Sábado, 04 de julio de 2020 | Año XX | No: 7157 | CEO: Francisco J. Siller | Dirección General: Rocio Castellanos Rodríguez

Log in
eszh-CNenfrdeitjaptru
Enrique López Moreno

Enrique López Moreno

“Aquí no pasó nada”, obra teatral de Alberto Estrella, este domingo

obra teatral Aquí no pasó nada

México, 12 enero.- Erase una vez un mundo donde todos fuimos hechos de papel, puro y blanco, mágico y sin doblar, de par en par y sin reclamar, rezan las palabras de una gran canción que nos cuentan las tragedias que nos tocan vivir como sociedad.

 

El Círculo Teatral, es un grupo solidario de actores y directores que a través de una pastorela “icónica” nos conducirán por una reflexión con escenas alternadas. En esta trama veremos la disyuntiva entre dos personajes que desfilan en el espacio cultural que ya ha sido demolido. Por un lado,  una vecina que no quiere que “El Círculo Teatral se reabra” pues ella piensa que, “es un espacio inmoral”. En contraparte, está la otra vecina, la  que apoya la urgencia de recuperar un espacio artístico.

 

En esta constante cotidiana, cada vez más ligada con el neoliberalismo, práctica económica que ha derivado en crear más desigualdad, una carencia de oportunidades y minimizando a la cultura y a la educación, Alberto Estrella propone a través de esta obra, una recapitulación sobre los valores.

 

Al arranque de esta trama tenemos a la incipiente actriz Iris Swarovsky que quiere triunfar y llega a tomar clases al espacio, sin saber, junto con su novio Arturo de Orizaba, que la escuela ya fue demolida. Al mismo tiempo, llegan ofertas de dos singulares mujeres que quieren convertir el espacio en un comedor popular, un estacionamiento o en un edificio de departamentos, llegando hasta las amenazas y el soborno pues  junto con el Señor López "cobrador" y Jesúsa Ramírez querrán a toda costa lograr sus objetivos personales más mezquinos.

 

AQUÍ NO PASÓ NADA es un juguete cómico navideño político musical sobre los hechos ocurridos en El Círculo Teatral después del sismo de 2017. Jorge y Jennifer, son dos actores, directores y productores que realizaron el montaje de la obra de J. Fernández de Lizardi " Pastorela en dos actos..

 

 

La cita es en avenida Veracruz #107, en la Condesa. CDMX. Este domingo 12 de enero a las 13:00 hrs. La entrada es libre.

 

Actúan: Jorge Domínguez, Dania Alexandra, Vicente Ferrer, Elva Ruth Mejía, Jennifer Moreno, Christian Muñoz, Angélica González, Sonia Morán, Rubén Bringas, Blanca Conesa, Alberto Estrella, Sonia Solórzano y Ángeles Marín.

 

"Que esta tierra es de ciegos y que aquí no pasa nada" 

¡No se la pierda!

Cerramos el año con el disco Tlazokamati, de Los Kamer

Disco Tlazokamati, Los Kamer// Fotos: Enrique López M.

México, 28 dic.- Diciembre está por terminarse, así como este 2019. Las cenas están que “no nos la acabamos”, y el ombligo está por salir disparado. Así que; corriendo tras un espíritu que aliente  a la quema de calorías, hoy reseñaremos el más reciente material de una banda del estado de México: Los Kamer, banda de jazz multicultural que fusiona distintos estilos que abordan desde el bálcan, hasta sazonarlos con sones, ska, swing, gypsy entre muchos otros estilos y sabores.

Hace poco; tuvimos el gusto y placer de conversar con tres de los integrantes. En aquella entrevista, Alan González, guitarrista de la agrupación nos explicaba “la palabra no es conocida y no significa nada para los mexicanos. Pero para mí, el significado que tiene dentro de ésta banda, o lo que yo quiero hacer dentro de ella es; que cuando tú escuches esa palabra “kamer”, te venga a la mente: los sonidos, o las emociones que tú has tenido a lo largo de tu experiencia con la música de nuestra banda”.

Kamer, es una palabra que proviene del holandés y significa “habitación”, al menos es lo que nos contó su fundador Kamer Ponce. En tanto Tlazokamati, es otra palabra prestada, pero en esta ocasión proviene  del náhuatl. El significado que busca transmitir la banda es más amplio: “de mi corazón a tú corazón” o “de mi alma a la tuya”.

Tlazokamati es un disco que se compone por 10 tracks o pistas. De las cuales se desprenden 3 sencillos: Baluarte, Nueva Tenochtitlán y La Vendetta del Bambino”. Los Kamer es una banda mayoritariamente instrumentalista, aunque encontraremos algunos tracks con letras: Marakamer, La Vendetta del Bambino, Calypso Bar y Mexica Klezmers. El disco se compone de muchísimos estilos. Todos en un balance bastante ecléctico, las atmósferas que se escuchan nos transportan por recuerdos de unos  sonidos muy europeos, desde el ska, el rocksteady, el punk y hasta un rock de raíces muy nacionales. El sonido bálcan, es tan sólo el toque que le confiere un espíritu que lo enclava en el estilo “world music”.

Los instrumentos de viento,  son los que le van dando forma a este Tlazokamti. Cada pieza es una exploración de muchas inspiraciones, lo cual hace  muy emocionante esta degustación, pues no es fácil determinar o encasillar a Los Kamer con alguna etiqueta. Ya que son tantas sus influencias en ellos, que al escuchar cada uno de los tracks, uno puede decir “me recuerda a una escena de tal o cual película” o “me parece escuchar reminiscencias de Caifanes, La Maldita Vecindad en tal parte, o esto o aquello”… Tlazokamati es un disco regalo para el espíritu. Un regalo para quien abra su mente y sus sentidos a un estilo que se funde con muchos otros, pero en algún punto, seguramente se armará la fiesta y seguirla con los amigos

En los tracks que cuentan con letra, encontraremos reflexiones de sus vivencias, de conversaciones que tienen con amigos y de esas preocupaciones. En Mexica Klezmers, hacen patente el su orgullo de procedencia, así como sus raíces. Los Kamer es una banda que se ha presentado en muchos espacios por Europa, y en todos ellos; siempre enarbolan la bandera en alto de esa esencia que los ha construido.

El disco en físico viene en un hermoso papel texturizado con fondo blanco. El formato es un libro de 3 pates que se desdobla. Su decorado fue realizado por la artista plástica Tonatzin Flores. En la portada, encontraremos unos dibujos de los integrantes usando sus máscaras, siendo transportados (en su viaje) por un axolotl (o ajolote). En tanto, también encontraremos imágenes que se superponen, una serie de fotos muy coloridas con unos bordados de flores y grecas. La obra está dedicada a todos a quienes han creído en ellos, y les siguen apoyando.

La orquestada organización se compone de la siguiente manera: “Kamer Ponce en el bajo, Alan Gonzáles (guitarra), Roots Baloo (sax) Karim Huaracha (batería) Etzael Eugenio (percusiones), Uriel Quintana (clarinete), Francisco Ávalos (trombón) e Hiriam Huaracha (trumpeta). Todo el álbum fue armado en España, y estuvo a cargo de Santiago Campillo, y masterizado en Alemania. Participación especial de Luca Ferraris en La Vendetta del Bambino.

Este Tlazokamati es un disco que suena bastante bien. Posee todo ese carácter internacional, destacando la presencia de Luca, cantante italiano muy amigo de Los Kamer. Esta obra es como un excelente compañero que puede armar nuestros sound tracks de vida, y jamás dejarnos en la depre, por el contrario. Es un disco que genera ese buen espíritu; contiene una carga de alegría que nos estimula para todo el día.

¡Tener este cd en las manos es maravilloso!  Pero si ustedes gustan más de las descargas, también pueden encontrarlo a través de los medios de descarga ya conocidos. Los Kamer son los fiesteros nacionales que arman el desmadre estilo México - gitano, pero con sabores, italianos, holandeses y balcánicos. En vivo, suelen tener siempre alguna sorpresa que nos va integrando a la fiesta. Al final de ella. Seguramente ustedes se quedarán con uno maravilloso recuerdo que los hará volver a querer disfrutar de su sonido de corte mundial.

Tlazokamati es una obra dedicada a la multiculturalidad, es una obra hecha con mucho cariño, pero algo que es impostergable, es: ¡dejar de verlos en vivo y a todo color!

 

Simbiosis, álbum con el que Testa rinde homenaje a su abuelo, el gran cantante Antonio Prieto

Simbiosis// Testa_Full álbum Fotos: Testa Oficial y Enrique López M.

México, 23 dic.-  Para escribir una obra no hay reglas, y en la música (particularmente), tampoco. La receta para hacer un disco, al menos, con las habilidades histriónicas con las que cuenta Teresita Cabeza, es la de: “trasformar en magia los sentimientos” Conocida artísticamente como Testa (del italiano: cabeza), la cantante de binacionalidad chilena-argentina, volvió a la CDMX hace poco. En una gira que renueva los lazos de México con los hermanos del sur.  En un lindísimo show en un bar céntrico a la ciudad de México, la cantante presentó e interpretó su  disco acompañada por toda la agrupación.” Matías Saavedra (Masaf) programación,  Cachi en las percusiones y Rodrigo Piña en el bajo “.  (Evento único y exclusivo al que el público fue invitado).

Simbiosis, es un disco homenaje. A lo largo de 10 tracks, la artista le rinde un emotivo recuerdo a su abuelo, el famoso cantante chileno, Antonio Prieto (1926-2011). Éste álbum está construido alrededor de dos temas principales, el amor que Tere le profesa a su herencia, pero también a la música. El pretexto es la música electrónica y sus diferentes beats atmosféricos, pero siempre respetando los sonidos tradicionales de las grandes escuelas del  del jazz, el funk, soul, drumb and bass entre muchos otros.

Tras recorrer toda esta narrativa, encontramos el contacto con esa intimidad y sus marcadas influencias.. El disco arranca con un gran beat Todo, la melodía es un sampleo a una antigua canción del abuelo, “cómprate un tambor”. Durante unos rápidos segundos, emergen sonidos deliciosos. Por un lado, el rasgar de la guja de un tornamesa sobre un disco de vinilo, y un aire frío. Como esa sensación de que estamos en la tierra del fuego, en ese bello país que es Chile. Inmediatamente la voz de Testa se conecta con el espíritu etéreo de su querido abuelo. Bajo una mirada profunda, se devela el espíritu de quien fuera un gran artista, se comunica con la nieta, a quien le habla (metafóricamente) para dejarla marcada de por vida en el mundo de la música.

En Certeza, emerge un juego de paneo de izquierda a derecha, con unos efectos que (nos pueden conducir por los recuerdos de la gran banda inglesa Roxy Music), un lounge de carga muy rica y sensual. Existes, es como una suerte de emancipación deliciosa entre la letra y las ondas sonoras. Si bien, al escuchar esta pieza uno inmediatamente se decanta por un baile intimista y disfrutable, las sensaciones eléctricas nos regresan y nos extienden como un resorte.

Mujer Lunar, es una rola dedicada a todas las emociones que construyen a toda mujer. Un homenaje a todas ellas; a su forma de ser y de pensar. Ambientada por un beat tranquilo, muy para un paseo nocturno por las luces de alguna gran ciudad, la nueva luna emerge, una vez más. Me haces bien, nos va elevando poco a poco el impulso hasta que empezamos a brincar. Rola que posee una combinación de tiempos largos y tranquilos para subir el ritmo poco a poco.

Por tu amor, es una configuración multimedia de timbres que suenan a un llamado que canta emocionada y agradecida, por ese amor heredado y pasado a una nueva generación. Corazonada. Es un fraseo, que con esa voz tan delicada como la de Teresita, en un juego azucarado para los oídos, que de pronto se vuelven un poco más roncos. Mezcla de perfecto balance, para esta corazonada.

Acuarela, es una pieza que emerge poderosamente por un drum and bass. El vapor sonoro con el que se desplaza esta “acuarela”, es de una sobriedad que se extiende hasta un frío y electrizante. Aquí, el juego de contraste lo da la voz de Testa. Sensación que emerge desde algún espacio digital como emotivo espíritu fantasmal. Presencia con la que nos sentimos a gusto, un susurro al oído de su etérea estampa.

Aquí estoy, penúltima pieza de esta Simbiosis. Como campanas tubulares de tonos muy agradables que rondan nuestra cabeza, la voz de Testa se vuelve omnipresente, para encontrarse con otro sampleo de alto vibrato que pulsa fuertemente sobre nuestro pecho. Finalmente el disco cierra con una Epifanía. Rola donde el bajo, como instrumento musical, se deja ver claramente. Gracias a ese bajeo muy de un soul  jazzístico. Percibimos (místicamente), la voz de Tere correr con intensidad alguna pista de baile. Rola que nos conduce por el solsticio sonoro a esta Simbiosis.

Simbiosis es un material con gran vigor y espíritu. Cada pieza se puede escuchar de manera aleatoria, o de forma independiente. La energía que proyecta este álbum es emocionante. Ideal para hacer un recorrido a pie, y dar rienda suelta a la imaginación de altas posibilidades de encontrar por el camino alguna aventura amorosa. El único “pero”, lo encontramos delicadamente en las “baladas”. Resultan algo disruptivas sobre esa línea alta de energía que se propone a lo largo de esta Simbiosis, pues si ponemos todo el disco a nuestros oídos, de pronto ya venimos con la pila a “full” y con certeza y mujer lunar , rolas que nos llevan más por la meditación, son las que nos mantienen un poco en calma a lo largo de toda esa gran carga energética. No es una queja, es una sensación que descubrimos dando un recorrido a pleno con este rico disco. Aunque sabemos; que regularmente, todo álbum  se suele armar bajo ondas de "alto a bajo" o vice versa, para darle un respiro a quien lo escucha.

Finalmente, se agradece mucho la creación de esta muy delicada y bien cuidada producción. Ojo, no es música desechable, es música de alta calidad, para ser ESCUCHADA y poner mucha atención tanto a la letra, así como a los detalles que cobijan a cada track. ¡Definitivamente un discazo para cerrar el año!

*Agradecemos las fasclidades prestadas a este medio a Teresita Cabeza/Testa y a Amigos de Solar.

Entramos a la habitación ecléctica del jazz con influencias balcánicas, que se mezclan en un amplio espectro de la multiculturalidad con: Los Kamer

Los Kamer y su disco Tlazokamati // Foto: Enrique López M.

México, 16 dic.- Ha llegado el mes decembrino y con él, la ciudad de México vuelta un caos. Desplazarse por estas fechas, puede ser desde el doble o triple de complicado el poder recorrer de un punto a otro. Por ello, adelantamos una entrevista con una banda mexicana que nos viene a contar de sus sueños, avatares y finales felices, en este difícil arte de hacer música. Una música que contiene los ritmos de la “música del mundo” (world music), Los Kamer.

La cita era en un lugarcito muy cercano al metro Polanco en hora “pico”, mientras todos los oficinistas salían como hormigas de marabunta “levantando en su camino todo lo que se les atravesaba”, nosotros avanzábamos en sentido opuesto. Entramos a un resutaurancito de conocido globo aerostático. La banqueta de acceso, se encontraba en reparación. Allí, Kamer Ponce (bajista), Alan Gonzáles (guitarra) y Roots Baloo (saxofonista); nos esperaban con toda la paciencia y chida onda que aún les quedaba; tras una extensa tarde de viernes para ellos. Tarde, plagada de entrevistas para disímiles medios.

Los Kamer, es una banda que ya acumula 12 años de trayectoria. Como modernos gitanos provenientes del Valle de Chalco e Ixtapaluca. Durante este tiempo, la banda ha pasado (como muchas), por un proceso de total reinvención de integrantes, desde sus inicios a la fecha. También, es de las pocas que acumula un extenso palmarés, pues ya han participado en diferentes festivales de jazz por el viejo continente. Pasando y pisando países de gran tradición de música balcánica como son: Bélgica, Holanda, Alemania, España, Polonia, Croacia e Inglaterra. En México, también se han presentado por varios estados y ciudades de la extensa república mexicana, destacando: Oaxaca, San Cristóbal de las Casas, Chiapas; Toluca, Playa del Carmen, la Ciudad de México, así como  en  distintas actividades culturales: la Feria del Libro. Además, su música ha salido al aire en el IMER.

Con toda esa poderosa carga energética que posee la banda gitana-mexicana, y su nutrida imaginación espiritual. Infórmate Mx se acercó para platicar con esta banda nacional, que gusta de viajar con su sonido por todo el mundo.

¿Por qué escoger llamarse “Los Kamer” y qué significa para ustedes?

Kamer Ponce.- En realidad el nombre surgió simplemente así. Ya con el tiempo, supimos que la palabra era de origen “holandés” que significa “habitación”. Nosotros no conocíamos la palabra, simplemente la escogí porque queríamos tener una banda y no sabíamos cómo ponerle…

Alan González.- En español, la palabra no es conocida y no significa nada. Pero para mí, el significado que tiene dentro de ésta banda, o lo que yo quiero hacer dentro de ella es; que cuando tú escuches esa palabra “kamer”, te venga a la mente: los sonidos, las emociones que tú has tenido a lo largo de tu experiencia con la música de nuestra banda… Que si tú buscas el significado en el “diccionario”, aparezca como: “género musical que hace una banda de músicos mexicanos”. ¿Me explico? (risas de los ahí reunidos). Es como la definición que yo al menos, trato de darle a este estilo de música que estamos haciendo. No lo quiero poner como “estamos inventando en nuevo estilo”

Como una marca…

AG.- Exacto, que cuando nos pregunten “¿Qué tocan ustedes?” digamos, “Ah, pues tocamos música Kamer”. Que cuando escuches la palabra Kamer, te suene a fiesta, a algo bonito, a divertido, a alegría… Esa es la reinterpretación, o nuevo significado que yo le doy  a “Los Kamer”. Una mezcla especial a todas esas emociones y ritmos tan específicos con  otras bandas.

Es rarísimo que de las zonas de donde provienen (Valle de Chalco e Ixtapaluca) se arme una banda de alta calidad ¿qué energías son las que los juntan (a parte de la música)?

Roots Baloo.- Sí, pues nosotros compartimos el barrio o el vecindario desde que somos adolescentes. Compartíamos desde las calles, las fiestas los conciertos que se armaban para el barrio. Esto terminó por generar una inquietud. Sin embargo, acá por Ixtapaluca, se caracteriza por ser emisario de muchos géneros musicales. Bajo esa adolescencia “rebelde”, es que pensamos: “por qué no tener una banda”. De ahí, tomamos un instrumento y encauzamos toda esa energía que produzca algo que sea “diferente”.

¿Qué les llamo a fusionar la música balcánica y del gypsi jazz con los ritmos ancestrales nacionales?

AG.- Precisamente eso. La belleza de ambas músicas regionales. Eliminar esa delgada línea que divide a “la música folclórica” (Oaxaqueña y/o mexicana) con la música de los Balcanes. Tratando de encontrar dónde es que se amalgaman ambas. Nuestra intención es la de compartir y derribar las barreras de identidad o nacionalidades. Que una salsa, una guajira, un ska, se mezclen con una energía balcanera. Y por ahí, un son jarocho pero también hay un poco de una cumbia o gypsi manush. En esa delicadeza que hay entre estas culturas “diferentes”; es algo que a nosotros nos llama mucho la atención. Es una zona donde nosotros experimentamos, desde tocar un swing y mutarlo. Esa curiosidad nos conduce por una gran cantidad de experimentaciones, para dar una interpretación personal de lo que consideramos que es la “culturalidad”

¿Qué músicos o estilos son los que han influido en ustedes como músicos?

AG.- Pues yo empecé en el blues, allí tocaba con un amigo blusero. Escuchábamos a Jimmy Hendrix, Led Zeppelin, Frank Zappa, guitarristas rockeros. Posteriormente escuché el gypsi manush, Django Reinhardt, Miles Davis, Louis Armstrong los tradicionales. De ahí, te das cuenta de que el jazz es un océano, donde el jazz es un mar inmenso de diferentes géneros, donde te clavas tanto; que te das cuenta que el jazz posee una diversidad inmensa… A mí me pasó así. Yo empecé a curiosear; primero un poco de jazz y escuchando a John Coltrane… cada músico te va llevando a otro, sabes. Eso está muy chido, porque cada artista te va llevando a otro, y comienzas escuchando a The Mars Volta y luego a ¡Rubén Blades! y con The Mars Volta, te das cuenta que hay una relación entre la salsa y el progresivo. De ahí nace mi curiosidad y experimentación; de escuchar mucha música y “tratar de hacer lo que hace este cuate”.

KM.- Yo empecé escuchando a las bandas de ska. Pero ya como a los 13 años empecé a escuchar el bálcan. Ahí fue donde trate de armar una banda de bálcan. Yo y un amigo armamos la banda sólo porque nos caíamos bien. Pero teníamos distintas influencias. Mientras a mí me gustaba el ska, el surf y el reggae; a él le gustaba el metal y los Strokes, de ahí pensamos “pues qué tocamos” y comenzamos tocando surf. Ahí nacen “Los Kamer Surfers”. Ya con el tiempo empiezo a escuchar esta onda del bálcan con Gogol Bordello, de Emir Kusturica… Me empiezo a meter en esto. Y fue que decidí hacer una banda como éstas. Pero al principio, no tenía ni idea de cómo iba el ritmo. Ahí fue que invité a Baloo. Él ya empezaba a tocar el saxofón. De esta forma, fue que decidimos armar una banda como tal. A mí me gusta mucho la salsa, de ella no sólo estudie la música, sino su historia, he comprado mis vinilos. En los últimos 10 años, hemos estado haciendo ésta fusión. No los géneros como ahora, no tan pensados. Nunca he sido yo quien crea los sonidos o las letras, sino que salen en conjunto. Ahora ya buscamos una intensión, pensamos más las cosas. Pero sí; es más la salsa la que ha contribuido con el sonido de la banda, así como el bálcan.

¿Cómo se integra un saxofón al proyecto?

Baloo.- Yo al inicio  no tenía ni idea de lo que era la música balcánica. Pero ya con la invitación, me acerqué a conocer todo ese nuevo mundo. Recuerdo que allá en Chalco se presentó Fanfare Ciocarlia, cuando yo tenía 16 años de edad. Esta banda de rumanos fue un acercamiento directo con la cultura gitana, para mí. Después, ya con mis amigos, se comienza a nutrir esta producción de música, así como las bandas que vas conociendo. A mí me gusta mucho el Rocksteady, el reggae. Pero ya hay una distancia creativa entre estos géneros, que una vez que los escuchas, vamos creando un nuevo mundo.

Veo que usan máscaras ¿por qué el uso de éstas y qué significados hay del uso de ellas en sus shows?

AG.- En nuestro disco, este que es el más reciente “Tlazokamati”, buscamos mantenernos lo más tradicionalmente que podamos. Si observan, se darán cuenta que cada una de las máscaras es la representación de un animal endémico mexicano. Tenemos al: xoloitzcuintle, el jaguar, el águila, el axolotl… El guajolote, también (jajaja). En nuestros shows, buscamos dar a conocer toda esta diversidad cultural que tenemos. Sobre todo porque si hoy vas a Europa y cuando mencionas que vienes de México, allá lo que la gente sabe es: “Netflix: ‘El Chapo” o “Narcos”. Una visión desvirtuada de lo que es México, ¿me entiendes? De ahí que pensamos, que podemos mostrar que México es más que sólo “narcotráfico, armas o violencia”. Que hay toda una diversidad cultural a través de nuestra música. De que en México, vemos la vida de otra manera. Por otro lado, en los shows, muchas bandas ya traen cosas nuevas. De ahí que surge la intensión de innovar. Este año traemos unas, el año pasado fueron otras. Entonces, se trata de refrescar el show. Buscamos que la vista quede atrapada, que el bato que se encuentra en la butaca más lejana nos alcance a ver.

Muchos estudios han citado que las “máscaras” toman posesión de uno ¿qué ocurre con los integrantes de Los Kamer cuando las usan?

Baloo.- Sí, es algo como místico (sonríe concienzudamente). El uso de las máscaras es ancestral. Cuando la uso; es como una forma en que canalizas toda esa energía. Nosotros, de pronto pasamos mucho tiempo de gira y sólo hasta que llegas al escenario es como sale toda esa energía.

¿Quién es el artista que hace las máscaras para la banda?

KM.- Sí, tengo un amigo. Se hace llamar “El Armas”, es un artista plástico. Él ha hecho las de las últimas dos ediciones, y va a elaborar las de la próxima gira. Regularmente las ocupamos más en Europa que acá en México. Como decía Alan, lo que queremos es compartir una cosmovisión mexicana que se tenía acerca del nahual. Ese animal en el cual te transformas. Obviamente, cada quien escogió a su animal. Es una cosa muy simplificada, no tan compleja. Lo importante es dar a conocer el mensaje para que la gente se interese. O sea, México sí tiene problemas, y muchos, pero también una parte muy rica en tradiciones. Una cultura que podemos dar a conocer a las personas. Que vean a México desde una perspectiva muy diferente. En el disco, el dibujo lo hizo Tonantzin Flores, quien también es una artista plástica. Al mismo tiempo, buscamos trabajar con artistas plásticos mexicanos y dar a conocer su trabajo.

En esta más reciente producción con la estarán haciendo su gira próximamente. ¿Por qué llamarlo Tlazokamati, qué significa y cuáles son los sencillos que se están promoviendo?

Baloo.- Tlazokamati, viene del náhuatl. Significa “agradecimiento”. Pero para nosotros va mucho más allá de ese término. Es más como “de mi corazón a tú corazón” o “de mi alma a la tuya”. Lo que estamos compartiendo es: amor y gratitud. Éste disco está dedicado a toda la gente que se ha subido “la barco”. A toda esa gente que ha seguido a Los Kamer desde que empezó la banda, y ha zarpado con nosotros. Desde la familia, los amigos, personas que estuvieron y ya no están. De éste cd “Baluarte” es el track #1. Es uno de los sencillos, esta pieza nació en Bélgica. El otro es “Nueva Tenochtitlán” y el tercero lo cierra “La vendetta del Bambino” que grabamos con, un amigo español.

¿Dónde se grabó el disco y cuál su historia?

Baloo.- El disco lo grabamos en Murcia, España. Con la ayuda de nuestro amigo Santiago Campillo. Lo grabamos en un día. En una sesión ruda y exhaustiva, pero muy felices. Santiago fue quien se acercó a nosotros. Previo, tenemos un EP homónimo que sólo tiene tres tracks. Dos de ellos se grabaron con Campillo, y ese fue el preámbulo para ya tener el Tlazokamati completo. Es un disco grabado en el extranjero, pero con arte mexicano… el cual, contiene ¡de todo!

¿Cómo se ve la banda a 12 años desde que iniciaron siendo unos chavillos?

KM.- Con mucho menos cabello que antes (risas), para empezar, ¿no? A mí la barba nunca me creció, pero el cabello sí. (Las bromas no paraban). Pues en realidad sí ha ocurrido bastante. Te decía que; “de empezar una banda sólo porque nos caíamos bien” a ser una banda profesional. Actualmente ya pensamos desde cómo armar una música, pensar una gira, a pensar en grabar un disco, a pensar en el show, en las máscaras hasta el por qué y para qué estamos haciendo ésto y darle una visión. También, lleva tiempo encontrar a la gente correcta para que participe en este proyecto. Por ejemplo, el primer baterista que estuvo con nosotros, antes del primer show canceló. (Risas) Entonces, siempre hemos cambiado. Ahora ya hacemos presentaciones de 2 horas y media. En 2013 tuvimos un “stop” completo, porque no había banda, nada más era yo. Entonces le hable a Alan y en 2014 volvimos a empezar desde cero. Estando en casa de mi abuela (porque era el único lugar donde podíamos ensayar), allí es donde nace el primer álbum que es el “Indestructible”. Allí se suman nuevas personas, Karim en el clarinete, Alan, regresa Baloo… Al final, el resultado de esto es porque hemos estado nosotros tres juntos desde hace mucho. Y bueno, si quieren ver las diferencias, pueden buscar los videos que hicimos por ahí del 2010 a hora. Yo creo que la banda nos ha dado muchas alegrías y  tristezas también. Pero sabrosas… De momento, ya tocamos en Glastonbury, pero ello no significa que ya está resuelto. No, ¡hay que seguir trabajando!

¿Qué sustancia “Hemaliana” es la que vuelca la mirada hacia el jazz de tantos jóvenes hoy día?    

Baloo.- Es muy chida, sabes. Porque te das cuenta de que hay inquietud en la gente. Que esto es como: “tierra fértil. Que está dispuesta a recibir como semillas (buenas o malas), siempre dejarle como un cachito a unas de esas buenas para que den un fruto bueno”. Al menos en este gusto musical. Dejárselo a la gente, es como algo muy chido ¿no? Si la gente se puede quedar con esa impresión de nosotros, pues ¡qué bueno! El músico tiene como que esa labor. La de tratar de mejorar un poco más a la sociedad. El jazz, tiene una concepción un poco elitista, como que no es para todos. Pero cuando nosotros tomamos los instrumentos y los llevamos a la calle; le estamos diciendo a la gente que “el jazz, ¡está al alcance de ellos!” Que sólo falta derribar esa barrera de prejuicios que tal vez uno se pone, o la sociedad en su conjunto nos impone. El ser como ese “foco” para las generaciones venideras, también está chido. Que no todo es música comercial.

En estos jams ¿con qué bandas nacionales han alternado y cómo ha sido ese tête a tête (enfrentamiento)?

AG.- Pues en estos últimos años hemos tenido varias colaboraciones. Te puedo mencionar que hemos tocado con la Banda Basura. Ellos tocan una música ¡súper padre, súper chida! Con esos instrumentos del reciclado que ellos mismos elaboran. También hemos intercalado con la Sonora Balcanera, con Polka Madre, entre otras; que también están en la misma lucha, tratando de crear una escena de la música bálcan en México. Entonces, eso sí es como un gran incentivo que nos motiva a formar como un colectivo de gente que se encuentra alrededor de los casi 30 años; que están dando una pelea por ser apoyados y escuchados, de contar con un auditorio y dar a conocer su mensaje.

¿Cómo está fortaleciendo esta competencia en los festivales la escena balcan?

AG.- ¡Mucho! Yo te puedo decir que en Colombia, hay una banda que se llama “Balkumbia”, y ahí es donde dices “wey, en México no sólo se está haciendo bálcan, también los colombianos la están haciendo”. Otra es “La Vodkanera”, banda colombiana ¡súper buena! Entonces, eso nos motiva, porque la escena aparte de que se fortalece, se hace más amplia, más universal. Eso impulsa a Los Kamer a subir y a dar lo mejor de nosotros en el escenario.

Con tantos ritmos y tan eclécticos ¿Cómo y de qué forma lo asimila la gente y qué aporte creen dejan a la sociedad?

AG.- Mmm… Pues, a pesar de que todo está como que en contra, nosotros insistimos y lo vamos a hacer. Si mis sueños, mis metas y objetivos están muy firmes, no habrá nada que nos pueda detener. Cuando haces algo con tanta pasión y se lo das a la gente (creo que es algo que a la sociedad le hace mucha falta), yo no sé si lo que hago es “bueno o malo”, pero lo hago con tanta pasión que es genuino. Lo hago porque es mi vida y porque lo amo, porque no tengo nada mejor que dar. Esta forma de pensar es la que siento que me enriquece de espíritu, no tanto el dinero. Eso es lo que en Los Kamer queremos transmitirle a la sociedad. Que venimos picando piedra, que no tenemos “palancas” de “un amigo que nos meta a un festival grande”, pero a pesar de todas esas trabas, todo queda de lado cuando tú amas tu proyecto.

Hay un interés mediático y económico que ha privilegiado al reggaetón, hoy lo escuchas por todos lados y considero que es un estilo sumamente pobre. ¿Cómo rescatar la inmensa variedad de buena música, de música de calidad que hoy ya no se escucha en la radio como hace algún tiempo, y ahora hay que hacer una labor titánica para encontrar estos oasis de buenos proyectos?

AG.- Como dices, esto le está afectando en parte, no sólo a la música. Le está afectando al arte en general. No sé si viste que valuaron a un “plátano pegado en un muro” en 80 millones de dólares o no sé qué… ¡Eso no puede ser arte! Sin embargo, y como tú señalas, hay intereses detrás de esto. “Los que tienen el control del mundo”, pues buscan eso ¿no? Es algo triste. En ciertos “artistas” que no saben nada de música, vas a encontrar a alguien detrás de ellos. Te vas a encontrar a un productor de los regeatoneros que sabe qué hacer, qué tonos tocar, qué fibras pulsar para meterse en los oídos de la gente. Y esa manipulación, es la que le ¡está dando en la madre a la música! Manipular el oído de las personas para meterles unos ritmos simplones, es lo que está marcando una decadencia en la música. En lugar de buscar nuevas texturas para el oyente. Simplemente se conforman con buscar algo que sea pegajoso y que al final como tú lo dices, les deje mucho dinero.

De ahí que se vuelva cada vez más difícil “pelear” o combatir contra esos productos desechables. Cómo también mencionabas, yo fui a la universidad, a parte estudié música. Además, todos los días toco 8 horas música, para que al final; ¡nada más llegue una persona a la que sólo le interesa el dinero! Esas personas saben ¡muy bien qué están haciendo, cómo acercarse a la gente con cosas simples y meterse en sus cabezas! Al final, yo lo veo como un fin malvado, sabes. Es usar a la música con un propósito con el que no nació, ni fue creada. La música no nació para hacerte rico, o para ser un producto. La música, al menos para mí, es pasión, es amor, son sentimientos, la música es el ser humano. Pero tampoco digo “Uuff, estamos en decadencia”. Es algo que siempre ha pasado, antes “el merengue estaba mal visto, y hace años el rock estaba mal visto”

Y el jazz, igual… (Reímos en complicidad)

AG.- (jajajaja) Sí, el “jazz estaba mal visto”. Y dentro de 20 o 30 años, pasará lo mismo con lo que venga. Pero como dice Baloo, con esa semillita que estamos sembrando tal vez ayude. O al menos a una sociedad de chicos que encuentre nuestra música, invite a jóvenes generaciones a tratar de aprender a tocar la guitarra, o el saxofón o qué se yo… Ahí es cuando diré “mi trabajo está hecho”. Entonces, pues yo los invito a no conformarse, a no quedarse con más de lo mismo, a buscar, a experimentar. Ir con tus amigos, con tus abuelos. Hay mucho de dónde rascarle a la música, como para nada más quedarte ahí. Ese es otro de los objetivos de Los Kamer, si no les gusta lo que hacemos, abran sus mentes y busquen otros proyectos, pero por lo pronto, ya les dimos la oportunidad de que escuchen un sax, de que escuchen un trombón y muchos otros instrumentos.

Los Kamer ¡muchas gracias! ¿Alguna otra cosa que quieran agregar?

LK.- Pues muchas gracias a ustedes, la verdad ¡estuvo muy chida la entrevista! Gracias por el interés en el proyecto y nada más invitar a la banda a que esté pendiente de Los Kamer en nuestras redes, estamos en Facebook, en Twitter como: @LosKamer así como nuestra sitio en línea como https://loskamer.com/

Los Kamer estarán cerrando el año con una última presentación el salón Pata Negra, Tamaulipas #30, 1er piso. Hipódromo, Condesa. Ellos tocarán este martes 17, previo a su gira por Europa. La entrada es abierta al público asistente. ¡No se pierdan la oportunidad de contagiarse de las buenas vibras de un gran sonido ecléctico balcánico, con atmósferas muy mexicanas!  Sigan a Los Kamer y revisen sus redes para ver dónde y cuándo tocan en su país, estado o ciudad.

Conectamos con las ondas energizadas de Testa, la gran heredera de Antonio Prieto, y desvelamos sus secretos e inspiraciones con la música electrónica

Testa en México// Foto: Enrique López Moreno.

México 02 de dic.- En el deporte se suelen dar casos donde los hijos de famosos atletas intentan “revivir” las viejas glorias que los padres realizaron. Sin embargo, es muy difícil recordar que el joven atleta supere a su padre. Por lo regular, casi no sucede. En el caso de la música, es casi lo mismo. Si bien, tenemos varios ejemplos, no se diga en México, donde como público, tenemos que aguatar a ciertos guisotes carentes de talento, solapados y sostenidos por el dinero y contactos que los padres poseen; con Teresita Cabeza, líder y creadora de Testa, sucede ¡todo lo contrario!

Con ella, hemos descubierto que por sus venas hay un gran talento, y que no lo ha usado para forjar su carrera. Viene trabajando desde la base, para ofrecerle al público que la sigue una propuesta de calidad. Por ello, decidimos conversar con Tere, para descubrir su sensibilidad, y los fuertes cimientos que construyen su talento, tanto en la composición, como en su música.

Antes que nada ¿cuál es la verdadera identidad de Testa (nombre completo, por favor? Y ¿por qué elegir llamarse así?

Mi verdadera identidad es Teresita Cabeza jajaja. Y mi proyecto de música es Testa, porque Testa significa Cabeza en Italiano, entonces llevo la fuerza de mi familia en cada paso que doy.

¿Qué hechos a tu alrededor son los que se manifiestan en tus letras?

T. - Mis dos discos “Somos fuego” y “Simbiosis”  hablan de amor, de las relaciones de pareja, amistad, familiar, uno mismo, con la sociedad,  lo divino y el unvierso. Los hechos son cotidianos o especiales pueden ser fuertes o trscendentes, pero yo trato de darles una mirada desde lo positivo, hasta una ruptura o una transición difícil, depende desde dónde uno lo mire. Desde el crecimiento o la victima. Yo elijo armar mi realidad (aunque a veces no es fácil), por un camino que siempre va haber un razo de luz. Yo soy de las que cree que “una causa todo lo que le pasa”. Entonces, desde ese riesgo, prefiero vivir la experiencia y hacerme responsable, sacar enseñanzas y no tenerle miedo a nada, ni nadie.

¿Hace Cuánto tiempo que nace Testa en la escena musical?

T.- Desde el 2015 comencé este proyecto. Luego de haber trabajado siempre con bandas y ser parte de ellas, decidí hacer música sola. ¡Trabajar en equipo es maravilloso!, pero requiere de coordinar muchas vidas, tiempos, energias y espacio. Entonces, sentí que se me acababa el tiempo y que sola podía hacer más música; y si se daba la oportunidad, salir a mostrarla donde sea. De ahí que me encerré, y comencé a componer sin preguntarle nada a nadie. No quería opiniones, por lo que dejé fluir lo que hubiera en mi corazón. Así nació Testa, desde esa honestidad extrema.

En tu música se escuchan las atmósferas del lounge, jazz y los ritmos de la electrónica ¿cómo es que te atrapan estos ritmos y cómo los usas para acompañar tus letras?

T.- Yo vengo de familia de músicos, mi abuelo fue Antonio Prieto, uno de los primeros cantantes de boleros que llevo el nombre de Chile por todo el mundo. Él conocía a muchos músicos y cantantes. Entonces, escuchabamos todos los estilos imaginables. Como amigos, ellos compartían los mismos gustos que por el  jazz, bossa nova, boleros, tangos, música popular…Desde Palito Ortega a Joao Gilberto. Nos sentábamos a escuchar discos de vinilo juntos por horas. Entonces a la hora de componer, me fue muy natural incorporar las ricas armonías del jazz, con beats bailables, melodías ritmicas y sutiles. Las letras en mi caso; casi siempre llegan al final, y tienen que ver con lo  que me hace sentir la música y a dónde me lleva. Por ejemplo, en la canción “Todo” que fue el primer sensillo de mi disco Simbiosis, es un homenaje a mi abuelo. Además de haber usado el sampler de su canción “Cómprate un tambor”.  Lo que dice la letra, tiene que ver con mi experiencia con él como abuelo. Vivió con alzheimer muchos años, entonces de a poco fue dejando de comunicarse, pero sus ojos lo decían: ¡Todo!

Sé que la música electrónica te apasiona ¿por qué esto? ¿Tiene que ver la frialdad o ambivalencia (del género) que producen los beats de un “ordenador”? Y ¿cómo las dotas de vida y de esa carga emotiva con la que nos contagias?

T.- Soy de las que cree que hasta una piedra puede tener onda, según como la miremos y quien la lleve puesta. El universo de la electrónica para mi es infinito. Se pueden crear sonidos desde; grabando el aire, hasta andando en bicicleta. No hay reglas, y eso ¡me encanta! Hacer un timbre que no existe para cear una emoción y que se transforme en sonido, ¡es magia! Si el lenguaje que estoy buscando tiene que ver con un sonido de ciertas características, es porque estoy tratando de expresar tal vez frialdad o ambivalencia, o todo lo contrario.  Pero para mí, la música es arte y punto. No tengo prejuicios, que venga de una computadora, de una guitarra o de cualquier instrumento, si aguien lo siente asi, que lo sienta, todo bien. Yo soy una mujer expresiva, me sale por los poros, si me callo, me pesa. Entonces, la carga emotiva que tú dices, puede que venga de ahí. Elijo cada sonido, que es parte de mis canciones. A veces tardo días y si no lo encuentro lo creo. Por eso, no solo con las letras estoy expresando, si no que es la suma de los sonidos que van contando por sí mismos una historia.

¿Cómo ha respondido el público chileno a tú proyecto? Y en esta(s) visita(s) a México ¿cómo ha reaccionado la (chilanga banda), el público mexicano a tu música?

T.- En Chile y México responden muy receptivos. Yo soy de Chile. Por lo tanto; es más facil para mí entender qué es lo que están sintiendo, o con qué canción conectamos más. Con el público Mexicano, he tenido un gran aprendizaje. Ya que tratan de entender mi musica, no es aceptarla y ya. Mientras bailan, me preguntan: “qué estilo es”, o los estilos que creen estoy fucionando, entonces es deconstruir para luego analizar, pero seguimos bailando jaja.

¿Cuántos EPs y/o álbumes tienes de momento y cómo se llaman, por favor?

T.- Tengo dos LPs: El primero se llama “Somos fuego”. Y el segundo “Simbiosis”. Además, cuento con varios remixes y participé con dos canciones en el tributo a Jorge González con “Cuéntame una historia original” y “Por amarte

¿Qué experiencias/recuerdos tienes al estar grabando cada álbum?

T.- Fueron muy intensas y muy diferentes. En Somos fuego, fue la primera vez que componía grababa y producía. Entonces estaba “probando”. Simbiosis fue un album muy afortunado; ya que me lo financió el “Fondo de la Música” que da el ministerio de Cultura y las artes Chileno. Mi proyecto ganó y es un logro increíble; ya que postularon más de 12 mil proyectos, y solo ganamos 30 de Santiago. Entonces, en esta oportunidad, como tenía mejor presupuesto; trabajé con el mismo equipo que me apoyó en el primero, y logramos un maravilloso resultado.

De momento ¿hay en puerta algún trabajo nuevo?

T.- ¡Sí! Pronto habrá novedades…

Escuchando “Mujer lunar” ¿te consideras o te ves como una activista del tema femenino? Y sobre el tema ¿Qué consideras que no se haya dicho o hace falta por abordar?

T.- Claro que soy una mujer que lucha por la igualdad de derechos. Me parece tremendo que estemos casi en el 2020 y todavía haya gente que lo cuestione. Tendríamos que estar hablando del “cómo mejorar el mundo, la educación, el bienestar fisico, mental espiritual”…y todavía seguimos hablando de la “igualdad entre el hombre y la mujer”…es mucha energía. Pero hasta que eso no se cumpla  como sociedad, estamos estancados, y este mundo jamás va a mejorar.

¿En tu música, quiénes marcan tus influencias?

T.- Me gusta mucho Sussie 4, tambien Belanova, Zoe, Nortec Collective, Porter, Nina Hologram, Technicolor Fabrics, Natalia Lafourcade, Dj Astro, Fer Elio, Human Fader, Kinky, Da Punto Beat (entre otras bandas mexicanas). Del resto del mundo: Portishead, Massive Attack, Disclosure. También (y por razones obvias) Lucybell, Joao Gilberto, Goldfrapp, Soda Stereo, Billi Holiday, Chemical Brotherters… ¡Tengo muchas influencias!

Para ti, en estos momentos ¿cómo ves el mercado latinoamericano?

T.- Lo veo muy fértil, con bandas excelentes, com propuestas muy interesantes. Creo que estamos en un muy buen momento.

Me gustó mucho tu voz, hay como una carga enorme de sensualidad y pasión (destacando) en “Todo”. ¿A quién se la dedicaste?

T.- Es una canción que le estoy cantando a mi abuelo. Si te parece sensual, me parece super interesante tu interpretación. Pues de eso se trara la música, de que cada uno le de su propio sentido.

Todo vocalista se prepara de algún modo ¿cuál ha sido tu formación? 

Yo estudié música con mención en canto popular en una institución que se llama Escuela Moderna. Como vengo de familia de músicos, a demás de mi abuelo, su hermano Joaquín Prieto era un gran compistor y arreglador. Entonces, tuve todo el apoyo familiar y de amigos. Siempre he cantado, en la escuela, bodas y funerales jaja, entonces fue natural. Raro hubiera sido para los que me conocen, elegir otro camino. 

¿Qué tan complicado es trabajar con más músicos al momento de preparar los shows? 

T.- Como soy dueña de mi proeyecto, he tenido la fortuna de invitar a grandes músicos que admiro, y todos han aceptado en participar. Para mí, lo primero es sentir afinidad y buena energía con quien voy a compartir y hacer música juntos; es sagrado. Contar con alguien virtuoso, pero que no haya química, ¡no lo invitaría jamás! Pero para mí, ha sido todo lo contrario: ¡De complicado a todo un placer! Yo compongo sola, luego rearmo mis canciones con otros músicos y se vuelve ¡alucinante! Para el último concierto que di en México, armé una super banda con músicos chilenos: Matías Saavedra (Masaf) programación y diseño sonoro,  Cachi en las percusiones (Carmen Costa), Rodrigo Piña en bajo (Akinkoba Collective) y el resultado fue increíble. Espero volver pronto para repetir la experiencia maravillosa de tocar juntos.

A parte de lo que me cuentas ¿te decantas por alguna otra actividad para completar tu formación vocal y para llevar a cabo tu actuación frente al público? 

T.- ¡Claro que sí! Nunca dejo de estudiar canto, danza o algun curso de composición y  mezclas. Para mí, lo más importante es ducar la mente y el espirutu, llevo una vida interior muy intensa.

En Youtube he encontrado de momento tan solo cuatro videos, están realizados de manera muy sencilla. ¿Cómo fue la experiencia al grabarlos? 

T.- Hacer cada uno de ellos fue  gran experiencia. Yo soy una artista independiente y encima solista. Asi que en cada uno puse todo mi amor y recursos. Pueden ser pocos para la “industria”, pero yo lo veo como grandes logros. Cada uno fue una experiencia ¡única! Además, cada director que participó y creyó en mi proyecto; fueron claves. Ya que son tremendos artistas. Desde Carlos Moena, Marco Martinez, Felipe Schiffrin, Jorge Fernandez… ¡Mi gratitud infinita para ellos!

¿Qué anécdotas o sucesos, consideres relevantes que han marcado tú trayectoria como artista? 

T.- Uno de los sucesos más importantes, fue hacer la canción Somos fuego. Cundo la terminé, la subí a mi soundcloud. Entonces, se la mostré a una amiga que vive en Guadalajara, luego ella se la mandó a otra amiga que justo estaba haciendo un festival feminista y sólo, teniendo una canción, me invitó. Tuve dos meses para componer más repertorio, pero fue indispensable para darme cuenta de que mi música podía funcionar. Y así fue que como TESTA; toqué por primera vez en Guadalajara en el 2015.

Regresando al tema de “Mujer lunar” ¿cuéntanos un poco de qué habla esta letra y cómo es que nace?

T.- Estamos en una época donde las mujeres estamos más unidas que nunca. La “luna” en muchas culturas representa a “la mujer”. En esta canción hablo de la empatía que se crea cuando hay luna llena (términos de ciclos), y luna nueva (comienzos). Es un simbolismo que llama a liberarnos, a renovarse, entenderse y apoyarnos.

Finalmente, nos despedimos de esta gran conversadora. Les invitamos a seguir sus proyectos y estar al tanto de lo que ella hace con tanta devoción: su música.  Sus canciones están construidas para ser bailadas, según ella nos cuenta. Sin embargo, en un recorrido a través del inconmensurable tráfico de nuestra CDMX, la verdad es que su música, nos hace vivir espacios de felicidad. Busquen sus dos producciones Somos fuego y Simbiosis en cualquier plataforma digital: Spotify, Apple Music, Deezer, etc. Así como a través de sus redes sociales: @testaoficial /facebook/ instagram y www.testaoficial.cl 

 

Hicimos el “unboxing” de Laureado, la más reciente producción del dueto colombiano Agatha I

disco Laureado, Agatha I// Foto Enrique López M.

México, 25 nov.- Salimos a dar la vuelta con este disco Laureado (2018). El CD más reciente del dueto colombiano Agatha I, integrado por: Viv Rodrígez y Cam Noreña. El viaje por este material, el cual está disponible tanto en formato físico, como digital, nos promete una fuerte carga de atmósferas, muy de la música electrónica. Más allá de cualquier etiqueta.

De entrada, en este formato físico resalta su muy atractivo librito, el cual viene totalmente en un negro mate. Estilo que le da un carácter sobrio y elegante. Dentro, las letras a cada una de las canciones (rolas), arman una “carta” que luce equilibrada en su contraste. En la portada, observaremos a una serie de cuerpos tal vez femeninos, que asemejan a los maniquíes, sin cabello y desnudos, amorfos y en posiciones distintas.

Compuesto por siete pistas, ¿de qué nos va a contar este Laureado? Empecemos por las letras. Al arranque tenemos una “Intro”, fragmento que muchas veces funciona como prólogo; de por qué caminos vamos a pasar y qué paisajes vamos a ver. (No dejo de pensar al escuchar esta intro, que Björk puede ser una fuerte influencia en Agatha I). Sin embargo, para las cantautoras, ésta pieza constituye más bien el final. Una suerte de ejercicio final a todo ese esfuerzo, aventuras y anécdotas.

Pasando esa breve caseta, comienza realmente el viaje. Y arrancan súper bien, Dogs open season, segundo track. Avanza a toda velocidad y en primera, para después tomarse el viaje de forma contemplativa. La voz de Viv Rodríguez tiene un sabor muy dulce con el que nos envuelve, ya cantando en inglés o en español. En general, este disco está dirigido a “todas las personas a las que han laureado, por batallas que libran al experimentar el amor de pareja y el de la humanidad”. De ahí el nombre del EP. Y así se siente. En la pasada entrevista, Camila Noreña, nos contó que ambas construyen sus letras alrededor de las metáforas y una dosis alta de literatura, así como de imágenes del cine, el corto y el video.

Alimentado con sonidos lounge, new wave, algo de hip hip, y trans, la gran cantidad de elementos sonoros que integran a cada pieza, hacen muy disfrutable este Laureado. La rola L.L.A.A. tiene un beat muy acogedor. Interpretada en español, la metáfora de unos lentes que nos dan la sensación de que “depende de con qué ojos se mira”. El dueto vocal juega entre la dulzura y un rap espontáneo que irrumpe súbitamente la grave voz de Cam Noreña, para retornar  de nuevo a la suave voz de Viv Rodríguez.

En general, todo el disco está arropado por muchos efectos. Arte del cual se basan para ir decorando cada track, y llenarlo de sugestivas ambientaciones. Cuerpo a cuerpo, es un tema que gracias a la tesitura vocal de Viv Rodríguez y el apoyo de Sebastián Sánchez en la voz rapeada y José Gallardo en la guitarra (además,  es el productor de éste disco), van  transformando ese recital de palabras, en una fuerte carga de sensualidad sonora. De momento, el único track con la presencia de una voz masculina, rasgo que es muy del gusto de las chicas de Medellín, Colombia.

La tónica dominante en casi todo el disco, la encontramos en la preocupación que tiene la banda por el tema de lo femenino. Wasted, es un tema particularmente fuerte. Aquí, la voz de Camila Noreña le transfiere su poderoso carisma. La trama gira alrededor de la recuperación por los derechos de la mujer. Es indudable que aquí, el espíritu de Noreña es capturada por una fuerte emoción de la cual, se deja llevar por completo. La vocalista hace inflexiones a la rola, proporcionándole cierto carácter de suspenso y tensión. Drama que alimenta a este Laureado como la mejor rola. No sólo por la carga emotiva, sino por los coros y ese grado de emocionante tensión.

En el tema del reclamo más justo y de carácter social, aparece en Humanos. Cobijada por un beat que se repite como trasfondo de una trama ya conocida, la canción hace un llamado al mundo sobre las conductas “machistas”. A renunciar a esa actitud negativa e intrascendente, para voltear y ver a todas estas mujeres violadas o desaparecidas, de las cuales no se les ha hecho justicia. Ya por parte de un Estado que las ignora y se posterga en un falso olimpo, o por una sociedad que cambia lentamente.

Finalmente, el tan ansiado “bonus track”, que no es más que la reiteración de la sensacional Wasted.

Epílogo

En general, Laureado es un disco bastante homogéneo por parte de las chicas de Agatha I. La producción está muy bien cuidada. Desde sus letras, su música y las voces, hasta el arte del mismo disco. (Esto, al menos para los que gustamos más por el arte creativo de los formatos físicos).

¿Cómo escuchar este disco? Si nos apoyamos en el lenguaje que usa la radio, Laureado: se puede escuchar de principio a fin en forma lineal, tal como viene grabado, o bien aleatoriamente. La realidad es que está tan bien construido el estilo del dúo de Medellín; que cada rola puede sonar a cualquier hora del día, desde la mañana, tarde o noche.

Al final, la ciudad de Medellín puede descansar satisfecha. Pues cuenta con dos de sus más talentosas hijas. Dos jóvenes artistas de la música que han logrado construir un proyecto lleno a amor y cariño, para quienes se den el tiempo de escuchar su música, bailar con ellas y disfrutar de su propuesta artística.

Laureado es un EP que ya está disponible en formato digital y físico. Se puede adquirir en las plataformas ya conocidas. Y para quienes aún gustan y disfrutan de rendirle culto al CD y ponerlo en un reproductor, mientras se abre y lee el librito, les sugerimos ponerse en contacto con la banda a través de su red social de Facebook: Agatha I.

(Agradecemos fraternamente a la agrupación Viv Rodríguez y Cam Noreña, por la facilitación del material para la realización de esta reseña sonora. ¡Muchas gracias Agatha I!).

Agatha I, el ritmo hipnótico del trip hop. Con un sabor laureado desde Colombia

Agatha I en México

Entrevista

México, 21 nov.- En una visita casi de relámpago, el dueto femenino conformado por: Camila Noreña y Viv (o Viviana) Rodríguez, creadoras y fundadoras de Agatha I, visitaron el país en un tour que les ha permitido darse a conocer a México. En esta gira que realizaron las jóvenes artistas, estuvieron promoviendo su más reciente material “Laureado”, un disco que contiene letras tanto en español como en un inglés. Un álbum muy pulido que cuenta con seis pistas más un  bonus track. Este material fue una producción de José Gallardo, quien además se encuentra colaborando como artista invitado.  Además, encontraremos la voz del rapero Sebastián Sánchez.

Agatha I cuenta con varios videos, tanto en vivo, como especialmente producidos para varios de sus tracks. De éstos, nos llamó particularmente la atención dos de este Laureado EP: Wasted y Love your way. En el estilo interpretativo, como señalábamos antes, resaltan mucho sus canciones en inglés. Pues al escucharlas, uno cree estar en presencia de una banda inglesa o norteamericana, pero nunca se creería que es una banda latinoamericana. De ahí nace uno de los grandes atractivos de este dueto de Medellín, Colombia.

Dada nuestra curiosidad, fuimos a platicar con estas cálidas y grandes amigas colombianas, previo a su último show que ofrecerían en Puebla. En un muy breve apartamento de la colonia Anzures, Polanco. Un portón que se hacía el remolón, dificultaba la  apertura de sus puertas. Allí  nos recibía Jhonny, gestionador, manager, fotógrafo etc; de Agatha I.

¿Cómo nace Agatha I (1ª)?

Camila Noreña.- Bueno, Agatha I, es para mí como un seudónimo de mi Medellín, la ciudad de dónde venimos. Es un homenaje a ese lugar que nos inspiró. Es algo que no queremos olvidar y buscamos resaltar. También, a que muchas piezas nacieron allí. Agatha I (1ª), es porque ya hubo una Agatha antes, y esa “primera” parte es una herencia de que no salimos de la “nada”. El proyecto nace en 2013 y ahí nos juntamos. El dueto, fue que decidimos dejarlo así. Ya que era un complemento perfecto, era orgánico. Se daba de manera natural y espontánea. Era una forma en que se conectaron nuestros estilos, así como nuestros gustos musicales.

Cuando nacía este proyecto ¿nace como la intensión deliberada que estuviera compuesto sólo por mujeres?

Viviana Rodríguez.- Pues, el proyecto cuando empezó, siempre fue sólo nosotras solas. Las sesiones que armábamos, eran muchas veces sesiones improvisadas, basadas en unas composiciones que Cami tenía sobre la marcha. Ella me dejaba hacerle algunos arreglos que ella ya había realizado. En esas improvisaciones, le preguntaba “¿Puedo cantar esto, o hacer aquello?” Pero ya con el tiempo, nos empezamos a tomar más en serio, y comenzamos a sacar canciones. Siempre sentí que había una conexión para poder tocar, una conexión de entendimiento. Fue así que decidimos hacer a Agatha I. La idea siempre fue que naciera como un dúo. Nos entendemos las dos. Las dos tenemos gustos similares, cosa muy difícil de encontrar con otras agrupaciones, como; “quiero este estilo” pero el otro, quiere otra cosa… Claro, con el tiempo se va cediendo. Pero en este proyecto había una clave. El estilo musical lo teníamos muy claro. De pronto, nos ponemos a platicar y seguimos pensando en que debemos continuar así, como un dueto.

Dentro de su estilo musical, se nota predominantemente el trip hop, corriente que nace en Bristol, Inglaterra ¿Por qué escoger este estilo y, se sienten cómodas con éste frente a otros estilos?

CN.- De pronto, en las primeras producciones sí usamos bastante el trip hop, como género. Teníamos como unos tempos más lentos, más densos a nivel armónico, con cosas más atrevidas de esta música que conocemos como <<occidental>>. Pero con el tiempo, nos hemos dado cuenta que nos gustan muchos otras sonoridades, propias de otros géneros. Pero sí domina la música electrónica, hay rap,  120 bpm. Así va todo, muy rico, muy cómodo y de pronto ¡sale un rap, ahí a la mitad, todo “puro y duro”!

¿Suelen improvisar mucho?

CN.- No, para nada. Las producciones para nosotras son muy pensadas. En casa sí jugamos mucho. Pero al momento de producir, sí borramos y vamos cambiando lo que no nos gusta, ajustamos. Somos un poco más pulidas, ya con los años, somos más prolijos con el trabajo.

La intención de cantar en inglés (cosa que les sale muy natural) ¿es el resultado de buscar un carácter de internacionalización o bien, por qué escoger de pronto el habla inglesa?

VR.- Cuando empezamos a componer, las letras salían en muchas ocasiones en inglés, y pues hagámoslo así, no tengamos miedo. Pero también creemos que hay una necesidad de retarnos. Aunque también componemos en español, pero al hacerlo es como un poco más difícil, por la sonoridad de las palabras y que suene bien. Para el próximo trabajo, tenemos planeado desde la investigación (de lectura y escritura), para tener un buen material en español.  De momento, esto de cantar en inglés, no está pensado comercialmente o con miras de internacionalización. Sucede que nosotras somos de Colombia, y queremos que sea lo más “universal” posible, pero hemos encontrado que mucha gente disfruta de la música, pero les cuesta conectarse porque está en inglés. Por ello, queremos; uno: que ellos entiendan, en especial en aquellos países que no hablan español. Con el inglés sucede que si no lo cantas tal cual, pues entonces “no es inglés”.

¿De qué alimentan sus letras?

CN.-  Sí, en la canción “Humanos” durante o antes de escribir, yo estaba leyendo a Henry Miller… y bueno, cerré un momentico el libro y cogí la guitarra. Allí escribí así: como de “chorro” (sic) la canción. Recuerdo que era un fragmento en particular, que no recuerdo de momento, pero sí lo quiero mostrar para que logremos como que todos, esa misma conexión que se me dio en ese instante. Sí, yo siento que la lectura nos inspira mucho.

VR.-  También el cine. La parte audiovisual es como un gran referente. Las cosas cotidianas son elementos con los que nos identificamos mucho, cosas que nos pasan y las soltamos, pero sí, ver cine, cortos, la lectura se vuelve como material bien contundente a la hora de componer.

CN.- Sí, otras composiciones artísticas, nos nutren, nos llenan. Y el proyecto que ustedes van a poder ver y escuchar se darán cuenta que incluimos otras producciones artísticas como: la danza. Van a ver muchos tipos de danza en nuestros videos, hay c-krom, tribal, etc.

Para ustedes ¿a quiénes destacan como sus más fuertes influencias?

VR.- Para mí (risas conspicuas)… Grimes, Tom York de Radio Head (ríen y lo citan al unísono Cam. Nor.), también de Colombia como: Estados Alterados, Mr Bleat. Musicalmente, aunque no sea tan evidente, pero sí como alguna referencia, está Little Dragon, James Blake. Nos gustan mucho las voces masculinas… Así como música del new wave y synth pop, en especial todo lo que emergió en los 1980.

Y de Colombia, ¿hay aparte alguien que les llame la atención dentro de lo que ustedes hacen?

VR.- A mí, hay una chica que me vuela la mente, se llama Lianna, que mezcla hip hop, soul…

CN.-  A mí me gusta Bisonte. Su primer concierto, fue uno de nuestros primeros conciertos también. Somos como bandas hermanas. Ellos son como una “boy band” jajaja

VR.-  Y nosotras la “girl band” jajajaja.

CN.-  Tienen unas letras muy hermosas. Me gusta la forma en cómo los veo trabajar. Eso me inspira también.

¿Cómo describirían su carácter?

CN.-  “Intensa” jajaja ¡Todo de una! ¡Todo a la vez… y luego nada!

VR.-  Yo creo que mi carácter… Me considero como una persona muy amorosa, pero también tengo un carácter muy fuerte…

CN.-  Porque te quiero, te aporro jajaja.

VR.- (jajaja ¡no!) Yo creo, tener un carácter un poco dominante. Pero con Agatha I, esa regla no vale. En general, sí como que hay una tendencia a ser muy dominante, pero soy muy pasiva. Entonces, soy como una mezcla muy rara jajaja. Hablo  muy despacio, yo creo que en general soy una persona muy tranquila, pero sí tengo ese contraste de ser un poco… dominante, ¡sí!

¿Qué tipo de público las siguen más: hombres o mujeres?

VR.- Yo creo que en general hay de ambos, pero sí hay una tendencia a que en los shows en vivo, sí hay como que más presencia de hombres.

En el” Do it by yourself/Hágalo usted mismo”.

¿En qué año nace la banda oficialmente y cuántos discos oficiales tienen?

VR.- Nacemos en 2013, pero nuestro primer disco aparece hasta 2015 con el EP Valium, pero ya habíamos tenido anteriormente otras presentaciones, otros momentos. Y a partir de ahí, se dan presentaciones en medios, entrevistas y cosas así.

CN.- Oficiales, tenemos dos EP. Un Larga Duración y dos sencillos. Eps: Valium, EP de remezclas de Love Your Way, que nos hicieron unos amigos de Medellín. Ellos tomaron el sencillo de Love Your Way e hicieron una serie de remezclas ¡sólo para la pista de baile! Y este: Laureado.

¿Qué anécdotas nos pueden contar de estos procesos que han tenido en sus respectivas grabaciones?

VR.- Bueno, en las grabaciones. En Valium  con Andrés Carbajal, que ha sido un gran amigo de nosotros. Con él grabamos el bajo de todo el primer EP. Y fue muy gracioso, porque entre una de sus locuras y la del ingeniero de grabación, se les ocurrió colgar un micrófono, y de pronto, le  empezaron a dar vueltas del cable, a partir de eso crearon un efecto que se capturó en la pista. También grabamos con Andrés Carmona, un músico con el que tengo una muy buena relación, él es un gran saxofonista. Otro anécdota, cuando grabábamos con Sebastián (Archimimos), recuerdo que él estaba como muy nervioso,  grababa y decía “¡No, esta sí es la última!” jajaja

CN.- Sí, porque en realidad se escuchaba todo perfecto. Y lo dejamos, total, hasta que él quedara contento con todo el trabajo. Pero era como todo vaciado, porque en las tomas quedaba como la última, y no ahora la penúltima y la “final final”. (Ríe)  

VR.- Nos reímos mucho, porque  es una persona que apreciamos mucho. Y la última colaboración que es con nuestro “mentor” y querido coproductor del disco Laureado, fue José Gallardo. Con él grabamos la intro que da inicio a Laureado. Esa sí fue una sesión más de improvisación, ya que él estaba en la guitarra, Cami en la batería y yo en la voz. Aunque fue la intro, para nosotros fue el cierre del disco.

En este mudo actual del “hágalo usted mismo”, ustedes ¿cómo desarrollan desde casa su producción o han contado siempre con apoyo de algún estudio?

VR.- Pues en lo que tiene que ver con las maquetas, las hemos hecho nosotras: ¡siempre! Pero en lo que fue el primer álbum, fue en un estudio increíble. Se llama El Alto Estudio. Allí se tuvo a disposición a mucha gente; ingenieros haciendo la mezcla, como Andrés Carbajal, Felipe López en el master. Como que ahí involucramos a mucha gente. Ya para este último disco, todo fue como en un “home studio”. Y para las decisiones, el filtro siempre éramos nosotras. Aquí, tratamos de ser muy específicas. Porque nos dimos cuenta de que si queríamos un resultado más acercado a las expectativas, teníamos que estar más al pendiente de todo; sino el resultado iba a ser muy diferente. Porque además, Cami es la que mezcla las maquetas, y ella ya tiene una visión más clara de lo que queremos. Pero también somos conscientes de que hace falta un estudio para eso. Pero hasta que no tengamos como todo el conocimiento, seguiremos confiando en terceros.

CN. – Sí, es como esto de “zapatero a tus zapatos”. Los artistas desde hace mucho se involucran en casi todo el proceso creativo, pero depende del gusto de cada artista. Yo, hasta donde quiero me involucro, pero el trabajo en equipo ¡es vital! Así tú sepas hacer de todo, me parece muy importante confiar y encontrar un equipo que te apoye. Hay que contar con la gente, “estamos acá para eso”.

¿Por qué se llama “Laureado” este disco y, cómo fue el proceso de selección de las pistas?

VR.- Pues lo tomamos de esa corona de laurel que se usaba hace mucho para “glorificar” a los poetas. Queríamos laurear a esas personas por esos pequeños actos del día a día. De esas batallas en vida que pasamos cotidianamente, que nos hacen fuertes. Fue por eso que quisimos “laurear” a esas personas.

¿Qué temáticas abordan letrísticamente en Laureado?

CN.- Son muchas, visiones que tenemos del mundo, que tal vez no nos parecen, pero que lo mencionamos de manera más poética, usando herramientas literarias, como metáforas, sarcasmo, ironía. Hablamos de nuestras impresiones con respecto al mundo, y damos como una visión de mujeres latinoamericanas en la música, ¿sí? De cómo vemos nosotras como mujeres de Colombia que hacemos música: el mundo.

En Agatha I, la parte audiovisual es muy relevante, ¿de qué habla Wasted y qué experiencia tienen al haber grabado visualmente éste tema?

VR.- Wasted, fue escrita de forma irónica. Habla sobre los roles que nos ha impuesto la sociedad, como: “si la mujer no se casa, está desperdiciada

CN.- ¡Ya se echó a perder! jajaja.

VR.-  Sí, en cambio “los hombres trabajando” o bien “no lloran”. Todo esto ambientando bajo unos beats como para bailar. Sobre el video, no es como tal, es más una sesión que se grabó en un “en vivo”. Para nosotras fue como un reto, porque queríamos que quedara como muy bonito. Quien lo hizo fue una empresa que se llama “Arquitectura Audiovisual”, que se encarga de hacer toda esa parte escénica. Ese cubo se diseñó especialmente para nosotras, el cual tiene otro cubo encima. Las luces son de led y van cambiando de colores, en un segundo módulo hay otro cubo, las cuales están mapeadas y se hicieron especialmente para esa canción. Para nosotras, es muy importante el tema audiovisual. De que éste acompañe de manera muy precisa lo que estamos tratando de decir. No nos preocupa que el mensaje salga de manera puntual, sino que cubra más un aspecto estético.

En “Love Your way”, observamos una historia de amor entre dos bailarines ¿cómo nace esta idea y, cuéntenos del joven que aparece ahí? A parte ¿Qué tan buenas bailarinas son ustedes?

CN.-  Sí, ¡claro, nosotras sí bailamos… pero donde nadie nos vea! (jajaja). Claro, nos encantó y por eso lo elegimos. Estábamos como buscando a un actor, pero uno que supiera bailar, entonces escogimos a un bailarín. Él es de una compañía de allá de Medellín, también la chica, los dos son de allá.

VR.- Yo creo que por su carácter y fuerza, nos llamó la atención. Él baila algo que se llama C-Krome. Nosotras, no teníamos ni idea de qué era…

CN.- No sabíamos, pero dijimos “queremos eso” (jajaja).

VR.- Nos maravilló cuando lo vimos bailar la canción, yo no sabía qué era, pero nos gustó. Fue algo que le dio mucha fuerza al video.

De pronto aparece un personaje por ahí, una chaparrita con un casco militar de los que usaba la URRSS en los tanques. ¿Ese humor involuntario a qué hace referencia?

CN.-  Sí, pues en realidad estábamos jugando en ese lugar donde grabamos las escenas. El lugar hacía mucha referencia a los 1980.

VR.- El video inicia con el “arpegiador”, y ese fue un gran referente para el director. Él nos transportó como a esa época, y queríamos hacerlo ambientado a esa era. Es un restaurante, pero ya ambientadas en esa era, empezamos a jugar y ponernos todos los cascos… Yo tenía uno ¿de Star Wars?

CN.-  jajajaja ¡sí! Tú eras “Skywalker”.

¿Consideran que su música tiene algún impacto social o político, o no es necesario?

CN.- Sí, somos seres sociales. Nos consideramos parte de una sociedad  y queremos aportar desde nuestra música para que algo sea mejor.

VR.- Sí, tal vez no decimos explícitamente “hay que ir para este lado o aquel”, porque como artistas, sí es importante como tener voz. Hay quienes dicen que no es así, pero sí abordar algún tema abiertamente.

¿Qué esperan a futuro de este proyecto?

VR.- Sí, nos gustaría que el proyecto alcance el nivel como una banda de “culto”. Que la gente pueda identificarlo fácilmente, que sea un sonido como único y que digan “Ah, es que eso es Agatha I

¿Qué rangos de edades siguen a Agatha I y cómo es la reacción de ese público?

VR.- Pues hemos tocado para todo tipo de público, desde niños hasta adultos. Muchas veces nos dicen que nuestra música les parece rara, sabes. Por ejemplo, hemos tocado en un lugar donde es muy difícil que nuestra música suene, se llama Festival Medellín Music Week. Un evento que fue muy interesante, porque lo que se buscaba; es que la música no se quedara en el centro, sino que se moviera hacia las periferias. Allá en nuestra linda Medellín hay algo que se llama la “huaracha”, que es una mezcla muy rara de electrónica. Y bueno, antes de tocar nos decían “¿Y ustedes tocan electrónica?” Y nosotras “Sí” “Ah, ¿es como huaracha?”  Y nosotras “¡NO,no es como huaracha, es otro tipo de música”. Ya la escuchaban y decían: “¡oooh!” Ya eso como que los interesaba, ya que es música electrónica y también se baila. Es ahí donde uno se da cuenta de que la música es ¡muy importante para la infancia!

En esta gira que han realizado por México ¿cuál ha sido la reacción del público nacional?

CN.- Listo. Pues la gente que nos ha ido a ver se ha sorprendido. Ya que reciben el disco, o bien por los videos que han visto. Algunos curiosos se han acercado y nos han dicho: “Yo sabía que eran buenos, pero ¡no tan buenos!”. No es ningún champú, eso es lo que hacemos, es el trabajo que presentamos. Es la vida, y con mucho amor lo hacemos. Pero sí, ha sido muy bonita la sorpresa. Como que se vuelan las  mentes; como que hay una expectativa, y cuando superamos esa expectativa… tssss. Ya de ahí en adelante “no respondo”.

VR.- Pues yo ciento que con la gira, aparte de recibir comentarios muy valiosos…

Alguno que tengan en mente, que las haya tocado

CN.-  “¡Qué chingones…!

VR.-  Jajajaj, sí ¡qué chingones! Sí, esa palabra fue muy graciosa. Pero más que los comentarios, yo creo que estamos quedando con gente muy interesada, que está como muy preocupada por seguir el proyecto. Que era finalmente lo que queríamos… y bueno, ya ¡vamos a volver!

En eta gira ¿han interactuado con alguna banda o solista mexicano?

VR.- Sí

CN.- Con una chica que también toca electrónica, ella es cantautora…

VR.- Como que hoy es una gran tendencia ahora mezclar los elementos, no como electrónica, pero sí con tecnología en la música.

¿Les gusta de pronto también estar como público?

CN.- Sí claro, nos encanta estar como público. Escuchar ¡buena música! La vida es muy corta como para escuchar música “maluca” ¡por amor de Dios!  (Cami es la más bromista y lo hace todo el tiempo.)

¿Cómo ha sido la recepción de la prensa en esta visita?

CN.- ¡Súper bien! Tienen todo tipo de medios, nos hemos divertido muchísimo. Son muy profesionales, amables. Los medios de comunicación por acá ¡no son jalaos!

VR.- En Pachuca, Hidalgo estuvimos tanto en radio como en televisión. Luego en Grita Radio, en el Pinche Blog, en el IMER, en Reactor, en Interferencia H3. Con Taquito de Humo, un proyecto independiente, muy bonito. ¡La verdad hemos visitado muchos medios, y todos nos han recibido muy bien!

CN.- Hemos estado en entrevistas por Facebook live, es muy variado y muy dinámico y acá, me parece que el periodismo es de primera calidad.

La plática concluyó con el agradecimiento de todos los que han colaborado y logrado que la gira de Agatha I se esté logrando por México. Dejamos al dueto salir con rumbo a Puebla para su última presentación y de ahí; volarán de regreso a su amada Medellín. Aunque les pedimos que se describieran a las dos chicas, con esta entrevista pudimos descubrir esa estrecha amistad que tienen. Hay como contrastes muy sutiles, pero de enorme atesoramiento, y en esos rasgos aparentemente tan opuestos, es como su amistad se va nutriendo y complementando

Mientras Camila Noreña es sumamente inquieta, vivaz, mordaz y posee una imaginación muy volátil, cargada de un sentido del humor que denota su gran inteligencia, su complemento se vuelve Viviana Rodríguez. Sí, es más reservada, pero una vez que se siente en confianza o tiene el micrófono en mano, sus idas no se detienen y se vuelve una gran conversadora.

Próximamente, reseñaremos el más reciente material del dueto de Medellín, Agatha I y su Laureado. De momento, no dejen de seguir a estas creativas mentes a través de sus redes en Facebook como Agatha I, o en Youtube: https://www.youtube.com/user/agathaprimera  

 

Festival Génesis II CDMX, el espacio para las bandas del rock gótico/metalero de tintes emergentes

Génesis Fest II 28 sep 2019

México, 11 sep.- El festival Génesis Fest II llega como un respiro ante las propuestas rockeras emergentes. Desde hace años, el rock es un estilo que navega a contracorriente. Por la década de los 60, fue una etapa en que comenzaba a ganar adeptos y  convencer a disímiles productores y casas disqueras. Sin embargo, a cada década que se sucede, se gestaban nuevos estilos, y bien o los asimilaba, o emergía con novedosas propuestas.

En las dos últimas décadas del siglo pasado, la escena del rock, particularmente en el punk, el gótico y el metal, llegó a niveles de alta calidad, acto que nos heredó a grandes mitos para la historia; varios de ellos aún vivos y rockeando. Sin embargo, las disqueras o casas productoras, secuestraron el espíritu rebelde y contestatario que lo caracteriza, relegando la creatividad de los artistas, y menospreciando a los seguidores o fans.

Ante esta crisis, los artistas de este nuevo milenio, han tenido que mudar al “hágalo usted mismo”. Se han vuelto productores y managers de sí mismos. No obstante, la penetración de esperpentos como el reggaeton, trap y demás cosas, ha colocado en jaque al rock, particularmente a la escena obscura y metalera en varios países. Debido a ello, en México y por fortuna, contamos con músicos independientes que saben lo que hacen, y reconocen a los “falsos ídolos”. Como respuesta ante la necesidad que tienen los artistas de expresarse, es que se arman festivales como este Génesis Fest.

En esta, su segunda etapa del Génesis Fest. Ro Allende, un músico activista y defensor de las bandas emergentes, se ha preocupado por rescatar la escena de la frivolidad, y  la comercialización vulgar y barata que ofrecen propuestas destinadas al consumo masivo y acéfalo. “Yo soy el organizador y creador de este concepto. Espacio dónde se reúnen proyectos actuales y clásicos que están vigentes. Por ahora, sólo son proyectos nacionales, porque se busca reunir una buena parte de ellos en un festival.” Nos comenta el productor.

Es el año pasado cuando nace éste festival. En su primera etapa arrancó en  Querétaro, Toluca, estado de México y la ciudad de México. Con fechas distintas para darle difusión a las bandas.  La intención es;  dar a conocer las nuevas propuestas nacionales que se gestan  alrededor de los ritmos más intensos del rock, como son: el punk, el dark y el metal, así como las variantes intrínsecas a éstos. “Yo hago la invitación o selección de proyectos. Con lo cual, se busca que tengan presencia, vigencia y que formen parte de una historia de la escena. Si bien, no es un festival único en su categoría, sí el más actual. Donde se combinan bandas de la llamada ‘vieja escuela’ como proyectos más recientes” agrega Ro Allende.

En este su segundo periodo, el Génesis contará con bandas enteramente noveles y algunas otras, con más presencia como son: Amducia, Vía Dolorosa, Hueco, Alayda, Hoffen, I Can Fly, Mementut, Acid Bats, Red Ululama, Lucida Fila, Endemoniada, Tétrico Romance, Siniestro Lab del Sonido,  Monotonous Cities, Estrero Dropa y desde Querétaro Black Moth Tribal; así como los DJ: Petissa Lancome y Arthur Dada. “Organizar algo así no es fácil. Ya que implica mucha planeación, se busca ser un festival donde los músicos sean tratados como lo que somos...” apunta Ro Allende, como le gusta que se le conozca.

Finalmente, se espera que éste festival vaya creciendo en importancia, para que al tercero, sus organizadores desean incluir a España y/o Argentina.

El Génesis Fest II, tendrá lugar este 28 de septiembre en el bar Gato Clavera, avenida Insurgentes Sur #179. El evento abre sus puertas en punto de las 15:00 horas. Los boletos ya están disponibles, en preventa $200.00 y el día del evento $250.00. Para quienes adquieran sus entradas previamente, sus organizadores les tiene un obsequio. Para mayor información, pueden acudir al Facebook de Génesis Fest II 

El músico Mauricio Barraza, sale de gira desde su natal Chile por las tierras aztecas

México, 02 sept.- Las atmósferas que alimentan los sonidos de la pampa Chilena suelen traernos ese aroma a mar, un oleaje que a modo dancístico, nos atrapa en una difícil sensación de cierta melancolía y alegría. Las imágenes con las que se construye el sonido que provienen desde el sur, suelen estar plagadas de una inmensa solidaridad.

Con esa carga de emociones es que, desde el 16 de agosto hasta el 8 de septiembre. Mauricio Barraza, anda por las calles de la ciudad de México esparciendo su rítmica alegría a través de las sutilezas que ofrece el jazz. México es para muchos músicos chilenos, desde la era de los 90, un gran trampolín para ser conocidos en su propio país y el resto de América Latina. O bien, si las cosas marchan aún mejor, rebasar las fronteras del idioma, y llegar hasta regiones donde el español no es un idioma de peso comercial.

En esta gira que el músico realiza por la ciudad de los “Imecas”, Barraza viene con 3 álbumes de estudio bajo el brazo: Li, Baladí y Ocho Chino;  además, el sencillo Caszely. Obra con la cual alcanzó una nominación en los premios Pulsar 2018, en la categoría como “mejor canción” Este viaje pretende, aparte de difundir su producción discográfica, grabar su recorrido en video. Y hacer una “impronta” de lo que promete ser, una gran aventura, en esta, su primer visita a la ciudad.

Mauricio viene acompañado de toda la agrupación para estas presentaciones, acción que nutre por demás, la esencia que contiene cada uno de sus álbumes. La música con la que juega el jazzista, es aquella en la que se hace acompañar por diversos instrumentos. Armonías que se van presentando desde un acordeón, una marimba, flautín, guitarra, piano, trompetas y saxofones, además; está una base de percusión que se va ensamblando con unos coros vocales que,  poco a poco van endulzando la imaginación del oyente.

Caszely, es una emotiva canción que habla de un momento muy particular  en el campo deportivo, acto que tuvo una importante incidencia en la vida política y social de muchos chilenos en la década de los 1970. Era la clasificación de Chile al Mundial de Fútbol de Alemania de 1974, el dictador Augusto Pinochet, convocaba a la selección para realizar una “formal” despedida. El militar intentó saludar de mano al jugador, pero éste se negó a extenderle la suya.

Previamente, en 1973, había ocurrido el golpe de Estado que derrocaba al presidente Salvador Allende, quién había sido electo por una mayoría de manera democrática. La arrogancia y el despotismo que poseía el dictador, lo llenaron de una ira vengativa. No tolerando el acto honorable que  le había realizado el hincha; Allende llamaba a una  policía corrupta a secuestrar a la madre del famoso deportista. Fue que la señora era torturada de manera brutal, mientras el atleta se encontraba en Europa.

Para 1988, el testimonio de su madre, doña Olga Garrido, fue conocido en todo Chile a través de la franja del “No”. Su relato causó un impacto nacional, sus declaraciones  tuvieron un efecto en las elecciones de ese año. Este conmovedor relato logró la mayor adhesión por parte del pueblo chileno para terminar con la dictadura de Pinochet.

Tras estos terribles actos por los que atravesó el jugador y su madre, fue que se veía a Caszely celebrar cada uno de sus goles gritando hacia las graderías vacías del Estadio Nacional de Chile. Ya que allí, fue un centro donde se había  torturado a más de 40 mil personas. Así era como el goleador rendía un  homenaje a los detenidos y desaparecidos de la dictadura de Pinochetista.

“Fallar un penal, le pasa a cualquiera”. Enfrentar al abusador, al tirano, es lo que convierte a Carlos Caszely, en leyenda y en una reserva moral para todos. “Que todas las flores sean hoy y siempre para goleador insigne, el gran Chino Caszely, nuestro rey del metro cuadrado”. Señalan las letras de este nuevo sencillo.

El músico y su banda estarán tocando este 4 de septiembre en Centro Cultural de España en México, a las 21:00 hrs, en la Terraza, posteriormente, el 5 en Jazzatlán. Para conocer más fechas, sigan en la red social de Facebook como: Mauricio Barraza Música.

La comediante Chilena Natalia Valdebenito visita la CDMX, tras una gira por Norte América

Natalia Valdebenito

México, 30 agosto.- Por mucho tiempo se ha esparcido el mito de que “el humor era exclusivo de los hombres”. Sin embargo, la historia de la comedia ha presentado a grandes exponentes femeninas desde hace mucho tiempo, mujeres talentosas que han  compartiendo el escenario con los comediantes.

En pleno siglo XXI, los espacios comienzan a ser dominados por las mujeres, y en dichas suertes, la comedia no les es ajena. Su humor suele ser más “picante y agudo”. Rasgo que le agrada a la gente en general. Pero,  también es un acto que comienza a ser muy rentable para los productores, que buscan a más talentos femeninos, que generen nuevos públicos, ante una forma diferente de plantear el humor.

Natalia Valdebenito, es una actriz y comediante que posee una trayectoria larga en el humor, allá en su natal Chile. Con el tiempo, ese progreso en la comedia y el monólogo, la ha llevado a presentarse en foros más allá de su país. Recientemente actuó en Toronto, Canadá, así como en algunos espacios en Nueva York, Estados Unidos.

 

Su comedia es como el de una “amiga” de sociedad que suele ver el lado irónico de los actos cotidianos: las relaciones con las amigas, el noviazgo, las responsabilidades, así como las decisiones que hoy toman las mujeres ante no casarse y no tener hijos, o bien temas más complejos como la violencia hacia las mujeres.

Estos temas; que regularmente son observados con cierta seriedad, Valdebenito las ha llevado a Europa, presentándose en Madrid, Barcelona, Inglaterra,  Bremen entre otros países. En una entrevista para el “Club La Tercera”, la actriz y comediante señaló sobre su visita que realizó “Acá hay cosas que hace rato no son tema y se ríen de que en Chile sí; entonces el punto de vista cambia según el lugar.”

 

En este tour que la actriz viene realizando, tras presentarse en Miami; ahora visita la ciudad de México. Su atuación se realizará este 3 de septiembre en el Cinemex Plaza de las Estrellas, en punto de las 20:00 horas. La venta de boletos, ya está disponible.

Suscribirse a este canal RSS