Infórmate Diario

 

Miércoles, 26 de junio de 2019 | Año XIX | No: 6784 | CEO: Francisco J. Siller | Dirección General: Rocio Castellanos Rodríguez

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updated 5:38 PM CDT, Jun 26, 2019
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Enrique López Moreno

Enrique López Moreno

Cierra la V Feria de la Música Independiente con la tradición oral convertida en música

V Feria de la Música Independiente 2019

México, 18 junio. El pasado sábado 15 de este mes, la V Feria de la Música Independiente y su Mercadito de Discos; cerró de manera maravillosa en el Espacio X con dos bandas maravillosas que refrescaron y renovaron las tradiciones y las raíces de los pueblos originarios mexicanos. En una jornada extensa que abarcó toda la segunda semana de actividades al mes de junio, se revisó el papel que están jugando actualmente el cine, la radio y sus locutores, así como la producción discográfica, pero manteniendo a la música en su papel central y su relación con los artistas “independientes”.

El mosaico musical fue de una propuesta variada, como suele realizarse en el Centro Cultural de España en México. Así, desde el 11 de junio hasta el 15, se presentaron artistas como Caloncho, Sangre Maíz, Jan Metztic ft. Mexicanos Dub Warriors, Fryturama, Rosk, .Stendal, Neue Strassen, Johnny Nasty Boots, Kill Aniston y el atiborrado Show Case con La Gusana Ciega, que sigue promoviendo su disco completo de “Borregos en la Niebla”, el cual, dejó a varias personas fuera del recinto, ya que no cabía un alma más dentro.

Los ámbitos musicales se vieron visitados por varios géneros musicales que comprendieron al Hip hop, folk, la psicodelia, el stoner, el shoegaze electrónico, la salsa y la música afrocaribeña. Pero para el cierre, el elemento más cautivante lo ofreció la gran mezcla de sonidos del mestizaje: Kumantuk Xuxpë, y las raíces del sotavento de Sonex, banda oriunda de Xalapa, Veracruz.

Kumantuk Xuxpë, es el nombre con el que un grupo de artistas multidisciplinarios se abre camino en torno al verdadero proceso de recrear y renovar la música de tradiciones orales mixes. Benjamín García González, trompetista; Roi Martínez DJ Productor; Ghalo Mexía, guitarrista, Vj sietece y Gilberto Kupyum, artista plástico. Unen sus particulares talentos para retomar la antigua creencia de un ser humano amorfo con el nombre de Kumantuk. Éste ser, es capaz de llegar a un sitio particularmente señalado. Allí, desprenderá su cabeza con ambas manos, ya sin ella, inicia un viaje en busca de sangre acechando a sus víctimas, los chupará y será capaz de desplazarse sin problemas por el tiempo y el espacio.

El concepto musical lo definen a través de una idea: “perder la cabeza en viajes musicales”. Y en efecto, así fue como sucedió el pasado sábado 15. Con el objetivo de evitar la racionalización de los sonidos, estos músicos oriundos de Oaxaca y el DeFectuso, abren los sentidos auditivos, despojándose de su cabeza (metafóricamente hablando)  a través de variadas y potentes ondas sonoras, para manipular su aspecto físico y ofrecernos con talento y capacidades sobrenaturales el viaje al que se nos convocó en el recinto del CCE.

Satisfechos por sus ancestrales tradiciones, Kumantuk Xuxpë nos conduce por la psicodelia, la imaginación y de sensaciones difíciles de describir. No obstante, sus habilidades están cargadas de ritmos conocidos. Destacan las vibraciones repetitivas de la electrónica, los sampleos y los programas creados a través de de un ordenador, pero también encontramos muchos coqueteos con el acid jazz, el trip hop, y el drum and bass, así como un ambiguo, pero muy amplio concepto de “world music”. A todos esos tintes que se conectan desde la electrónica, hay que sumarle elementos más vivos y naturales como es la presencia de la trompeta y la guitarra acústica.

Más no es todo en Kumantuk, ya que la narración de la poesía y el acompañamiento que tuvo mediante la música, se vivió apoyada por una secuencia de gráficos animados que hablan de ese ser mítico que se desprende de su cabeza, para después pasar a la de un toro que nos conduce por mundos extraños, extrañamente abigarrados y cargados de emociones de alegría y paz espiritual.

Kumantuk Xuxpë, se vio excelentemente apoyada por la secuencia de luces que los hizo lucir como seres imaginarios que se escondían entre azules profundos, amarillos deliciosos y algunos verdes adictivos. Fueron, personajes que nos invitaron a un viaje donde perdimos la cabeza tras un gran alucine.  La agrupación ya está trabajando en su disco, arte objeto. Dicho material estará disponible tentativamente para el 15 de julio, según nos adelantó Roi Martínez. Francamente será una delicia volver a escuchar a una banda que se conduce por los límites de las reglas musicales, pero que al escucharlos, se dan quiebres que nos hipnotizan.

Después, llegó el turno al cuarteto de Xalapa, Veracruz: Sonex. Como lo dice su nombre, su estilo abraza dos elementos, por un lado el tradicional sonido afrocaribeño y su multiculturalidad de influencias y sabores, apoyándose en el mundo digital y sus beats, pero dotándose por la fuerza de tocar instrumentos en vivo. Texturizados alrededor de dos jaraneros, uno que le da tumbo al cajón Helio Martín del Campo (cajón flamenco, jarana y voz) y otro, Luis Felipe Luna (voz, jarana, guitarra de son y zapateado) el bailarín. Los sabores se van complementando con un bajo eléctrico Jerónimo González García (bajo y jarana) y la presencia de un violín moderno y eléctrico, elemento central en la música tradicional veracruzana, Camil Meseguer Rioux (violín y voz).

Los Sonex, llevan 15 años en la ruta del sabor que se moderniza y sigue en esa búsqueda incansable; por revivir con la potencia y alegría de la música veracruzana, sus bailes y ese mestizaje tan amplio que ha ofrecido la costa del Golfo de México. Las profundas raíces que han fortalecido su tronco vienen desde Doña Elena Ramírez, Don Arcadio Hidalgo, Don Andrés Vega, así como de los grupos Zacamandú, Chuchumbé y Siquisirí.

Para no estancarse, géneros como la música tradicional africana, afro-peruana y venezolana, así como por el flamenco, la salsa, y las tendencias urbanas como el jazz, el funk, el hip hop, el rock, el reggae, entre otras, han ido dándole forma a su proyecto. Formación que ha tenido el gusto de pisar los más importantes espacios nacionales e internacionales. La entrega que ofrecieron tras su emocionante espectáculo musical y dancístico, a quienes tuvimos la oportunidad de verlos, es la de un contagio inmediato por el canto y el baile, particularmente esas danzas afrocaribeñas, bamboleos arropados de una fuerte sensualidad.

Finalmente en la Terraza, asistimos a la hora íntima y reflexiva con La Muna (Co). Cantautora que representa el amplio trayecto que va desde Colombia, pasando por Sonora y dejando huellas en los Estados Unidos de América. Su canto, se centra en la crónica, de ese andar, de sus contactos y de los intercambios de disímbolas  narrativas y experiencias de vida que va forjando la menudita intérprete con sus desérticos amigos

Con un sombrero texano de paja, unos jeans y unos tenis retro, La Muna reflexionó sobre la migración y sus entresijos, el trasiego de la droga, el valor y coraje para vivir con el peligro día a día y con el “Jesús en la boca”. Dueña de un temperamento cargado de un buen humor, ocurrencias y chistes que rompían o al menos eliminaba la distancia que hay entre el artista y el público, la fiesta iba alcanzando las casi últimas horas de vida en esta V Feria de la Música Independiente.

Cerró la noche Libni, intérprete de jalisciense. Su estilo y aprendizaje se forjó en la Escuela Folklórica del Ayuntamiento de Guadalajara. Y desde entonces, ella señala que “no ha dejado de aprender”. Acompañada de buenos amigos, Alán Fajardo en la batería, Vico Días en la leona, Armando Cuevas en la guitarra y ella misma en la guitarra y voz.

Alrededor de una buena comida, vino y/o cervezas, el fuerte estilo jazzístico y  soul de Libni, así como de mezclas personales, fueron aflorando deliciosamente. La calurosa tarde iba cediendo a los frescos vientos nocturnos y las calles céntricas se quedaban casi desiertas, algunos amantes recorrían el centro bajo la tenue mirada de distintas farolas y luminarias que mostraban la majestuosidad de palacios coloniales.

La V feria de la música independiente 2019, arranca con nutrido cartel en el CCEM

V Feria de la Música Independiente en el CCEM 2019

México, 12 junio. -  El Centro Cultural de España en México, presentó su cartel musical para este fin de semana. En este quinto aniversario,  el espacio que forma parte de la Agencia Internacional de Cultura española, tiene como objetivo “fortalecer el papel de la creación cultural como un detonante para el desarrollo humano sostenible”, así lo señala Rodrigo García, subdirector de comunicación cultural del CCE.

Esta V Feria de la Música Independiente, así como su Mercadito de la Música Independiente, estarán llevando a cabo esta gran convivencia desde el 13 al 15 de junio, en el Centro Cultural de España en México, ubicada en la calle de Guatemala #18, centro Histórico, CDMX.

Durante estos cinco años de actividades culturales, el CCEM ha estado presentando un calendario amplio de actividades, las cuales han fortalecido la discusión en torno al quehacer artístico, tanto musical, así como de otras expresiones culturales. Tales como talleres, pláticas y discusiones que han convocado tanto a creativos, productores, casas disqueras, curadores e intelectuales dedicados a la investigación y producción editorial en torno a la música y su amplio ámbito de reproducción, reuniendo a medios y a público en general.

Actualmente, resulta más complejo estar al tanto sobre nuevas propuestas. Y es que, debido al arribo de la Internet, el medio y las distintas plataformas, aceleran día a día las disímiles propuestas. En ese inmenso océano de artistas y planteamientos, es que el Centro abre sus puertas hacia esos diversos horizontes, privilegiando, por supuesto, el idioma español.

Con una variada oferta musical, la V Feria de la Música Independiente, busca ofrecer una respuesta frente a esos diversos estilos y géneros musicales. Ya que la ciudad de México, se ha convertido en una inmensa plataforma para difundir los más diversos y frescos proyectos musicales. “Es una celebración, frente a la amplia diversidad de ofertas que posee la Ciudad de México, es como un reflejo lo que pasa en las calles”, comenta Rodrigo García.

El ámbito al que se dirige esta feria, es principalmente a los artistas y músicos jóvenes, pero también a sus audiencias. Además, se busca advertir la presencia de disqueras independientes, que están interesadas en grabar a nuevos talentos.

El público infantil también juega un papel importante dentro de esta V Feria, ya que el CCE ha impartido diversos talleres dirigidos a los infantes, donde a través de guías experimentados en las áreas de comunicación y arte, cursos de producción radiofónica, talleres de pintura, fotografía y cine entre otros, serán una oferta para estás muy jóvenes generaciones.

En un ambiente de gran pluralidad y tolerancia, el CCE no sólo contempla un espacio y cabida para todas las expresiones musicales, así como a todas las personas que acudan, incluyendo a los niños, sino que también; está contemplado ofrecer las facilidades de acceso a personas que presenten alguna discapacidad. Y puedan así, disfrutar de esta feria de la música independiente.

Los géneros contemplados para este evento van desde: el progresivo, la psicodelia, el dark wave, el Dub, el Jungle, Sound System, Reggae, entre otros. La selección para cada uno de los participantes, son el resultado de una curaduría, la cual estuvo bajo la observación de la experiencia y conocimientos de Bianca Ugarte, gran conocedora de la evolución que ha venido presentando la música.

El cartel presenta, como banda principal, a la poderosa trayectoria de la Gusana Ciega. Y ya dentro del género indi y su amplio espectro, veremos a Caloncho, Kill Aniston, Sangre Maíz, Johnny Nasty Boots, Sonex, .Stendal entre muchísimos artistas más. Y por supuesto, el mercadito discográfico, que mediante stands, ofrecerá su amplia producción de artistas que están emergiendo, tratando de consolidarse a través de un sello discográfico, ofreciendo todavía la posibilidad y certidumbre, de seguir disfrutando de la experiencia de escuchar muisca a través de un disco, actividad cada vez más rara, en un mundo cada vez más digitalizado y etéreo.

Para experimentar las sensaciones sonoras que se presentarán en esta V Feria de la Música Independiente 2019, dejamos el siguiente enlace al programa que se verá en https://ccemx.org/musica/v-fmi?fbclid=IwAR1fTxgGCWPVumFg-PhhjVEwc_sxRSo5FulqB5Pv2nchh1Elxl9Dh8ZSAVs  para que puedan descargar y/o acudir a ver en estos tres días, del 13 al 15 de junio, las diferentes propuestas emergentes que se van formando en este siglo XXI. La entrada es: libre.

Ciudad de Gnomos lanza su más reciente video Tiriop

Ciudad de Gnomos//Foto del sitio oficial de la banda

México, 09 junio. -  El pasado jueves 6 de junio, la banda oriunda de la CDMX, Ciudad de Gnomos, abrió el libro de las aventuras y viajes a las distopías. Celebrando con fans en conocida plaza comercial de Polanco, dentro de un conjunto de salas cinematográficas, la presentación de su video Tiriop.

Al evento acudieron diversos medios. Ya dentro, las luces se apagaban y sobre el templete, salía la agrupación que se ubicaba en el espacio asignado ante sus instrumentos. La tardeada, convocaba a un grupo de  amigos y fans de la agrupación,  que tenía preparado realizar un video más a este sencillo. El espacio ponía la pantalla, para presentar una serie de imágenes que servían de complemento a las letras de este ameno conjunto.  Que combina y juega con varios géneros, que van desde el pop-rock, pasando por el funk.

Ciudad de Gomos se conforma por: los hermanos Yair y Giovanni Hernández. Ambos músicos; cuentan con una nominación como arreglistas musicales y compositores dentro del famoso Festival de Cannes. Además, les acompañan en las voces y coros femeninos: Nora Daniela y Cristina Hernández, Emiliano Piña en guitarra, así como Luis Martínez  en el bajo.

La hermandad musical  construye su proyecto sonoro y sus composiciones, alrededor de una fuerte  originalidad, así como de estar constituidos por una trayectoria de grandes músicos y de gran nivel. Con una base de piano, guitarra, bajo y batería, enriquecida  con un coro de tres voces femeninas  y una dotación de cinco metales (trompeta, trombón, sax alto, sax tenor y sax barítono) dan una experiencia potente y energética a todos los sentidos.

Su nombre, hace alusión a la magia y a la apertura de infinitas posibilidades en el amplio espectro de caminos y seres con los que compartimos y formamos parte de la existencia. El sencillo, ya se encuentra disponible en el siguiente enlace: https://open.spotify.com/artist/7EPEuVg2hngNEy1Wb5riME?si=lwCkRCUtT6-ERUpt9knKCw

Pueden seguir la actividad de Ciudad de Gnomos a través de sus redes sociales

Noche de Rock Progresivo y de historias conceptuales, se materializan este sábado 8 en el HDX Circus Bar, CDMX

México, 8 de junio. – No hace mucho se desató una aparente controversia, pues el logo de la CDMX, coincide con el de la banda regiomontana Neural Fx. En una entrevista, uno de los integrantes de la banda René Montt, señalaba que hace varios años, el bajista Antonio Vázquez, había dibujado el concepto de unidad que posee la banda, “alrededor de cuatro puntos, todos convergen en lo que más amamos, que es la música”.

De modo desenfadado, Rene señala que el arte es algo muy subjetivo, y que hay influencias por todos lados, pero disfruta de la coincidencia, pues la gente les ha realizado memes donde ahora Neural Fx es de la CDMX, para dejar de ser exclusivamente de Monterrey. Actualmente la banda cuenta con su más reciente material, en el cual se narra los aconteceres de un personaje que transita desde su nacimiento hasta su desenlace final. Va atravesando por  una situación psiquiátrica que acaba fatalmente. Aunque algunos medios buscaron crear confusiones y/o fomentando provocaciones, el accidente con el logo, ha resultado de un gran pretexto para conocer y difundir más a esta banda de Monterrey, que toca este sábado en el HDX Circus Bar.

 

Además, se presentará Meliora. Banda del acid rock progresivo. El avance que presenta su vocalista Fabiola Simac actualmente, está llevándola a concursar como una de las voces más relevantes, y hasta de revelación. Ella y su banda, están participando en el evento de las mejores Female Metal Voice Fest,de la ciudad de México. Suceso que se llevará a cabo, el sábado 15 de junio en el Rock House Bar, encuentro donde participaran otras bandas.

La agrupación lanzó el año pasado su disco Viaje Holístico. Éste álbum ha registrado una gran aceptación entre el público que conoce a la banda, así como quienes apenas descubrían el poder que posee su sonido en el Fest Mega Prog del 2018, donde compartió el escenario con Glass Mind, Anima Tempo, Ekos, Hypno5e y la famosísima banda del progresivo más fino italiano: Le Orme.

 

Arropados por las influencias japonesas, el metal progresivo de Iden Gukasha, nos conduce por todas esas atmósferas del viejo oriente. Geisha, es actualmente uno de sus discos de batalla. La obra gira en torno a una apología femenina que retoma elementos de la filosofía japonesa, para representarlos a modo de historias breves.

 

El HDX Circus Bar, se ubica en avenida Cuitláhuac # 3368, en la alcaldía de Azcapotzalco, ciudad de México. El costo del evento es de $100 pesos. Acceso, a partir de las 21:00 hrs.

A 25 años de “Sin Sentir”, mítico álbum de: El Clan. Y su presentación en el Teatro Esperanza Iris CDMX

El Clan Sin Sentir 25 aniversario, Teatro Esperanza Iris//Fotos Agencia BEK, marketing and medios

México, 08 junio.-  Repercutir en el mundo como banda en rock nacional es muy complicado, y si a ello le sumamos como opción, escoger el género del rock gótico, la cosa pinta de color muy negro.

En 1994, desde las profundidades de la noche, emergía un gran disco, quizás hasta ahora, no se ha igualado tal sonido, hablamos de “Sin Sentir”. Álbum de la banda de culto más querida en nuestro país: El Clan. A 25 años del lanzamiento de esta obra maestra en la escena de la música obscura. La agrupación liderada por la gótica voz de  Gustavo Pérez y la maestría hechizante del guitarrista Jaime Chávez. Se han preguntado “¿Cómo es que hasta hoy nuestros seguidores cantan con tanta emoción cada una de sus canciones?

Cobijados por un espíritu de gran hermandad, apoyo y solidaridad. Han decidido celebrar la trascendencia de sus composiciones con ese cúmulo de amigos y seguidores, que al paso de los años, se ha incrementado. Por tanto, es que tienen contemplado realizar un magno concierto en el hermoso Teatro Esperanza Iris, este 20 de julio.

Desde sus inicios, El Clan se ha considerado pionero y precursor del movimiento dark gótico en nuestro país. Su constante reinvención y su descarada actitud a la experimentación, le han permitido mantener el interés del público a lo largo de los años, convirtiéndose en la banda más innovadora e influyente de la subcultura oscura gestada en México.

Motivados por esta celebración, es que  ha decidido relanzar el acoplado como un disco de vinilo de colección. La edición a este Long Play, estará limitada a 500 copias. Además,  contará con fotos inéditas y una remasterización. Para los melómanos, ya se puede adquirir en preventa a través de la página web y/o whats app en El Club del Rock & Roll, y próximamente estará disponible en la tienda.

Para este magno concierto, se interpretarán en vivo todos los temas de este álbum,  así como arreglos nuevos, e invitados especiales. A la siempre distintiva teatralidad, energía y fuerza que caracterizan a El Clan en el escenario, dando como resultado una mística conexión con el público.

En 1992 iniciamos la grabación de nuestro primer disco, de manera ingenua y austera, pero con mucha pasión e ilusión. Éramos incipientes dentro del estudio, no teníamos idea sobre cómo hacer un disco, solo queríamos grabar nuestra música y mostrarla al mundo a través de un disco compacto.

Ese disco llegó hasta 1994, después de una larga y angustiosa espera, por un momento llegamos a pensar que nunca vería la luz. Lo presentamos un día de abril en el Teatro del Pueblo, aquí en la Ciudad de México. A partir de ese momento comenzó la magia.” Señala Jaime Chávez, guitarrista de la vieja alineación.

El anuncio para esta gran celebración se dio en el Tianguis de Chopo, el pasado 30 de marzo. Los boletos; ya están a la venta en el sistema ya conocido.

Sábado 20 de Julio, Teatro Esperanza Iris, Donceles # 36, centro Histórico, Ciudad de México, 19:00 horas. Bandas invitadas: WitchCo y Cyteres.

Nati Carrillo, la intérprete del flamenco y la balada del pop español, abre su Piel para contarnos de sus emociones, previo a su concierto

Nati Carrillo// Foto: Enrique López M.

México, 01 junio.-  En el complicado y competido mundo del género musical de la balada, es común que  aparezcan algunos artistas “plastificados y/o maquilados” a modo  desde alguna disquera. Al menos, así fue por varios años, y aunque la fórmula se sigue usando, no es el caso con Nati Carrillo, la cantante de Palma de Mallorca, España, con voz de mezzosoprano. La intrépida artista es otra “self made”, o una “autodidacta”, como ella se define. Nati ha decidido emprender, como muchos artistas independientes, su viaje en construcción y nadar a contra corriente, o con ella. Simplemente porque lo que hace, lo hace por convicciones muy fuertes y bien cimentadas.

Tras un viaje de 11 horas, desde Palma de Mallorca a Madrid y posteriormente con destino a México. Natividad Carrillo se lanza en esta aventura con su más reciente  álbum “Piel”. Material discográfico que contiene canciones ya conocidas, así como material original. La intérprete del flamenco, la copla y el “pop” español, aterriza en nuestra ciudad de México, para convivir con el público mexicano y ofrecernos en una prometedora velada, cargada de emociones interpretativas este 02 de junio en el Foro del Tejedor. Acompañada por el grupo Los Macorinos.

Desde Infórmate Mx, decidimos acercarnos para conversar y conocer los entretejidos que le ha tocado  hilvanar a Nati Carrillo a lo largo de su trayectoria como cantante solista.

¡Bienvenida Nati, y agradecemos de antemano esta oportunidad de conversar contigo!

¿Dónde nacista y radicas actualmente?

Nati Carrillo.- Yo, nací en Palma de Mallorca. Allí he vivido toda mi vida, salvo un año que estuve en Madrid, pero fue cuando era pequeña y que mis padres me habían llevado. Pero siempre he sido de Palma de Mallorca, mallorquina.

¿Ha tenido algo que ver el lugar donde naciste o tu familia, el que te hayas acercado a la música?

N. C. – El lugar, no. Pero mis padres sí. A mi padre le ha gustado muchísimo la música, regularmente iba a muchos conciertos con él. Pero creo, es algo con lo que naces. Y un día, cuando menos te los esperas ¡sale! Y a mí me salió.

En el tu trayectoria musical, ¿eres de formación académica, cómo es que comienzas en el canto?

N. C. – Yo me defino como una persona autodidacta. Cuando pequeña, mis padres me habían llevado a un colegio de música. Y lo que yo quería, era cantar. Pero a mí lo de las “notas” y eso, no me gustaba, por lo que me hice autodidacta. Yo he aprendido de ver vídeos, entre otras cosas.

Vale, pero ¿cómo descubres que tienes la voz para el canto?

N.C. – Yo decía que cantaba bien, pero fue la gente a mi alrededor era la que decía “¡Qué bien lo haces!”

Tu carrera arranca en un concurso de talentos. Sin embargo hay pausas ¿qué te ocurrió?

N.C.- Yo he trabajado en esto desde muy pequeñita, luego vino un parón y  sucede que me casé, tuve dos hijos, me casé muy joven. En ese entonces, mi prioridad eran: mis hijos y mi marido. Luego los hijos crecen y te das cuenta que quieres seguir el sueño que tenías desde pequeña. Así fue como empecé a trabajar y ahorrar, con ello grabé mi primer disco.

A partir de allí, fue de manera local, luego vino el segundo a nivel nacional y ahora éste, que lo quiero hacer a nivel internacional. Pero quiero aclarar, que yo participé en un concurso cuando tenía 15 años, y no había ni cámaras ni nada. Allí quedé como la “segunda” de Mallorca. Yo nunca he recibido ninguna ayuda, siempre he sido yo sola.

En este camino de ser independiente ¿qué tan complicado ha sido entrar en contacto con la gente e ir construyendo un camino de éxito?

N.C. – Contactar con la gente… Para mí es fácil, es sencillo. Yo creo que cuando tú te emocionas, haces emocionar a los demás. Son tus sensaciones las que transmites al público, así que con eso,  no tengo ningún problema porque me va muy bien.

En la parte de trabajar, pues he tenido que venir a México, porque aquí se valora muchísimo al artista, se valora la cultura musical y a lo mejor se necesita de un “empujoncito” para poder triunfar en tu casa. Muchos artistas españoles se han tenido que hacer aquí, para que puedas triunfar. Yo le escuche a Mónica Naranjo en una entrevista decir “Gracias a México, hoy estoy aquí”.

¿En qué género es el que te mueves, me cuentan que es el “pop” español?

N.C. – Sí, es algo como el “pop”. Pero yo tengo mi parte andaluza. Durante un año, estuve haciéndole un tributo a Isabel Pantoja por toda España. Es un estilo donde se tienen todos los instrumentos, y una rama en la que regularmente me muevo.

¿Pero para ti qué significa eso hoy día?

N.C. – No es el “pop” español hoy en día. Creo que es con la música en general. Yo creo que se están perdiendo los valores de las canciones de antes. Emociones que se transmitían de verdad. Historias que te contaban del principio al final… Yo creo que; como la canción de Rocío Durcal, la de “Ya te olvide”, canción que hemos hecho muy actualizada; creo que ese tema puede arrastrar a nueva gente, gente joven que reconozcan el valor de esas canciones, interpretaciones que merecen mucho la pena.

¿Qué papel está jugando la radio en España frente a estas propuestas?

N.C. -  Pues para mí: de pena. Para éste género que estamos tocando, que no hay tantos en España, la pena es que “todo mundo pone lo mismo en la radio”. Cuando te da por un género musical, todo mundo pone lo mismo y se olvidan de lo demás. Y ¡hay público para ellos! Y no lo programan. Hoy ponen reguetón, mañana les dará por otra cosa y se olvidan un poquito de nosotros.

¿Cómo descubres qué rango vocal es el que tienes y cómo lo estás desarrollando?

N.C. – Yo desde pequeñita veía a Isabel Pantoja en televisión, y cuando cantaba me decían “es que cantas como ella”. Es que es algo innato, es algo que llevas dentro. Yo no quiero imitar a nadie, pero en España me han dicho que soy el relevo de Isabel Pantoja y de Rocío Jurado, pero yo no quiero ser así. Yo quiero ser “Nati Carrillo”, independientemente de lo parecido que pueda tener con ellas.

Yo me siento alagada y orgullosísima porque me comparan con dos muy buenas cantantes, pero Isabel Pantoja sólo hay una, lo mismo que una Rocío Jurado. Así quiero que sea conmigo, una sola Nati Carrillo.

Si ya te comparan tanto con Isabel Pantoja ¿en qué momento nacerá Nati Carrillo?

N.C. - ¡Desde ya!

¿Cómo estás logrando esto?

N.C. – Pues con este disco, Piel. Por ejemplo, ahora ya no incluí ningún tema de Isabel Pantoja, he incluido algunos, de Rocío Jurado y de la Durcal. Pero hay muchos temas inéditos que han compuesto para mí. Y por eso mismo ya no incluyo tanto de ella, para irme quitando esa presión de la comparación.

¿Buscas marcar alguna distancia al realizar un cover o, destacar al realizar una versión ya probada?

N.C. – A ver, para mí hacer un “cover” es, “la misma canción cantada por otra persona”. Y una “versión” es, cantar la misma canción, cantada desde cero. Para que no tengan ninguna similitud con la original.

Pero son  éxitos ya probados, ¿cómo evitar las evidentes comparaciones?

N.C.- Es complicado, porque cuando estás metido en el estudio de grabación, tú ya estás predispuesto a escuchar una cierta canción en determinada manera, y tienes que cambiarla totalmente. Entonces, tienes el productor delante y te pide que la cantes de diferente manera, ahí te topas con esa barrera y dices “no puedo”. Porque estoy acostumbrada a escucharla así de toda la vida. Pero cuando logras ese cambio, no para superar, pero sí para igualar, es cuando sales muy contento. Por eso quería hacer un disco de corte internacional, el cual no fuera exclusivamente inédito. Porque es muchísimo más difícil salir con un disco inédito. Lo que la gente quiere es conocer las canciones. Si se puede, pues adelante, pero para mí tiene que ser así.

En este disco recoges también artistas mexicanos, como Juan Gabriel y Marco Antonio Solís, ¿por qué escoger a estos artistas?

N.C. – Yo lo que creo, es que estos autores mexicanos son reconocidos en el mundo. Juan Gabriel es para mí, uno de los grandes compositores. Ha compuesto unas baladas impresionantes, como la de “abrázame muy fuerte”. Es un tema que para mí, lo tiene todo, es una composición que tiene un “principio, un medio y un final”. La de Marco Antonio Solís, que es la de “ya te olvide”, es una canción fantástica. Son compositores que han sabido hacer “grandes melodías”.

Ya nos has contado de tu gran influencia que es Isabel Pantoja, pero ¿qué otros artistas y o géneros te llaman la atención?

N.C. – Whitney Houston, es una de las intérpretes que más me gusta.

Aunque eres una solista, regularmente te acompañas de músicos ¿cómo es tu relación con ellos?

N.C. Con mis músicos, los que tengo en España. La verdad es que tengo una relación muy buena. Con ellos, tienes que llegar a desarrollar una complicidad muy buena, porque es lo que demuestras encima del escenario. Tus músicos, son “tú familia” y eso es algo que tiene que quedar muy claro. Gracias a ellos, se realiza un gran concierto y gracias a ellos, uno brilla.

¿Cómo es que logras contactar con este gran grupo que son los Macorinos?

N. C. – Pues todo tiene que ver con Natalia Lafourcade. Fue ella quien me los sugirió. Son maestros de la música. Es un honor para mí cantar con ellos.

El estilo flamenco es uno muy complicado, ese estilo de ser gitano ¿corre por tus venas?

N.C. – Pues no lo sé, mi padre dice que “no”, pero mi marido dice “tiene que ser gitana porque no es normal”, a lo mejor sí, pero no lo sé… (Declaración que la envuelve en una gran sonrisa).

De los artistas mexicanos que ya mencionaste ¿qué otros géneros has explorado?

N.C.- Pues he cantado rancheras, aquí hay un grupo con el que ya canté. Se llama El Mariachi Platino de México. Hicieron una gira por España y yo les acompañe en una gira en Palma de Mallorca. Este año estuvieron, yo los acompañe dos días… Es un género que me apasiona…. Vamos, es ¡que lo quiero todo para mí! (risas por todos lados).

Toda aventura implica un mundo lleno de incógnitas, así como una serie de disyuntivas. Temores implícitos sobre el camino que se ha decidido elegir. Tal vez se cuente con los amigos, un pan que comer, pero el éxito es algo que se logra a fuerza de trabajo, estudio y constancia. Le deseamos el mejor éxito a Nati Carrillo en su presentación este 02 de junio en el Foro del Tejedor. Ubicado en: avenida  Álvaro Obregón # 86, Roma norte, alcaldía Cuauhtémoc 06700 Ciudad de México, CDMX.

En su gira, visitará la ciudad de Guadalajara, Cuernavaca y Cuautla. Para estar en contacto con la intérprete solista, pueden seguirla a través de la cuenta de Facebook como Nati Carrillo México, o bien Nati Carrillo Oficial.

Las sensaciones de introspección de Torres de Hanói, emocionaron tras la presentación de su EP: Instintos

Okame Flannel Boy y Torres de Hanói// Fotos Enrique López M.

Crónica.

México, 29 mayo.- La pasada noche del sábado 25 de mayo; se presentó en el Foro de Terminal Juárez, Versalles # 88, en la colonia Juárez, ciudad de México, la más reciente producción sonora de Torres de Hanói, Instintos.

El espacio resultó un espacio muy agradable y excelentemente ubicado para llegar. A unas cuadras desde el metro Cuauhtémoc. El Foro, es un espacio breve desde su fachada principal, pero de gran profundidad. Su corredor, es un piso de concreto liso, delimitado por una “isla” de piedras de río. A lo largo de éste, encontramos unos despachadores de alimentos y bebidas con distintos platillos. El espacio, construido en dos pisos y por maderas obscuras, barras metálicas, así como por algunos arbustos y una iluminación de luces colgantes, sirven de  decorado, y dotan al lugar de una atmosfera intimista...Y así fue la velada, llena de intimidad. Al llegar al establecimiento, ya se encontraban reunidas, las amistades y familiares de las bandas que tocarían.

La banda telonera que proporcionaría las primeras pinceladas de atmósferas new wave y del rock alternativo dotadas por tintes ingleses y escoceses, fue Okama Flannel Boy. Grupo constituido por: Fernando Torres (vocalista y guitarra principal), Honoka Noguchi (bajo) y Sebastián Palacio (baterista).

La tesitura del vocalista es de un grave bastante melodioso (que inmediatamente al escucharlo, no deja de recordarme a Paddy McAloon, de la mítica y añorada banda Prefab Sprout, de las décadas de 1980-1990). Incluso, el estilo que el grupo maneja; está muy enclavado en aquel que manejaron bandas como  The Blue Nile, Spandau Ballet,  Cocteau Twins, Simple Minds, Ultravox, Japan, The Human League, XTC entre muchas otras. Especialmente en lo que tiene que ver con su sonido.

Usando un proyector, a las dos bandas se les apoyó con la emisión de unas secuencias. Imágenes basadas en la cultura  de la Tv japonesa como el béisbol, la Señorita Cometa y otras series. Videos que sirvieron de pretexto para crear una narrativa muy sesentas-setentas. Tono necesario, para el tipo de música que escucharíamos. Para éste trio que se denomina como parte de la corriente de influencias escocesas de los 1960, y el actual sonido “joven de Escocia”, el ritmo bailable y pegajoso de sus letras, así como de su melodía, logró impactar en la gente que se iba conectando a cada rola que propusieron.

Su estructura es bastante sencilla; batería, bajo y  guitarra. Con esta alineación, la vitalidad con la que se renueva toda esa ola del new wave, dream pop, synth pop  y post punk, del milenio pasado, un estilo narrativo que evolucionaba como si fuera tecnología, se pensaba que desaparecería, y así fue. Pero con Okama Flannel Boy, se revitaliza, se reinventa y se rescatan aquellos buenos sonidos y atmósferas de aquellas hordas británicas.

Muy recomendable su sencillo Carolina St, así como otros de sus temas, aquí un ejemplo de ellos: https://okamaflannelboy.bandcamp.com/releases?fbclid=IwAR0gEKkYzZjy3nF1-T0ThRnn-QDpGlgzdJ0u2cj4xAciQl44S1yetz_A-og

Finalmente llegó la banda principal de la noche, Torres de Hanói, para presentarnos y conducirnos por su envolvente EP Instintos. Alejandro Gracia, en la batería, Axel Cisneros, al bajo y Armando Lara liderando el proyecto con voz y guitarra; agradecían al respetable por su asistencia para así, dar los primeros riffs que inauguraban la acalorada noche rockera.

Instintos es un acoplado que consta de 5 tracks: Fuerzas vivas, Respiro, Códigos, Instintos y Ficción. Ya en esta era tan digitalizada, es raro saber de producciones cobijadas por grandes casas disqueras. Lo de hoy es un “hágalo usted mismo”. En lo único que reparan los músicos, es en acudir a un estudio profesional que les haga la masterización. Es así como este EP, que fue grabado por Henry D’Arthenay, Eduardo Bogard y Orson Ramírez en “La Bestia” Studio, Suno Records, SAE Studios, Kids Music y Lindavista.

Las letras de la banda se concentran por las líneas del amor, la amistad, el reencuentro y la íntima felicidad. Es común que al hablar del amor, se caiga en la cursilería, pero en Torres de Hanói, no sucede así. Ya que el ancla que rescata e impide que toda esa atmósfera se desplace sin sentido;  se encuentra en los ritmos que le impregnan a cada una de las rolas.

La guitarra ofrece ciertos efectos rockeros que armonizan con cadencias de contrapunteo, en tanto, la batería ofrece el punch necesario para dotar del “power” necesario, una mezcla equilibrada. El estilo shoegaze, lo encontramos en el bajo, pero resulta un  poco complicado pensar que ellos se muevan enteramente por ese estilo.  

En fin, que da gusto escuchar este EP de principio a fin. Es una producción que se se encuentra muy bien balanceada, las pistas se mantienen siempre constantes y con una buena consistencia sonora. Desde que inicia y va avanzando ese diálogo intimista, uno se queda como “picado”; con ganas de que se repita la rola. De ahí que la que le sigue, nos ofrece la misma sensación, pero con una muy pequeña variación de armonía. Tal vez, ahí radica el éxito de Instintos. Un EP que nos puede acompañar a una reunión de amigos, y ponerlo a sonar cuando cae la tarde o la noche. Hay una calma  y relajación muy agradable, una inspiración muy atinada de convivencia entre amigos, novios y/o amantes.

En esta presentación, del pasado 25 de mayo. Los poliritmos de la banda, pusieron a bailar a propios y a extraños. Y es que su sonido es bastante pegajoso. Letras nada complicadas y directas, que por su sencillez, logran impactar en el escucha y lo invitan a uno a bailar.

La verdad, esperamos que este trio se anime pronto a sacar una producción un poco más larga, ya que resultan muy gratas sus letras, nada complejas, y su melodía bastante pegajosa.  Son dueños de una estética sonora bien cuidada, toques necesarios para ir creando atmósferas relajadas que nos conducen a un estado de felicidad relajada.

EP Instintos, de Torres de Hanói, disponible en formato digital en https://open.spotify.com/album/5e0EANu9iFeBZQQ9A3yKhu 

Judith Mateo, charla y ofrece presentación en el Rock Son Madero de la CDMX

Judith Mateo y Chuse Joven en el Rock Son Madero

México, 27 mayo.- La experimentada intérprete del violín y rockera que mezcla influencias celtas e irlandesas en sus interpretaciones; ofreció una rueda de prensa, previo a su show el pasado viernes 24 de mayo en el Rock Son Madero. Ante una rueda de prensa muy nutrida, Judith Mateo estuvo acompañada de su vocalista Chuse Joven. En donde se habló de su más reciente material discográfico: Radiestesia, en una acalorada noche. Al  Rock Son Madero, se congregaron varios medios, así como de una concurrida afluencia de asistentes en el transcurso de la noche.

La interprete, reafirmó sus razones del por qué elegir el violín como su instrumento, “En España no tenemos al violín muy desarrollado. Desarrollado en cuanto a otros estilos de música. Es un instrumento poco conocido, o se le ve tan sólo en la música clásica. En cambio, en Irlanda que es donde yo estuve viviendo, tienen la música celta y ahí, tienen bastante desarrollado el uso del instrumento… esto lo vi hace 14 o 15 años y dije ‘guau”.

Durante ese tiempo de residencia en el país, al norte de Inglaterra. Judith estuvo aprendiendo y desarrollando investigación sobre la música celta, de la cual quedó cautivada. A su regreso a España; decidió explorar con los diversos géneros, no tan clásicos, sino en el rock, el metal y en el folk. Espacios donde ha encontrado un nicho de seguidores que observan las distintas posibilidades del violín como instrumento interpretativo en los diversos géneros del rock.

Desde su visión, considera que en España no hay muchos músicos que hayan llevado al violín como instrumento preponderante, incluso en el jazz, corriente de la que también se ha nutrido como músico. En tanto, la guitarra se ha desarrollado mucho más en el rock, por eso decidió sacar al violín de un contexto clásico, para colocarlo en un espacio más rockero.

En ese proceso de ir construyendo su proyecto, Judith confiesa que no se le da la cantada, por ello escogió a Chuse Joven como su vocalista, el cual nos confesó que una de sus grandes influencias es la misma Judith Mateo “Judith es una referencia para todos los heavys  de España. Yo creo que este es el primer proyecto serio y profesional que he encabezado y realizado por una mujer; la cual es un gran ejemplo de constancia y de trabajo. Y para mí no sólo en España, sino a nivel mundial, ella es una gran referencia en el rock”.

Chuse Joven se considera un intérprete del rock “clásico”, cree y ha crecido con esas influencias. Es por ello que actualmente se encuentra realizando un proyecto independiente con esas influencias. Dentro de su formación, destaca que toca un poco el piano y la guitarra, pero ha educado su voz en la tesitura de un tenor. La pasión que tiene Judith Mateo por el violín es muy grande, es un instrumento que aprendió a tocar  desde muy pequeña y, en el cual se siente muy contenta. Por ello, convoca a más mujeres a sumarse a interpretar el instrumento, que en la sonoridad, fue perfeccionado por el constructor Antonio Stradivari. “Casi no hay mujeres, o al menos yo no conozco a mujeres que se dediquen a tocar el violín en el rock. Incluso en el Jazz, del que también me he formado, no encuentro alguna”, señala la artista.

Sin embargo, habría que señalar que en el manejo del violín, sí hay muchas mujeres en la música haciéndolo sonar. Desde el rock, pasando por el metal y sus variantes. En México, contamos con una de las mejores bandas del rock-metal-progresivo: Meliora, agrupación formada por la conspicua mente de Fabiola Simac (que este 8 de junio tocan junto a otras bandas).

A parte de su más reciente obra musical: Radiestesia, también promovió su libro, las “101 canciones con las que te ligarías a cualquiera”. A lo que le preguntamos ¿cuál había sido la temática para escoger las 101 “rolas”?

Judith Mateo nos explica: “No son para que te cases con “alguien”. Yo estudie “clásico”, sigo estudiando música. Además, participo en los medios realizando entrevistas, haciendo crónicas, no “críticas”, sino crónicas que sean constructivas. Para cuando llegó a escoger estos 101 temas, es que tienen que haber sido “temazos”. Temazos porque están bien hechos, temazos porque tengan algún significado. No porque el artista sea guay, o venda más

Temas que pasan la prueba del tiempo… “Claro. Porque para mí pueden ser unas pero para ti otras

El objetivo de su libro es abrir una puerta a partir de un punto de referencia, según los planteamientos que aborda la autora, y de ahí, se inicie una búsqueda personal por otras canciones nuevas, “no con el ánimo de decir: tienes que aprender esto”, concluye la autora. Finalmente, la agotada artista agradeció a la prensa nacional por abrirle una serie de espacios, ya que como ella señala, en España de momento la situación es complicada para artistas independientes y más si en su material hacen propuestas arriesgadas como darle presencia a una violinista en el género del rock.

Lo malo

Antes del show de Judith Mateo y Chuse Joven, el Rock Son Madero presentó una banda mexicana para abrir y calentar los motores. Indudablemente tocaron y sonaron bastante bien, recorrieron por canciones ya conocidas y sobadamente presentadas hasta el cansancio, como de Fobia, La Cuca, Café Tacvuba y de rock en inglés, como The Doors, Rolling Stones y demás, pero con una extensión en su presentación, francamente innecesaria.

La productora y su equipo, habían informado que la artista española tocaría en punto de las 22:00 horas. Motivo por el cual, algunos medios solicitaron a la artista la posibilidad de adelantarles algo de su disco, ya que no podían quedarse. Desconocemos si la banda telonera es un grupo de casa, pero desplazó hasta casi las 23:00 hrs el inicio del grupo español. Motivo que pareció molestar a los artistas, ya que salieron más tarde de lo esperado. Además, el calor resultó sofocante para mucha gente, y en el Rock Son, no se ven las salidas de emergencia de forma evidente en caso de algún accidente.

Judith Mateo y Chuse Joven cerrarán su gira el 1 de junio en el Rock Son de Satélite. La cita es a las 20:00 hrs. En Pafnuncio Padilla # 21, estado de México.

Localizan a menor de 3 años edad que salió a dar el roll por su cuadra

Crónica de lo que bien podría ser: “La aventura del tatarabisnieto de Pedro Páramo”.

México, 26 mayo.- La noche del 25 de este mes, un pequeñito de casi tres años de edad, se fugaba de su casa. Las hipotéticas campanadas de la colonia San Miguel Chapultepec, anunciaban casi el “cambio de día”, y el jovencito Miguel “N” salía a conocer su barrio. En la calle de General Gómez Pedraza, alrededor de las 23:50 horas, el inquieto Miguelito; buscaba pasar desapercibido, escondiéndose entre las sombras de los faroles de la calle y los autos, que como mudos testigos, le ayudaban en su “intentona de fuga”.

Sin embargo, no contaba con que un periodista noctámbulo, ávido de cubrir conciertos, diera vuelta por esa calle, tan cercana al metro Juanacatlán y General Pedro Antonio de los Santos.

En un avistamiento que me hacía pensar que estaba inmerso en la novela de Rulfiana, el fantasma de Pedro Páramo vestía una pijama azul y ataviado en pañales. Miguelito, descalzo, exploraba la calurosa noche, descubría cómo lucen las raíces húmedas de la esporádica lluvia nocturna, cómo caen las sombras oblicuas, y en un mundo más allá de una pantalla de cristal.

De pocas o nulas palabras, Miguelito "N" señalaba que vivía cerca, que no había que preocuparse de nada, pero corría lleno de entusiasmo hacía la avenida de Gral. P. Antonio de los Santos, fue cando desperté y vi que el cuento/novela de Rulfo se tornaba real.

Una joven pasaba hablando por teléfono a lo lejos, yo avanzaba unos autos más adelante para ver si había algún adulto o casa con la puerta o el zaguán abierto, pero todas las casas mostraban ya dormitar. Alcancé al pequeño Miguel desde la otra acera para saber a dónde iba, pero él tranquilamente se escondía para no ser descubierto en su aventura por descubrir el mundo de noche y que tan sólo ve regularmente de día.

Pedí el apoyo de la joven, que tampoco conocía al aventurero chamaco. Corrí a la avenida de Los Santos para localizar a alguna patrulla u oficial, ya que es una de las colonias que suelo recorrer a pie y de noche, y que me parece de lo más segura… dentro de lo que cabe.

¡Nada! Nada cerca. Pero en la cuchilla que hace General Pedro Antonio de Los Santos, cerca de Gobernador José María Tornel, las escandalosas luces de una patrulla centellaban. Corrí, pese a mi terrible condición física y unas narices obscenamente tapadas, por la contaminación llegué hasta ellos. Allí, logré solicitar el apoyo de los dos oficiales, destacando el atinado entusiasmo de la oficial García Moreno Brenda Ivette.

Regresábamos a la calle de Gómez Pedraza, y al dar vuelta sobre ésta, la chica de largos rizos y castaños, se encontraba sentada en el resquicio de lo que parece ser un alto escalón de una fábrica o bodega, cuidando al inquieto chaval. Además, se encontraba otro ciudadano, un hombre alto de barba canosa y estéticamente bien cuidada y con acento argentino que también se acercó en un acto de solidaridad y acompañamiento.

La fiesta para el pequeñín había comenzado, había logrado hacer varios amigos en lo que era una noche cálida y de calle enteramente solitaria. Allí, entre las disertaciones de “adultos”, buscábamos descubrir el misterio, si Miguel “N” era hijo de extranjeros, por qué no respondía claramente ante nuestros señalamientos, para él, su intentona de escapada había conseguido frutos: ¡había hecho nuevos amigos!

Tras unos minutos más, su preocupada madre aparecía, se llenaba de alegría y nos señalaba que el niño, ya alcanza perfectamente los pestillos de su puerta. Y su ingenio, volaba más allá de su casa para abrirse paso e investigar de “qué está hecha” la cuadra donde vive.

Segundos después, el papá del chiquillo aparecía en pijama y con el celular en la mano, sin camisa y tratando de entender “qué pasaba”. La oficial Brenda Ivette, señalaba que “no puede llevarse al niño, me gustaría solicitarle una identificación, por favor”. Protocolo necesario en estos casos. La trajeron y se recabaron los datos necesarios para dar el parte ante la comisaría.

El elegante hombre argentino se retiraba, la muy bella joven, continuaba su camino. En tanto, yo me quedaba con la oficial García Moreno Brenda Ivette para conocer cuál sería el desenlace… ¡Maravilloso! No cabe duda que hay cosas que una mujer conoce mejor que un hombre… Los conflictos que hay en una familia joven.

Tras ofrecer como sugerencia “no pelear frente al pequeñín, ya que todo lo absorben” y “explicarle al niño mediante ejemplos sencillos, los peligros que representa andar solo”. La madre rompía en llanto, papá escuchaba atentamente y así, emprendían el regreso a su cercana morada. En su andar, Miguel iba en brazos de su padre, y desde allí, agitaba sus pequeñas manitas diciendo “adiós, hasta mañana, good bye, au revoir, auf wiedersehen”… tal vez. Pues había hecho nuevos amigos, nos  había invitado a su mundo de descubrimientos.

De lejos, las sombras de los dos oficiales de la alcaldía Miguel Hidalgo, montaban una guardia en caso de alguna eventualidad.

 

Para esos héroes anónimos que se juntan en un acto de solidaridad, va esta crónica. ¡Gracias austedes!

“16 bits o Viaje al Puente de Cristal”. Obra de teatro infantil que pulsa entre los límites binarios de la tecnología y su frontera con la literatura

16 bits o Viaje al Puente de Cristal// Fotos Agencia Lado A

Entrevista.

México, 26 mayo.- “Jugar alimenta la fantasía, pero ¿qué pasaría si se transformara en una peligrosa amenaza que se alimenta de tus recuerdos?

La Compañía Haruki Teatro, plantea este desafío a sus espectadores en la obra teatral 16 Bits o Viaje al Puente de Cristal, texto e idea original del dramaturgo Hiram Molina. En donde también participan en la actuación: Andrómeda Mejía, Sofía Molina, Hiram Molina, Michelle Temoltzin  y Paco  Hernández Castelán. La escenografía corre a cargo de Edgar Sánchez, en tanto que la música y diseño sonoro lo da la agrupación “30 Tíos”.

La obra arrancó de manera muy exitosa el 27 de abril de esta año y cierra función este fin se semana en el teatro La Titería, Casa de las Marionetas. Ubicada en Vicente Guerrero 7, en la col. Del Carmen, Ciudad de México. Funciones: sábados y domingos, a las 14:00 horas. Admisión: $150.00

La puesta en escena, nos cuenta una aventura que tiene lugar en el mundo de los videos juegos y, por otro lado la literatura de Lovecraft. Es una historia de amor filial y conmovedor. “Thea”, es una niña que ha perdido la posibilidad de comunicarse con el mundo exterior. Sus días transcurren inmóviles frente al televisor, conectada a una vieja consola de videojuegos de 16 bits, el único recuerdo que tiene de su padre. Por lo que su mamá, “Lucy”. Lucha por traerla de vuelta a la realidad, leyéndole su libro favorito: Moby Dick. Ahí se desata el drama, pues son los espectadores los que irán develando los misterios y descubriendo que “Thea” vive un mundo aparte, en un mundo “fantástico”; donde puede controlar todo lo que pasa ahí. Incluyendo a “Flick”, una suerte de “avatar” de su video juego.

Juntos, vivirán una aventura extraordinaria para atravesar el Puente de Cristal, en “donde todo lo que sueñas se hace realidad”. Pero tendrán que cuidarse, pues en “La Meseta de Leng”, habitan los dioses primordiales, capaces de comerse tus recuerdos y de que olvides hasta quién eres. ¿Podrá Thea salir de ese mundo y regresar con su mamá? Si llega al Puente de Cristal, lo descubrirá…

El acto de llevar el teatro a la gente parece cada día luce como gran una proeza, máxime cuando se habla de teatro independiente. Por ello, platicamos con Anabel Domínguez codirectora, junto a Hiram Molina. Dos fervientes creadores del teatro independiente, artistas que se autogestionan en el complejo mundo de la masificación y el consumismo, para poder llevar a cabo sus diversas obras teatrales, alimentándose con ideas originales, que logran un éxito frente a las audiencias.

¿Cómo lograron reunir  dos obras, por un lado Lovecraft y a Moby Dick, de Melville en tiempos donde los niños probablemente no conocen de estas obras literarias? 

Anabel D. – Hiram Molina, quien es el dramaturgo de 16 bit o Viaje al Puente de Cristal, ama la literatura fantástica. Y la conoció a muy temprana edad. Desde entonces, cada que hace una obra para niños o jóvenes audiencias, siempre tiene referencias de obras literarias que lo atraparon desde muy joven. Aunque debo decirte, que nuestro interés general es que, la familia se acerque al teatro que especialmente hace Haruki Teatro. Pero además, acercarle no sólo a las familias, sino a esas jóvenes generaciones. Éste tipo de literatura que empieza siempre como divertimento a partir de la lectura, que más allá de análisis más profundos que se hayan realizado en niveles académicos más avanzados, pues siempre es de un gran goce. Yo como directora, he disfrutado muchísimo de esas obras siendo su lectora.

Me gusta cómo abordas lo de los monstruos internos que están tanto en Lovecraft como Moby Dick, porque es mucho de lo que reflejamos en 16 bits. Ya que Thea, ha sufrido un choque emocional; ya que su papá se fue de casa y ella necesita lidiar con esa pérdida. Por ello, lo único que puede hacer es refugiarse en una consola vieja de videojuegos de 16 bits… Intuimos que él es un creador de video juegos y de historias. En tanto, la fascinación por Moby Dick, es que es una obra Lucy, su mamá, le lee. Una suerte de ancla que la mantiene en la realidad… Finalmente, más que hablar de referentes, las obras tienen que ser disfrutables.

¿Qué retos y complejidades presentó el montaje de la obra frente a tantos elementos imaginativos?

A. D.- (Una sonrisa casi inesperada la toma por sorpresa). Pues mira, de entrada es un reto que nos entusiasmó. Porque esta mezcla que parece difícil, como si fueran “muchos elementos”. Al leer la obra nos dimos cuenta que necesitábamos pasar todas esas ideas fantásticas de forma muy tangible, para poder contar una historia que parte de algo muy sencillo, porque lo que tenemos es a una niña que necesita entender cómo son las pérdidas, y cómo es que la fantasía y el juego le dan “armas” para poder pasar por esos tránsitos. Y el cómo puede ella, ir desarrollando su inteligencia emocional, de que puede escarparse a un mundo lleno de juego, pero que de pronto tiene que volver a la “realidad”, saber que va a crecer y que podrá seguir jugando, pero donde la vida continúa.

En tanto la parte “estética” fue aterrizar la parte de los “Dioses Primordiales” que plantea Lovcraft. “La ballena que no vive en el mar, sino en una meseta, ésta se hunde y navega por la arena”. Por otro lado, está el mundo de los 16 bits… Digamos, que esa parte fue un reto ¡muy divertido! Fue como dotar de ciertos elementos un poco cinematográficos. La historia es de amor filial, conmovedora, pero contada con muchos fragmentos de humor. Así que en lugar de plasmar todo en el escenario, nos quedamos en el terreno del minimalismo, para que lo que importará fuera la historia.

Bajo un entramado minimalista, la gente se irá conectando y construyendo el mundo en donde  vive Thea. ¿Cómo cruzan el puente entre lo digerido que es la realidad virtual, y lo complejo que es el mundo de la imaginación que hoy día los niños parecen no tener?

A.D. Nosotros no estamos peleados para nada con las nuevas tecnologías. ¡Amamos los video juegos! Todas las herramientas tecnológicas que tenemos ahora, como tablets, celulares y computadoras, todo eso ¡no se van a ir! Los niños ahora ya son nativos digitales. En tanto, para los adultos que no teníamos esta tecnología nos llega a asustar que permanezcan mucho tiempo frente a los dispositivos. Todo este mundo que Thea recrea, está conformado por una serie de niveles que ella va pasando para que en ese viaje, ella encuentre en ese Puente de Cristal, las respuestas a qué pasó con su papá, por qué se fue. Yo creo que todo esto se consigue gracias al juego. Yo creo que ese puente está en el juego. Jugar es una de esas herramientas que tienen los niños para poder moldearse, para expresarse y entender el mundo que viven, y darle el desarrollo tanto a su conciencia social, como emocional. Porque el juego es de vital importancia para el contacto social, emocional y hasta de vida académica.

La música es una línea de comunicación que se conecta muy fácil con los niños ¿cómo escogieron qué sonaría en la obra?

A. D. – Nosotros trabajamos con “30 Tíos”, que en realidad son dos (nos reímos bastante). Estos son Edgar Hernández y Roberto Morales. Trabajar con ellos resulta muy agradable, ya que también son amantes de los video juegos. La música tiene un papel preponderante en los video juegos, desde los más básicos, de 8 y con los 16 bits que se escuchaban, hasta esta evolución electrónica. Pero para la obra, la música fue más de apoyo emotivo entre los pasajes. Que dotará o destacará el tono del humor, de la nostalgia y de los recuerdos de cuando eran niños, y remitirse a esa etapa.

 ¿Qué misterios esconde el “Puente de Cristal?

A.D. – Es como una metáfora. Es el último nivel al que llegará Thea  para alcanzar la felicidad plena. Es como la búsqueda del “pájaro azul”. Es el lugar donde se le revelan las cosas que ella ya sabía, pero que aún no comprendía. Ese viaje que Thea emprende; le ayuda a descubrir que eso que tanto buscaba, siempre estuvo a su lado. Que la familia no es una sola, que éstas se van modificando…

 

No dejen pasar estas oportunidades familiares, los momentos que se viven son demasiado efímeros y sirven para construir lazos que la misma obra nos conecta con nuestras vidas. La compañía de teatro Haruki como muchas otras, siempre están en la búsqueda de ir construyendo audiencias, poniendo particular atención en los niños para que más adelante; transmitan esas emociones que vivieron a su descendencia, y de esta manera, el teatro no quede en el olvido.

La Compañía de Teatro Haruki, es un proyecto completamente independiente. Donde todos los recursos que emplean para construir cada uno de sus proyectos provienen de sus bolsillos. Motivo por el cual se sienten bastante orgullosos. Ver cómo un proyecto que nace de la imaginación, se ve físicamente, se comparte y recibe a cambio los aplausos y las alegrías de sus asistentes.

Para apoyar al teatro independiente sólo hay una manera de que siempre esté con nosotros: ¡Asistiendo a verlo y disfrutarlo! Por tanto, dejamos los links de la compañía Haruki Teatro CDMX: https://www.facebook.com/HarukiMx/ y en tweeter https://twitter.com/HARUKITEATRO

Hiram y Anabel, nos adelantan que continúan preparando proyectos a mediano plazo, éstos temas están orientados a un público más de adultos, resaltando a Brigada Roja. Obra que retomará la violencia que vive la mujer, pero desde los referentes como es el “manga”, transformada en una mujer guerrera. Obra que ya fue estrenada hace dos años, pero que será retomada para quienes no hayan podido verla. Así como otra obra perturbadora como es Psicosis  Decembrina, proyecto que se verá a final de año.

No dejen de asistir al teatro, sitio donde nos vemos reflejados y donde podemos encontrar la felicidad que siempre ha estado cerca de nosotros.

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