmensa plataforma para difundir los más diversos y frescos proyectos musicales. “Es una celebración, frente a la amplia diversidad de ofertas que posee la Ciudad de México, es como un reflejo lo que pasa en las calles”, comenta Rodrigo García.

El ámbito al que se dirige esta feria, es principalmente a los artistas y músicos jóvenes, pero también a sus audiencias. Además, se busca advertir la presencia de disqueras independientes, que están interesadas en grabar a nuevos talentos.

El público infantil también juega un papel importante dentro de esta V Feria, ya que el CCE ha impartido diversos talleres dirigidos a los infantes, donde a través de guías experimentados en las áreas de comunicación y arte, cursos de producción radiofónica, talleres de pintura, fotografía y cine entre otros, serán una oferta para estás muy jóvenes generaciones.

En un ambiente de gran pluralidad y tolerancia, el CCE no sólo contempla un espacio y cabida para todas las expresiones musicales, así como a todas las personas que acudan, incluyendo a los niños, sino que también; está contemplado ofrecer las facilidades de acceso a personas que presenten alguna discapacidad. Y puedan así, disfrutar de esta feria de la música independiente.

Los géneros contemplados para este evento van desde: el progresivo, la psicodelia, el dark wave, el Dub, el Jungle, Sound System, Reggae, entre otros. La selección para cada uno de los participantes, son el resultado de una curaduría, la cual estuvo bajo la observación de la experiencia y conocimientos de Bianca Ugarte, gran conocedora de la evolución que ha venido presentando la música.

El cartel presenta, como banda principal, a la poderosa trayectoria de la Gusana Ciega. Y ya dentro del género indi y su amplio espectro, veremos a Caloncho, Kill Aniston, Sangre Maíz, Johnny Nasty Boots, Sonex, .Stendal entre muchísimos artistas más. Y por supuesto, el mercadito discográfico, que mediante stands, ofrecerá su amplia producción de artistas que están emergiendo, tratando de consolidarse a través de un sello discográfico, ofreciendo todavía la posibilidad y certidumbre, de seguir disfrutando de la experiencia de escuchar muisca a través de un disco, actividad cada vez más rara, en un mundo cada vez más digitalizado y etéreo.

Para experimentar las sensaciones sonoras que se presentarán en esta V Feria de la Música Independiente 2019, dejamos el siguiente enlace al programa que se verá en https://ccemx.org/musica/v-fmi?fbclid=IwAR1fTxgGCWPVumFg-PhhjVEwc_sxRSo5FulqB5Pv2nchh1Elxl9Dh8ZSAVs  para que puedan descargar y/o acudir a ver en estos tres días, del 13 al 15 de junio, las diferentes propuestas emergentes que se van formando en este siglo XXI. La entrada es: libre.

Ciudad de Gnomos lanza su más reciente video Tiriop

Ciudad de Gnomos//Foto del sitio oficial de la banda

México, 09 junio. -  El pasado jueves 6 de junio, la banda oriunda de la CDMX, Ciudad de Gnomos, abrió el libro de las aventuras y viajes a las distopías. Celebrando con fans en conocida plaza comercial de Polanco, dentro de un conjunto de salas cinematográficas, la presentación de su video Tiriop.

Al evento acudieron diversos medios. Ya dentro, las luces se apagaban y sobre el templete, salía la agrupación que se ubicaba en el espacio asignado ante sus instrumentos. La tardeada, convocaba a un grupo de  amigos y fans de la agrupación,  que tenía preparado realizar un video más a este sencillo. El espacio ponía la pantalla, para presentar una serie de imágenes que servían de complemento a las letras de este ameno conjunto.  Que combina y juega con varios géneros, que van desde el pop-rock, pasando por el funk.

Ciudad de Gomos se conforma por: los hermanos Yair y Giovanni Hernández. Ambos músicos; cuentan con una nominación como arreglistas musicales y compositores dentro del famoso Festival de Cannes. Además, les acompañan en las voces y coros femeninos: Nora Daniela y Cristina Hernández, Emiliano Piña en guitarra, así como Luis Martínez  en el bajo.

La hermandad musical  construye su proyecto sonoro y sus composiciones, alrededor de una fuerte  originalidad, así como de estar constituidos por una trayectoria de grandes músicos y de gran nivel. Con una base de piano, guitarra, bajo y batería, enriquecida  con un coro de tres voces femeninas  y una dotación de cinco metales (trompeta, trombón, sax alto, sax tenor y sax barítono) dan una experiencia potente y energética a todos los sentidos.

Su nombre, hace alusión a la magia y a la apertura de infinitas posibilidades en el amplio espectro de caminos y seres con los que compartimos y formamos parte de la existencia. El sencillo, ya se encuentra disponible en el siguiente enlace: https://open.spotify.com/artist/7EPEuVg2hngNEy1Wb5riME?si=lwCkRCUtT6-ERUpt9knKCw

Pueden seguir la actividad de Ciudad de Gnomos a través de sus redes sociales

Noche de Rock Progresivo y de historias conceptuales, se materializan este sábado 8 en el HDX Circus Bar, CDMX

México, 8 de junio. – No hace mucho se desató una aparente controversia, pues el logo de la CDMX, coincide con el de la banda regiomontana Neural Fx. En una entrevista, uno de los integrantes de la banda René Montt, señalaba que hace varios años, el bajista Antonio Vázquez, había dibujado el concepto de unidad que posee la banda, “alrededor de cuatro puntos, todos convergen en lo que más amamos, que es la música”.

De modo desenfadado, Rene señala que el arte es algo muy subjetivo, y que hay influencias por todos lados, pero disfruta de la coincidencia, pues la gente les ha realizado memes donde ahora Neural Fx es de la CDMX, para dejar de ser exclusivamente de Monterrey. Actualmente la banda cuenta con su más reciente material, en el cual se narra los aconteceres de un personaje que transita desde su nacimiento hasta su desenlace final. Va atravesando por  una situación psiquiátrica que acaba fatalmente. Aunque algunos medios buscaron crear confusiones y/o fomentando provocaciones, el accidente con el logo, ha resultado de un gran pretexto para conocer y difundir más a esta banda de Monterrey, que toca este sábado en el HDX Circus Bar.

 

Además, se presentará Meliora. Banda del acid rock progresivo. El avance que presenta su vocalista Fabiola Simac actualmente, está llevándola a concursar como una de las voces más relevantes, y hasta de revelación. Ella y su banda, están participando en el evento de las mejores Female Metal Voice Fest,de la ciudad de México. Suceso que se llevará a cabo, el sábado 15 de junio en el Rock House Bar, encuentro donde participaran otras bandas.

La agrupación lanzó el año pasado su disco Viaje Holístico. Éste álbum ha registrado una gran aceptación entre el público que conoce a la banda, así como quienes apenas descubrían el poder que posee su sonido en el Fest Mega Prog del 2018, donde compartió el escenario con Glass Mind, Anima Tempo, Ekos, Hypno5e y la famosísima banda del progresivo más fino italiano: Le Orme.

 

Arropados por las influencias japonesas, el metal progresivo de Iden Gukasha, nos conduce por todas esas atmósferas del viejo oriente. Geisha, es actualmente uno de sus discos de batalla. La obra gira en torno a una apología femenina que retoma elementos de la filosofía japonesa, para representarlos a modo de historias breves.

 

El HDX Circus Bar, se ubica en avenida Cuitláhuac # 3368, en la alcaldía de Azcapotzalco, ciudad de México. El costo del evento es de $100 pesos. Acceso, a partir de las 21:00 hrs.

A 25 años de “Sin Sentir”, mítico álbum de: El Clan. Y su presentación en el Teatro Esperanza Iris CDMX

El Clan Sin Sentir 25 aniversario, Teatro Esperanza Iris//Fotos Agencia BEK, marketing and medios

México, 08 junio.-  Repercutir en el mundo como banda en rock nacional es muy complicado, y si a ello le sumamos como opción, escoger el género del rock gótico, la cosa pinta de color muy negro.

En 1994, desde las profundidades de la noche, emergía un gran disco, quizás hasta ahora, no se ha igualado tal sonido, hablamos de “Sin Sentir”. Álbum de la banda de culto más querida en nuestro país: El Clan. A 25 años del lanzamiento de esta obra maestra en la escena de la música obscura. La agrupación liderada por la gótica voz de  Gustavo Pérez y la maestría hechizante del guitarrista Jaime Chávez. Se han preguntado “¿Cómo es que hasta hoy nuestros seguidores cantan con tanta emoción cada una de sus canciones?

Cobijados por un espíritu de gran hermandad, apoyo y solidaridad. Han decidido celebrar la trascendencia de sus composiciones con ese cúmulo de amigos y seguidores, que al paso de los años, se ha incrementado. Por tanto, es que tienen contemplado realizar un magno concierto en el hermoso Teatro Esperanza Iris, este 20 de julio.

Desde sus inicios, El Clan se ha considerado pionero y precursor del movimiento dark gótico en nuestro país. Su constante reinvención y su descarada actitud a la experimentación, le han permitido mantener el interés del público a lo largo de los años, convirtiéndose en la banda más innovadora e influyente de la subcultura oscura gestada en México.

Motivados por esta celebración, es que  ha decidido relanzar el acoplado como un disco de vinilo de colección. La edición a este Long Play, estará limitada a 500 copias. Además,  contará con fotos inéditas y una remasterización. Para los melómanos, ya se puede adquirir en preventa a través de la página web y/o whats app en El Club del Rock & Roll, y próximamente estará disponible en la tienda.

Para este magno concierto, se interpretarán en vivo todos los temas de este álbum,  así como arreglos nuevos, e invitados especiales. A la siempre distintiva teatralidad, energía y fuerza que caracterizan a El Clan en el escenario, dando como resultado una mística conexión con el público.

En 1992 iniciamos la grabación de nuestro primer disco, de manera ingenua y austera, pero con mucha pasión e ilusión. Éramos incipientes dentro del estudio, no teníamos idea sobre cómo hacer un disco, solo queríamos grabar nuestra música y mostrarla al mundo a través de un disco compacto.

Ese disco llegó hasta 1994, después de una larga y angustiosa espera, por un momento llegamos a pensar que nunca vería la luz. Lo presentamos un día de abril en el Teatro del Pueblo, aquí en la Ciudad de México. A partir de ese momento comenzó la magia.” Señala Jaime Chávez, guitarrista de la vieja alineación.

El anuncio para esta gran celebración se dio en el Tianguis de Chopo, el pasado 30 de marzo. Los boletos; ya están a la venta en el sistema ya conocido.

Sábado 20 de Julio, Teatro Esperanza Iris, Donceles # 36, centro Histórico, Ciudad de México, 19:00 horas. Bandas invitadas: WitchCo y Cyteres.

Nati Carrillo, la intérprete del flamenco y la balada del pop español, abre su Piel para contarnos de sus emociones, previo a su concierto

Nati Carrillo// Foto: Enrique López M.

México, 01 junio.-  En el complicado y competido mundo del género musical de la balada, es común que  aparezcan algunos artistas “plastificados y/o maquilados” a modo  desde alguna disquera. Al menos, así fue por varios años, y aunque la fórmula se sigue usando, no es el caso con Nati Carrillo, la cantante de Palma de Mallorca, España, con voz de mezzosoprano. La intrépida artista es otra “self made”, o una “autodidacta”, como ella se define. Nati ha decidido emprender, como muchos artistas independientes, su viaje en construcción y nadar a contra corriente, o con ella. Simplemente porque lo que hace, lo hace por convicciones muy fuertes y bien cimentadas.

Tras un viaje de 11 horas, desde Palma de Mallorca a Madrid y posteriormente con destino a México. Natividad Carrillo se lanza en esta aventura con su más reciente  álbum “Piel”. Material discográfico que contiene canciones ya conocidas, así como material original. La intérprete del flamenco, la copla y el “pop” español, aterriza en nuestra ciudad de México, para convivir con el público mexicano y ofrecernos en una prometedora velada, cargada de emociones interpretativas este 02 de junio en el Foro del Tejedor. Acompañada por el grupo Los Macorinos.

Desde Infórmate Mx, decidimos acercarnos para conversar y conocer los entretejidos que le ha tocado  hilvanar a Nati Carrillo a lo largo de su trayectoria como cantante solista.

¡Bienvenida Nati, y agradecemos de antemano esta oportunidad de conversar contigo!

¿Dónde nacista y radicas actualmente?

Nati Carrillo.- Yo, nací en Palma de Mallorca. Allí he vivido toda mi vida, salvo un año que estuve en Madrid, pero fue cuando era pequeña y que mis padres me habían llevado. Pero siempre he sido de Palma de Mallorca, mallorquina.

¿Ha tenido algo que ver el lugar donde naciste o tu familia, el que te hayas acercado a la música?

N. C. – El lugar, no. Pero mis padres sí. A mi padre le ha gustado muchísimo la música, regularmente iba a muchos conciertos con él. Pero creo, es algo con lo que naces. Y un día, cuando menos te los esperas ¡sale! Y a mí me salió.

En el tu trayectoria musical, ¿eres de formación académica, cómo es que comienzas en el canto?

N. C. – Yo me defino como una persona autodidacta. Cuando pequeña, mis padres me habían llevado a un colegio de música. Y lo que yo quería, era cantar. Pero a mí lo de las “notas” y eso, no me gustaba, por lo que me hice autodidacta. Yo he aprendido de ver vídeos, entre otras cosas.

Vale, pero ¿cómo descubres que tienes la voz para el canto?

N.C. – Yo decía que cantaba bien, pero fue la gente a mi alrededor era la que decía “¡Qué bien lo haces!”

Tu carrera arranca en un concurso de talentos. Sin embargo hay pausas ¿qué te ocurrió?

N.C.- Yo he trabajado en esto desde muy pequeñita, luego vino un parón y  sucede que me casé, tuve dos hijos, me casé muy joven. En ese entonces, mi prioridad eran: mis hijos y mi marido. Luego los hijos crecen y te das cuenta que quieres seguir el sueño que tenías desde pequeña. Así fue como empecé a trabajar y ahorrar, con ello grabé mi primer disco.

A partir de allí, fue de manera local, luego vino el segundo a nivel nacional y ahora éste, que lo quiero hacer a nivel internacional. Pero quiero aclarar, que yo participé en un concurso cuando tenía 15 años, y no había ni cámaras ni nada. Allí quedé como la “segunda” de Mallorca. Yo nunca he recibido ninguna ayuda, siempre he sido yo sola.

En este camino de ser independiente ¿qué tan complicado ha sido entrar en contacto con la gente e ir construyendo un camino de éxito?

N.C. – Contactar con la gente… Para mí es fácil, es sencillo. Yo creo que cuando tú te emocionas, haces emocionar a los demás. Son tus sensaciones las que transmites al público, así que con eso,  no tengo ningún problema porque me va muy bien.

En la parte de trabajar, pues he tenido que venir a México, porque aquí se valora muchísimo al artista, se valora la cultura musical y a lo mejor se necesita de un “empujoncito” para poder triunfar en tu casa. Muchos artistas españoles se han tenido que hacer aquí, para que puedas triunfar. Yo le escuche a Mónica Naranjo en una entrevista decir “Gracias a México, hoy estoy aquí”.

¿En qué género es el que te mueves, me cuentan que es el “pop” español?

N.C. – Sí, es algo como el “pop”. Pero yo tengo mi parte andaluza. Durante un año, estuve haciéndole un tributo a Isabel Pantoja por toda España. Es un estilo donde se tienen todos los instrumentos, y una rama en la que regularmente me muevo.

¿Pero para ti qué significa eso hoy día?

N.C. – No es el “pop” español hoy en día. Creo que es con la música en general. Yo creo que se están perdiendo los valores de las canciones de antes. Emociones que se transmitían de verdad. Historias que te contaban del principio al final… Yo creo que; como la canción de Rocío Durcal, la de “Ya te olvide”, canción que hemos hecho muy actualizada; creo que ese tema puede arrastrar a nueva gente, gente joven que reconozcan el valor de esas canciones, interpretaciones que merecen mucho la pena.

¿Qué papel está jugando la radio en España frente a estas propuestas?

N.C. -  Pues para mí: de pena. Para éste género que estamos tocando, que no hay tantos en España, la pena es que “todo mundo pone lo mismo en la radio”. Cuando te da por un género musical, todo mundo pone lo mismo y se olvidan de lo demás. Y ¡hay público para ellos! Y no lo programan. Hoy ponen reguetón, mañana les dará por otra cosa y se olvidan un poquito de nosotros.

¿Cómo descubres qué rango vocal es el que tienes y cómo lo estás desarrollando?

N.C. – Yo desde pequeñita veía a Isabel Pantoja en televisión, y cuando cantaba me decían “es que cantas como ella”. Es que es algo innato, es algo que llevas dentro. Yo no quiero imitar a nadie, pero en España me han dicho que soy el relevo de Isabel Pantoja y de Rocío Jurado, pero yo no quiero ser así. Yo quiero ser “Nati Carrillo”, independientemente de lo parecido que pueda tener con ellas.

Yo me siento alagada y orgullosísima porque me comparan con dos muy buenas cantantes, pero Isabel Pantoja sólo hay una, lo mismo que una Rocío Jurado. Así quiero que sea conmigo, una sola Nati Carrillo.

Si ya te comparan tanto con Isabel Pantoja ¿en qué momento nacerá Nati Carrillo?

N.C. - ¡Desde ya!

¿Cómo estás logrando esto?

N.C. – Pues con este disco, Piel. Por ejemplo, ahora ya no incluí ningún tema de Isabel Pantoja, he incluido algunos, de Rocío Jurado y de la Durcal. Pero hay muchos temas inéditos que han compuesto para mí. Y por eso mismo ya no incluyo tanto de ella, para irme quitando esa presión de la comparación.

¿Buscas marcar alguna distancia al realizar un cover o, destacar al realizar una versión ya probada?

N.C. – A ver, para mí hacer un “cover” es, “la misma canción cantada por otra persona”. Y una “versión” es, cantar la misma canción, cantada desde cero. Para que no tengan ninguna similitud con la original.

Pero son  éxitos ya probados, ¿cómo evitar las evidentes comparaciones?

N.C.- Es complicado, porque cuando estás metido en el estudio de grabación, tú ya estás predispuesto a escuchar una cierta canción en determinada manera, y tienes que cambiarla totalmente. Entonces, tienes el productor delante y te pide que la cantes de diferente manera, ahí te topas con esa barrera y dices “no puedo”. Porque estoy acostumbrada a escucharla así de toda la vida. Pero cuando logras ese cambio, no para superar, pero sí para igualar, es cuando sales muy contento. Por eso quería hacer un disco de corte internacional, el cual no fuera exclusivamente inédito. Porque es muchísimo más difícil salir con un disco inédito. Lo que la gente quiere es conocer las canciones. Si se puede, pues adelante, pero para mí tiene que ser así.

En este disco recoges también artistas mexicanos, como Juan Gabriel y Marco Antonio Solís, ¿por qué escoger a estos artistas?

N.C. – Yo lo que creo, es que estos autores mexicanos son reconocidos en el mundo. Juan Gabriel es para mí, uno de los grandes compositores. Ha compuesto unas baladas impresionantes, como la de “abrázame muy fuerte”. Es un tema que para mí, lo tiene todo, es una composición que tiene un “principio, un medio y un final”. La de Marco Antonio Solís, que es la de “ya te olvide”, es una canción fantástica. Son compositores que han sabido hacer “grandes melodías”.

Ya nos has contado de tu gran influencia que es Isabel Pantoja, pero ¿qué otros artistas y o géneros te llaman la atención?

N.C. – Whitney Houston, es una de las intérpretes que más me gusta.

Aunque eres una solista, regularmente te acompañas de músicos ¿cómo es tu relación con ellos?

N.C. Con mis músicos, los que tengo en España. La verdad es que tengo una relación muy buena. Con ellos, tienes que llegar a desarrollar una complicidad muy buena, porque es lo que demuestras encima del escenario. Tus músicos, son “tú familia” y eso es algo que tiene que quedar muy claro. Gracias a ellos, se realiza un gran concierto y gracias a ellos, uno brilla.

¿Cómo es que logras contactar con este gran grupo que son los Macorinos?

N. C. – Pues todo tiene que ver con Natalia Lafourcade. Fue ella quien me los sugirió. Son maestros de la música. Es un honor para mí cantar con ellos.

El estilo flamenco es uno muy complicado, ese estilo de ser gitano ¿corre por tus venas?

N.C. – Pues no lo sé, mi padre dice que “no”, pero mi marido dice “tiene que ser gitana porque no es normal”, a lo mejor sí, pero no lo sé… (Declaración que la envuelve en una gran sonrisa).

De los artistas mexicanos que ya mencionaste ¿qué otros géneros has explorado?

N.C.- Pues he cantado rancheras, aquí hay un grupo con el que ya canté. Se llama El Mariachi Platino de México. Hicieron una gira por España y yo les acompañe en una gira en Palma de Mallorca. Este año estuvieron, yo los acompañe dos días… Es un género que me apasiona…. Vamos, es ¡que lo quiero todo para mí! (risas por todos lados).

Toda aventura implica un mundo lleno de incógnitas, así como una serie de disyuntivas. Temores implícitos sobre el camino que se ha decidido elegir. Tal vez se cuente con los amigos, un pan que comer, pero el éxito es algo que se logra a fuerza de trabajo, estudio y constancia. Le deseamos el mejor éxito a Nati Carrillo en su presentación este 02 de junio en el Foro del Tejedor. Ubicado en: avenida  Álvaro Obregón # 86, Roma norte, alcaldía Cuauhtémoc 06700 Ciudad de México, CDMX.

En su gira, visitará la ciudad de Guadalajara, Cuernavaca y Cuautla. Para estar en contacto con la intérprete solista, pueden seguirla a través de la cuenta de Facebook como Nati Carrillo México, o bien Nati Carrillo Oficial.

Las sensaciones de introspección de Torres de Hanói, emocionaron tras la presentación de su EP: Instintos

Okame Flannel Boy y Torres de Hanói// Fotos Enrique López M.

Crónica.

México, 29 mayo.- La pasada noche del sábado 25 de mayo; se presentó en el Foro de Terminal Juárez, Versalles # 88, en la colonia Juárez, ciudad de México, la más reciente producción sonora de Torres de Hanói, Instintos.

El espacio resultó un espacio muy agradable y excelentemente ubicado para llegar. A unas cuadras desde el metro Cuauhtémoc. El Foro, es un espacio breve desde su fachada principal, pero de gran profundidad. Su corredor, es un piso de concreto liso, delimitado por una “isla” de piedras de río. A lo largo de éste, encontramos unos despachadores de alimentos y bebidas con distintos platillos. El espacio, construido en dos pisos y por maderas obscuras, barras metálicas, así como por algunos arbustos y una iluminación de luces colgantes, sirven de  decorado, y dotan al lugar de una atmosfera intimista...Y así fue la velada, llena de intimidad. Al llegar al establecimiento, ya se encontraban reunidas, las amistades y familiares de las bandas que tocarían.

La banda telonera que proporcionaría las primeras pinceladas de atmósferas new wave y del rock alternativo dotadas por tintes ingleses y escoceses, fue Okama Flannel Boy. Grupo constituido por: Fernando Torres (vocalista y guitarra principal), Honoka Noguchi (bajo) y Sebastián Palacio (baterista).

La tesitura del vocalista es de un grave bastante melodioso (que inmediatamente al escucharlo, no deja de recordarme a Paddy McAloon, de la mítica y añorada banda Prefab Sprout, de las décadas de 1980-1990). Incluso, el estilo que el grupo maneja; está muy enclavado en aquel que manejaron bandas como  The Blue Nile, Spandau Ballet,  Cocteau Twins, Simple Minds, Ultravox, Japan, The Human League, XTC entre muchas otras. Especialmente en lo que tiene que ver con su sonido.

Usando un proyector, a las dos bandas se les apoyó con la emisión de unas secuencias. Imágenes basadas en la cultura  de la Tv japonesa como el béisbol, la Señorita Cometa y otras series. Videos que sirvieron de pretexto para crear una narrativa muy sesentas-setentas. Tono necesario, para el tipo de música que escucharíamos. Para éste trio que se denomina como parte de la corriente de influencias escocesas de los 1960, y el actual sonido “joven de Escocia”, el ritmo bailable y pegajoso de sus letras, así como de su melodía, logró impactar en la gente que se iba conectando a cada rola que propusieron.

Su estructura es bastante sencilla; batería, bajo y  guitarra. Con esta alineación, la vitalidad con la que se renueva toda esa ola del new wave, dream pop, synth pop  y post punk, del milenio pasado, un estilo narrativo que evolucionaba como si fuera tecnología, se pensaba que desaparecería, y así fue. Pero con Okama Flannel Boy, se revitaliza, se reinventa y se rescatan aquellos buenos sonidos y atmósferas de aquellas hordas británicas.

Muy recomendable su sencillo Carolina St, así como otros de sus temas, aquí un ejemplo de ellos: https://okamaflannelboy.bandcamp.com/releases?fbclid=IwAR0gEKkYzZjy3nF1-T0ThRnn-QDpGlgzdJ0u2cj4xAciQl44S1yetz_A-og

Finalmente llegó la banda principal de la noche, Torres de Hanói, para presentarnos y conducirnos por su envolvente EP Instintos. Alejandro Gracia, en la batería, Axel Cisneros, al bajo y Armando Lara liderando el proyecto con voz y guitarra; agradecían al respetable por su asistencia para así, dar los primeros riffs que inauguraban la acalorada noche rockera.

Instintos es un acoplado que consta de 5 tracks: Fuerzas vivas, Respiro, Códigos, Instintos y Ficción. Ya en esta era tan digitalizada, es raro saber de producciones cobijadas por grandes casas disqueras. Lo de hoy es un “hágalo usted mismo”. En lo único que reparan los músicos, es en acudir a un estudio profesional que les haga la masterización. Es así como este EP, que fue grabado por Henry D’Arthenay, Eduardo Bogard y Orson Ramírez en “La Bestia” Studio, Suno Records, SAE Studios, Kids Music y Lindavista.

Las letras de la banda se concentran por las líneas del amor, la amistad, el reencuentro y la íntima felicidad. Es común que al hablar del amor, se caiga en la cursilería, pero en Torres de Hanói, no sucede así. Ya que el ancla que rescata e impide que toda esa atmósfera se desplace sin sentido;  se encuentra en los ritmos que le impregnan a cada una de las rolas.

La guitarra ofrece ciertos efectos rockeros que armonizan con cadencias de contrapunteo, en tanto, la batería ofrece el punch necesario para dotar del “power” necesario, una mezcla equilibrada. El estilo shoegaze, lo encontramos en el bajo, pero resulta un  poco complicado pensar que ellos se muevan enteramente por ese estilo.  

En fin, que da gusto escuchar este EP de principio a fin. Es una producción que se se encuentra muy bien balanceada, las pistas se mantienen siempre constantes y con una buena consistencia sonora. Desde que inicia y va avanzando ese diálogo intimista, uno se queda como “picado”; con ganas de que se repita la rola. De ahí que la que le sigue, nos ofrece la misma sensación, pero con una muy pequeña variación de armonía. Tal vez, ahí radica el éxito de Instintos. Un EP que nos puede acompañar a una reunión de amigos, y ponerlo a sonar cuando cae la tarde o la noche. Hay una calma  y relajación muy agradable, una inspiración muy atinada de convivencia entre amigos, novios y/o amantes.

En esta presentación, del pasado 25 de mayo. Los poliritmos de la banda, pusieron a bailar a propios y a extraños. Y es que su sonido es bastante pegajoso. Letras nada complicadas y directas, que por su sencillez, logran impactar en el escucha y lo invitan a uno a bailar.

La verdad, esperamos que este trio se anime pronto a sacar una producción un poco más larga, ya que resultan muy gratas sus letras, nada complejas, y su melodía bastante pegajosa.  Son dueños de una estética sonora bien cuidada, toques necesarios para ir creando atmósferas relajadas que nos conducen a un estado de felicidad relajada.

EP Instintos, de Torres de Hanói, disponible en formato digital en https://open.spotify.com/album/5e0EANu9iFeBZQQ9A3yKhu 

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