Jueves, 18 de abril de 2019 | Año XIX | No: 6715 | CEO: Francisco J. Siller | Dirección General: Rocio Castellanos Rodríguez

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updated 8:35 PM CDT, Apr 18, 2019
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Enrique López Moreno

Enrique López Moreno

Nick Thune y Roberto Flores, una relación bilateral de hacer comedia. Realizan gira por las ciudades más importantes de México

Nick Thune y Roberto Flores en el Pinche Gringo BBQ de Polanco//Fotos: Enrique López M.México, 11 abril.- “Estaba un gringo y un mexicano contando chistes en el Pinche Gringo BBQ”;  podría ser un buen comienzo, sin embargo habrá que dejar la comedia entre quienes nacieron con esa virtud, o entre quienes se han entrenado para conseguir una de las cosas más difíciles, hacer reír a la gente a través del humor. Reír hoy día parece sencillo, en internet cada minuto y al siguiente también, somos bombardeados por videos plagados de accidentes que conducen al humor involuntario, actos fortuitos que por lo raro de un accidente alguien se escapa de la forma más divertida. Pero llevar el humor frente a un público contaminado por lo que ve en la red, y que éste ponga en juego lúdico sus sentidos y le dé un poco de uso a su anquilosado cerebro, víctima de lo que consume a través de las redes sociales, es una tarea complicada.

En rueda de prensa, tuvimos la visita del comediante Nick Thune. Con una trayectoria que inicia formalmente desde el 2007, éste joven actor norteamericano se ha presentado en diversos foros, que van desde La Fábrica de la Risa con David Letterman, The Tonight Show y en el Comedy Central Presents, entre otros espacios. Nick, también ha realizado un aproximado de 30 películas y series para televisión. Su visita nos llega a través del Bobo Comedy en colaboración con el Bar Pinche Gringo Wharehouse BBQ. Ubicado en Lago Iseo #296, Polanco, CDMX.

Por otro lado, México siendo el anfitrión,  enciende los hornos de este asado con standopero Roberto Flores. Comediante que mezcla los sabores de ambas cocinas, haciendo sus preparados tanto en español como en inglés. Su estilo se mueve desde la periferia a los medios masivos de comunicación. Roberto tiene una trayectoria de más de 5 años como actor favorito en el Pinche Gringo. En YouTube, es posible ver varios de sus monólogos, en especial, aquel donde participó ofreciendo un show para el canal de Vice en Español.  Formando un vínculo con la gente a través de las diversas plataformas de las redes sociales.

La comedia es el pretexto para este tratado bilateral, entre México y Estados Unidos. El objetivo de reunir a estos dos talentos, “es la de celebrar una hermandad cultural a través del humor”, señala Dan Defossey, dueño del Pinche Gringo. El bar, ya ha contado con otras expresiones, entre las que destaca su particular estilo de cocina, por ello y para esta ocasión, su intención es la de reunir a estos dos comediantes, para que ellos jueguen y guíen  al público que asista a verlos, a través de sus ingeniosos monólogos, dotados de sinsentidos,  de ironías que la vida cotidiana propone y ante la cual nos enfrentamos a veces con cierta frustración, generando una distancia con estos “problemas” cotidianos para verlos a la distancia con ese gran sentido del humor; y hasta probablemente, poner a prueba nuestras resobadas clases de inglés.

En esta rueda de prensa, tuvimos la oportunidad de conversar con estos dos artistas para conocer de cerca su preparación para esta excursión por México. En una charla con medios total y absolutamente cargada por las improvisaciones de humor con Roberto Flores y  Nick Thune,  nos acercamos a los retos que implica la barrera del idioma, la idiosincrasia, los referentes y de la particular gratitud que envuelve a Nick,  el haber sido invitado a convivir con un público mexicano en este recorrido. Pero también, acercarnos a la intimidad y seriedad de los pensamientos que abrigan estos dos comediantes, previos a los shows que ofrecerán.

¿Qué retos ves actuar el actuar frente a un público mexicano, con una cultura y un idioma diferente de norteamericano y en un idioma que no será en español?

Nick Thune. – Lo más importante en la comedia es: no comportarte como un “verdadero idiota”, cosa que en Estados Unidos es una constante. Cuando uno llega con una actitud de portarse bien, el  ser bienvenido es una gracia que se tiene para poder compartir lo que sabes hacer; respetando el lugar donde te vas a presentar. En las risas, cada cultura ríe de formas diferentes. A veces, de forma estruendosa, en otras no tanto… A veces se está ebrio, otras no. Lo que intento es; no cambiar la persona que soy, a donde quiera que vaya. En realidad, hacer comedia es muy difícil. No importa dónde, puede ser en Estados Unidos o cualquier lugar. Lo que me atrae es: resaltar las diferencias que encuentro u observo. Ya he estado en la CDMX, me he sentado en dos sillas diferentes, en la primera, todo estuvo bien, pero en la segunda, el respaldo estaba roto… Yo creo que más del 50% de las sillas en México están en malas condiciones… Bueno, algo así es como empieza mi show. Es una forma de abordar la comedia, porque en algún punto, uno se cae.

La comedia suele verse como un combate ¿hay alguna estrategia para ver quién logra convencer al público mediante la risa?  Y ¿cómo te sientes con la presencia de Nick?

Roberto Flores. - ¡¿Combate?! ¡No, para nada! Para mí es más un esfuerzo en conjunto. Yo siempre he dicho que al final, el show es de todos. Para todos es una responsabilidad hacer reír. Yo creo que más allá de un combate en la comedia, es un trabajo en equipo. Nuestra chamba es hacer reír y que la gente se vaya con una sonrisa, eso es lo que buscamos. Muchas veces el orden de aparición no importa, lo que importa es sacar la risa todo el tiempo. Yo creo que somos un buen equipo. Yo soy fan de Nick desde hace mucho tiempo. Fue del primero que conocí cuando empezaba a explorar el campo del “stand up” en Estados Unidos. Y sí, para mí ¡es un gusto poder tenerlo aquí! También, me gustaría que cuando él se vaya, pueda contar que aquí ¡también se están haciendo cosas padres! Y que se genere el interés de que vengan más comediantes del otro lado, como se generen más giras o tours por otras ciudades con la asistencia de otros comediantes, de otros países en el nuestro.

Realizar cada pregunta fue un verdadero reto, ya que la comedia, la improvisación y el humor se mezclaban como una charla tranquila y amena. Cuando le explicaba a Nick, la manera en que Wikipedia me ayudaba para tener ciertos datos duros, me aclaró que “él nunca ha tenido cáncer, que lo manejó por un par de años, pero que actualmente se encuentra bien de salud, gracias por preguntar”.

¿Hay una coincidencia entre aquel filme de Martin Scorsese “El rey de la Comedia”, donde aparece Jerry Lee Lewis y Robert de Niro con tú trayectoria?

Nick.- Me gustaría decir que mucha gente suele mudarse a Los Ángeles, “persiguiendo ciertos sueños” o “idealizando quiénes son”, probablemente. Pero cuando llegas ahí, es cuando te das contra el suelo… Lo mejor que pude hacer cuando me mudé fue, “no pedirle a nada nadie, y esperar a que la gente me pidiera hacer cosas por ellos, porque ahí es cuando “ya estás listo”. Lo más común cuando alguien llega es pensar “quiero a un agente o manager” porque es la “única forma que me den una audición”. Pero para mí, la estrategia es: “en algún momento, me van a encontrar”, cuando esté listo. Y creo es lo mejor. Cuando hacía esto, ere muy complicado, ya que yo, de algún modo, ya estaba preparado. Hay gente a la que le llegan las oportunidades pero aún no están preparados. Y es difícil olvidar eso, de que alguien está listo para actuar para alguien, pero se le ha olvidado, es muy complejo no llenar esos zapatos… Sin embargo, es muy excitante tomar ciertos riesgos. Por ejemplo, yo trabajo con adolescentes en un club, una organización sin fines de lucro, ahí estuve durante 6 años antes de irme hacia Los Ángeles, fue algo así como una “admirable carrera” que me servía como para “envenenar más mi vanidad”, algo por lo que mis padres se sienten demasiado orgullosos… La mayoría de los chicos se quedaron llorando, ahora son adictos a las drogas, y más mi papá…

¿Cuál es el estado de salud que guarda la comedia en México?

Roberto.-  A mí la comedia me ha dado oportunidades gigantescas, yo nunca dimensione el poder dedicarme a hacer comedia. He estado escribiendo para televisión desde hace varios años. Actualmente estoy escribiendo una serie, estoy actuando en otra, es un papel chico, pero ya es una oportunidad para dedicarme a la actuación. Estas oportunidades abren otras para hacer más cosas dentro del mundo de la televisión o el cine. Es algo muy padre que nos volteen a ver. Yo he dicho que nuestra chamba es entretener, entonces la ventana puede ser un escenario, una película, una serie etc; así como estar involucrando a la comedia en todos esos posibles escenarios. Yo veo que cada día hay más gente haciendo comedia, por eso creo que hay públicos para cada uno de los diferentes tipos de comedia que se están haciendo

Dr. Nick (cambió súbitamente de comediante a Dr.). ¿Qué papel juega la música cuando escribes tus guiones y la intervención que realizas a través de tú guitarra?

 Dr. Nick.- Yo escucho mucha música, especialmente cuando escribo. Me gusta la música que es de una era distinta, o bien de este momento, o de Richard Swift… Toda esta idea de tocar música comienza en la iglesia. En muchas iglesias cristianas, siempre  hay alguien tocando el piano detrás del sacerdote, es un truco barato, pensar que detrás de unos acordes Dios estará escuchándote, o crear ese sentimiento de que con un sentimentalismo lo que “realicen será un acto realmente importante”. Lo mismo pasa en las películas, cuando aparece el monólogo, aquel que te hace sentir algo, que tiene significado, que sientes que todo ese sentimiento lo que hace es conducirte a la perspectiva que te están proponiendo. Quizás, lo que intento hacer con mi estilo de comedia, es crear un “soundtrack” de lo que estoy haciendo, vertiendo ciertas emociones más allá de la voz, incidiendo con las melodías y exponiendo zonas de contraste, obscuridad, luminosidad, felicidad, tristeza. No me tomo todo tan en serio lo que digo o cuento, simplemente dejo que las cosas salgan, y ya veo si funcionan o no… Lo que más me gusta es la broma de no tomarme las cosas tan seriamente, lo cual creo sale a través de mi comedia.

 ¿Podemos pensar que la comedia es parte de la cultura que exporta Estados Unidos?

Nick. – La comedia es un lenguaje universal. Las diferencias que hay entre la comedia y la música es la forma de actuar. Una banda comienza a tocar una rola y no se detiene hasta que acaba, no importando cómo reacciona la gente, si hay aplausos o no. No se necesita de una respuesta, simplemente tenemos una canción. En tanto que en la comedia, la respuesta es algo que se requiere en todo momento. Hace unas semanas realicé un show en Washington DC. Entre el público había un señor que traía puesta  una chaqueta, traía el nombre de su compañía en ella, en cierto momento le pregunté “qué compañía era esa”, era una compañía que hacía donas. La gente que regularmente va a verme es muy diversa y liberal, e hice un comentario, “no se preocupe, no creo que la gente la gente quiera saber a qué se dedica, pero le está permitido quedarse”. La gente reacciono como diciendo que no estaba bien eso… No estoy muy de acuerdo con la comedia estilo PC (es una corriente que como filosofía busca ser lo más políticamente correcta). Yo pienso que la gente debe decir lo que quiera decir, si está bien o mal es otra cosa. No intento defender a nadie, lo que hago es tratar de hacer que la gente olvide que se murió su perro por un segundo… Hay gente a la que le gusta ir más allá de ciertos límites, pero yo no soy así. Yo sólo quiero que la gente sonría.

Es como poner en un pedestal un trabajo que es difícil de realizar, como gente que destaca en ciertas habilidades que para otros son importantes. Hace tiempo me mude de vecindario, personalmente odio decir a qué me dedico, porque muchas veces la conversación es puro “merolico” y plana, de algo que no me gusta hablar, así que digo que escribo sobre “cosas”, porque si digo que es “comedia” salen con “cuéntame un chiste” y no me late hacer eso. Un día Morgan Freeman se me acerco para que le contara un chiste, así que le dije, “por qué no me buscas lo más cercano que tengas”, fue el fin de la conversación….  Mi trabajo no es evaluar a la gente, sino hacer que olvide por un momento y la pase bien.

Nick Thune nos revela que ya ha visitado la ciudad de México antes. Sin embargo, está será la primera ocasión que ofrecerá su show alrededor de las ciudades más importantes en nuestro país. La gira el 10 de abril en la ciudad de Puebla, para regresar al Pinche Gringo BBQ, el viernes 11 de abril en Lago Iseo #296, Polanco, CDMX. Los boletos para la presentación este fin de semana en la capirucha, están en $290.00 pesos. En un salto enorme, viajarán el 12 a Monterrey, para ir cerrando esta excursión el sábado 13, en la ciudad de Querétaro. Los boletos ya están a la venta para este show, a través del sistema de ventas ya conocido.

En estos tiempos donde las redes están tan cargadas de odio, resentimientos y polarizaciones, quizás el humor sea la única gran estratagema, el gran movimiento ajedrecístico que nos ponga en evidencia. Las risas aflorarán, pero no sólo por la destreza de estos conspicuos comediantes, sino porque tal vez, no nos gusta ver lo que somos. ¡A divertirse pues y a celebrar este intercambio desenfadado y cultural con nuestros vecinos! 

Moneda somos... al fin y al cabo.

Irij, el metal de tradiciones folclóricas, conformado por Meri Tadic, ex integrante de Eluveitie, lanzan el video “Kiss the Sky”

Sencillo que forma parte del Ep "The Intrepid Child Of Venus"

Irij// Foto tomada del sitio oficial de la bandaMéxico, 02 abril.-  El pasado  9 de febrero, el Circo Volador fue cede y hogar momentáneo de las bandas Ne Obliviscaris, de Australia, y Eluvietie de Suiza. De aquel magno evento, la gente que asistió, registró en sus mentes y corazones ese concierto como una de las presentaciones más disfrutables del “metal folclórico”.  Sin embargo, con Eluvietie se echó de menos tanto la voz de la icónica Anna Murphy,  intérprete de la zanfoña.  Así como el garbo y elegancia de la hermosa violinista Meri Tadic, integrantes de ésta banda.

No obstante, reza un refrán en el medio del espectáculo “el show debe continuar”. Y como todo proyecto musical pronto encuentra su rumbo, su ritmo y su cadencia. Así es que nace Irij. Este grupo, completamente independiente y autogestivo; lleva ya tiempo trabajando en su Ep, The Intrepid Child of Venus. Donde una de las integrantes es Meri Tadic.

Lanzado el 29 de marzo de este 2019, en el sitio de https://irij.bandcamp.com/?fbclid=IwAR2CQz32rmDc_2QrrWSV5j0f4eoiAnvK_sEnSJ64VDBPfFPIvWFM-jX1qGk donde  podemos descargar oficialmente la atmosférica inmensidad de Kiss the Sky. El relato a lo largo de esta rola, nos irá contando sobre la arrogancia que tiene la “humanidad” al querer controlar todo. De inmediato, los arreglos musicales nos generan la sensación de estar ante un espacio abierto, de estrellas que tintinean sobre nuestras cabezas. El violín, que en manos de una experta como es Meri, va abriendo nuestros sentidos ante el inminente paso de estrellas fugaces. La suave y muy aterciopelada voz de Meri, va emergiendo detrás de los poderosos riffs de la guitarra, para que los cambiantes ritmos de la batería vayan cerrando el círculo espacial.

El video, de realización muy sencilla. Arranca con una esfera o bola metálica pendiendo de un hilo. Esta esfera es nuestro endeble mundo que gira vertiginosamente y nos recuerda a la “Estrella de la muerte” de la Guerra de las Galaxias. Mientras pulsan las cuerdas de un violín. En el piso yacen los cuerpos de Meri Tadic, sensualmente vestida de negro. Ataviada por un una “corona” de joyería sobre su cabeza. Para cuando ella abre sus ojos, un joven de piel morena y torso desnudo y un pantalón azul le apunta con un arma. (En este punto, el estereotipo me incomoda un poco. ¿Por qué tenía que ser "el malo" un chico de piel morena?)

Siguiente plano. El entarimado se nos muestra como el teatro donde todo el drama se desarrollará. El joven bailarín, entablará una danza de capoeira junto a Meri. Cobijada por la experiencia del maestro dancístico, el relato de “poner nuestras miradas mirando hacia el cielo” es un juego entre el bien y el mal que deja abierta la posibilidad a una continuación. Compartimos enlace al video: https://www.youtube.com/watch?v=_PpGIasxKXU

Irij cuenta ya con varios videos de diferentes producciones, dejamos algunas otras grandes opciones:

Irij Irudica https://www.youtube.com/watch?v=cmmG--LeEWg canción en croata.

Iirj High above sorrow https://www.youtube.com/watch?v=zqGLCdbndzo

Irij The Storm https://www.youtube.com/watch?v=L_BUJAqmpGI hermoso video de panorámicas sobre una laguna pedregosa.

Dichosos fans mexicanos, para seguir a esta hermosa voz y gran proyecto, estén pendientes a su red social de Facebook como: Irij Official.

Honestamente: ¡no podrán quitarse de la cabeza esta buenísima rola…!

La artista plástica Elvira Smeke presenta su colección en “I am now naked” en la CDMX

Elvira Smeke artista multidisciplinaria//Fotos de la artista y Joel RodríguezMéxico, 30 marzo. – La escuela de Andy Wharhol no termina de ser influencia y formadora de estilos en el arte mundial. Este ejemplo lo podemos constatar en la artista multifacética: Elvira Smeke. La creadora, nacida en la ciudad de México (1978), no ha cesado de evolucionar en sus estilos creativos plásticos.

Ella ha tenido una  formación  de historiadora del arte y fotógrafa. Actualmente, es una artista multidisciplinaria que explora la fotografía, el video, la instalación, el arte objeto y la pintura. A partir de materiales cotidianos, en específico de uso doméstico, así como materiales recuperados como son las hojas de árbol, elementos presentes en la mayoría de sus obras.

 

Actualmente promueve su más reciente obra  “I am now naked”, en donde la artista nos señala: “La pieza de donde surge el título es un juego erótico que hago cara a cara con el espectador. En donde abordo una serie de frases que son eróticas, y lo que pretendo es que el espectador despierte su imaginación y vaya desarrollando una serie de situaciones que están aquí escritas. Como  bordado en hojas de libros. En la parte posterior de la hoja, se produce el accidente del bordado, en donde ya no tengo control sobre él. Aquí, me apego a la filosofía de que para que exista una nueva lectura del mundo debe surgir un nuevo idioma”.

Esta propuesta sirve como escaparate para dar rienda suelta a todas y cada una de las ideas de la artista, mismas que se presentan en diversas formas y estilos.

 

La ruta crítica de la obra en Smeke se articula desde la filosofía feminista, principalmente dándole un vistazo a las obras literarias de Simone de Beauvoir, y Luce Irigaray. Así mismo, abordando la problemática de género planteada por Judith Butler,  logrando un  acercamiento con la literatura y el uso del lenguaje y la escritura. Su obra también tiene un aspecto ecológico, desde la teoría del antropoceno.

 Donde hace un análisis de lo qué es ser mujer en la era contemporánea. Retomando ideologías y quehaceres impuestos a la mujer a través de la historia, revisionándolos desde el gozo de ser mujer. Por otra parte, su obra incide en la problemática del feminicidio y el sufrimiento de la mujer dentro de una sociedad “patriarcalizada”.

 

“I am now naked” es una exposición que se mantendrá abierta al público hasta el 7 de abril del  2019. La propuesta  podrá disfrutarse en  Plaza de la República #20. Cuarto Piso. Frente al Monumento a la Revolución. Para conocer más sobre la obra de la artista y biografía, dejamos su sitio oficial: https://elvirasmeke.com/works/

A la Luna. ¡Nos vamos con Triole!

 A la Luna, penúltimo disco de Triole// Fotos Enrique López M.México, 27 marzo. - “Long time ago”, la realización de un disco era la caja de sorpresas donde se guardaban las imaginarias canciones que se escondían a nuestros oídos. Tras la adquisición de éste, al abrirlo, sacar del empaque el disco y ponerlo (ya en un tornamesa) o en el reproductor de discos compactos, podíamos ver todo el arte intrínseco a aquella pieza de arte. Con el tiempo, los discos encarecieron y la gente no pudo adquirirlos más. Por ello, algunas casas disqueras para apoyar a los artistas y su talento, se decantaron por colocar de forma minimalista el disco en un cartoncito para abaratar los discos de CD, por ejemplo. En este híper resumen del desarrollo de la comercialización del disco, es grato ver este CD: A la Luna, de Triole.

Empaquetado en un cartoncito, de toque muy minimalista. En la portada se observa a una chica que va de viaje. Se dirige a un avión de carga, tipo militar que reposa en una amplia alfombra verde de pasto. En su contraportada, asoma media luna y sus hermosos cráteres, así como el listado de las 12 canciones que integran este rítmico disco. (Aunque yo sigo creyendo en la materialidad de la música. De escuchar un disco de forma física, abajo dejaremos el link al sitio oficial de la banda, para que puedan descargar electrónicamente sus deliciosas rolas).

Regularmente la producción de un disco alterna entre una rola tranquila para que la siguiente sea una poderosa, y así hasta el final. Más o menos sucede esto con A la Luna. Todos los tracks están bajo el comando de la guitarra eléctrica de Natalia Carola, y en algunas pistas, se escucha una guitarra acústica de acompañamiento. La batería está a cargo del buen Eduardo Folgueiras, que camina, marcando el paso a la estruendosa guitarra, generando la poliritmia rimbombante.

El estilo rockero que maneja este sencillo y alegre dueto argentino es el de la fórmula básica. Una buena guitarra eléctrica, pero dotada de poderosos rifs. Así como una secuencia de batería que se pega como sudor en antro atestado de fans. Sin embargo, hay que destacar  por ahí unos bellos coqueteos con el blues, que  la menudita Nati nos ofrece a lo largo de esta producción (y anteriores).

La voz de Natalia es ¡maravillosa! No se descompone en ninguno de los tracks. Ya que en Triole, la guitarra es la principal protagonista y la que carga con un gran peso. La contundencia con la que se esparcen sus ondas sonoras, nos crea la imagen de estar como por un  bar de rock and blues. Cuando de súbito, un sonido exquisitamente producido, nos  jala la mirada de inmediato, giramos la cabeza como para descubrir “quién puede ser la dueña de tan abrazadora voz”.

Tal como nos cuenta Natalia Carola en la entrevista. Ella cuida a detalle cada una de las letras y su mensaje. Sus  vocalizaciones son bastante amplias y claras. Lo suficiente como para notar que se aleja del acento propio de los argentinos, y así “universalizar su mensaje” entre los latinoamericanos.

Las atmósferas que rodean, a groso modo la producción sonora de Triole, en sus tres recientes producciones (Triole, Caos y A la Luna), son esencialmente cruces de caminos con un viaje al pasado, de sonidos que nos recuerdan el rock de finales de los 1990 y comienzos de los 2000. Recogen aquellos estilos del rock clásico, de bandas latinoamericanas que se ceñían a un rock nacionalista  que le ponía una marca  a lo bien “hecho en casa”. Demostrando su clara distancia con producciones inglesas o norteamericanas, rescatando así; la identidad del sonido  latino. Recurriendo al  uso de un buen español.  (Tema que por cierto sigue en discusión. Creo que tan sólo los roqueros están retomando el estandarte de defenderlo, así como crear buenas letras. Pero ir más allá, será para otro tema).

Las preocupaciones que rondan por  Triole, es abordar temas de cosas cotidianas y mundano-humanas; el amor, el desamor. Pero también, abordan los problemas de violaciones, de su ciudad, Buenos Aires y su atmósfera cautivante. Sin embargo,  toda su propuesta está plagada de ese gran ánimo y entusiasmo.  De no darnos por derrotados, de no ver los problemas como cosas grandes que nos aplastan, que  hay que superarlos y rebasarlos  al final, que hay soluciones. Ese éxito será personal. Todos estos temas se abordan en cada una de las rolas. Viajes que implican ir a  dónde sea, un recorrido interno o externo,  por más grande o pequeño que éste sea. El aprendizaje que obtengamos, finalmente será el de un enriquecimiento espiritual.

Si bien este Viaje a la Luna ya va casi va de salida, no deja de ser un disco bastante atractivo y adictivo. Su construcción resulta de una frescura ante tanta repetición carente de originalidad, en el ámbito del rock and blues. El estilo metafórico-sonoro,  es como el de un clavado hacia el pasado glorioso del “rock en tu idioma”, pero recargado. La verdad, se agradece mucho que Nati y Eduardo conciban a su música como un proyecto que busca tener como tema central a la “música”. Dotándola de la importancia que debe tener, así como de la originalidad y sencillez, pero sobre todo, de una fuerte carga de honestidad como músicos y/o artistas que son.

No dejen de poner atención a Triole. Su ritmo es verdaderamente adictivo. En especial, por esa extraordinaria sección rítmica entre la lira y la bataca. Temas y  armonías, que se lanzan en un cántico que va de bajada, envueltas de gracia y diversión.

Sugerencias. Acá dos enlaces a las producciones previas A la Luna. Donde podrán descargar por tema o completamente: https://www.jamendo.com/album/1291/triole

Caos https://www.jamendo.com/album/88532/caos O bien, pueden solicitar sus discos compáctos  directamente con la banda, a través de su cuenta en Facebook como Triole.

Triole, el rock más fresco y rítmico de Argentina, nos cuenta de su gira por México

Triole es: Natalia Corola y Eduardo Folgueiras// Foto: Enrique López M.México, 27 marzo. – Triole, es una banda de rock argentino con una gran variedad de estilos alrededor del rock, destacando por ahí, algunos tintes bluseros. El dueto, que ya ha visitado nuestro país en algunas ocasiones. Se presentó por acá el año pasado. Durante esa gira,  han descubierto que la respuesta del público mexicano es bastante positiva ante su propuesta sonora, lo cual ha permitido tejer un gran nicho para saborear la escena del rock. Es por ello que  se encuentran realizando una nueva gira por nuestro país. La cual durará todo el mes de marzo hasta principios de abril. Esto, con la intensión de promover su nuevo material que se pronto saldrá al mercado.

Tras una faena bastante agotadora para medios y artistas, y apoyados por la productora La Vaga Comunicaciones, nos encontramos en el Mercado de Hamburgo con Natalia Carola, voz y guitarrista, así como con Eduardo Folgueiras, baterista y secuencias de Triole. Para conversar y conocer de sus impresiones sobre la escena mexicana, así como  de su gira por el país.

Con el antecedente a  la gira del año pasado ¿qué esperan para estas presentaciones?

Natalia Carola, voz. -  Bueno, el año pasado que venimos, tuvimos una experiencia muy buena. A la gente le gustaron las canciones. Por ejemplo; tal era la convocatoria que decíamos “la próxima fecha es en…” e iban a vernos al siguiente sitio. Lo cual: ¡nos encantó! Ahora, para este año, veo que la escena del rock está viva, ¡la escena está caliente en México!… Y bueno, nos hemos encontrado con las mismas caras del año pasado, así como algunas nuevas que se van sumando.

¿Qué tipo de edades es la más común en sus giras?

Eduardo Folguieras, baterista. – En promedio es joven.

Considerados como bandas emergentes ¿cuánto trabajo implica  ser una banda independiente?

Eduardo.- Como banda independiente, todo lo autogestionamos. Nati es la que lleva el manejo de las redes…

Natalia. – Sí, es un manejo de muchas horas, desde ver dónde se coloca el material, a quién va dirigido, saber a qué personas mandárselo y sí, es algo que lleva mucho tiempo, pero al final, da sus frutos el trabajo.

La banda cuenta ya con tres producciones, un disco epónimo del 2006,  Caos del 2010 y A la Luna, penúltimo disco, y  que ya viene casi de salida. Éste nació en 2016. Pero como mencionábamos, la banda está de gira, pues en octubre aparecerá su siguiente y más calientita producción.

¿Qué retos han encontrado para cada una de las producciones sonoras?

Natalia. -  Bueno, este disco A la Luna, lo grabamos en Argentina, con Tomás Vigo. Él se encargó de toda la parte técnica. Para la masterización se encargó Andrés Mayo. Y ya que entrábamos al estudio con el material preparado, empezamos a encontrar retos que eran ver: cómo solucionar los problemas de ciertos sonidos. Una vez todo ensamblado, platicábamos sobre qué se puede agregar o qué se debía sacar, todo este trabajo nos llevó varios meses.

¿Cuál es el hilo con el que tejen sus letras?

Natalia.-  Bueno, las letras sí tienen que ver mucho con lo que pasa en la actualidad. Pero más con las cosas que me pasan a mí, sabes. Cosas que voy viendo, o cosas anteriores que he visto. Pero también me gusta escribir cosas que a la gente le puedan gustar, cosas que puedan disfrutar cuando escuchan, no sé, canciones no tan pesadas, sino con un mensaje más fresco.

Al momento de estar escribiendo esas letras, ¿qué tanto batallas para quedar satisfecha de que es lo que quieres transmitir?

Natalia.- (Ríe, porque sabe los rompecabezas que vive con sus letras). Sí, hay que revisar mucho. Sobre todo; porque una vez que está la música, hay que ir acomodando, no todas las palabras entran… Hay algo que me pasó acá, cuando llegábamos a México. No quería poner palabras que acá no se conozcan, porque está bueno que el que escucha, entienda lo que estoy cantando. Esto lo veo y lo reviso al momento de componer. Cómo acomodar la letra para que no pierda el sentido de lo que quiero decir, pero que se entienda tanto en Argentina, en México o en cualquiera de los países de Latinoamérica. Que funcione tanto la métrica, como la poesía y la música.

Mientras las pantallas del Mercado de Hamburgo nos fondeaban con ese ensordecedor ambiente panbolero, Triole no era una de las bandas a presentarse en el pasado Vive Latino, pero les aventamos la pregunta sobre qué pensaban de ese evento. ¿A quién irán a ver en esta 20ª edición Vive Latino?

Eduardo.-  Pues a mí, me gustaría ver a Santana… Yo creo que ahí, me ¡muero! (reímos por un gesto de cómplices). Y en ¡México, ya está!

Natalia.-  Vamos como invitados para ir conociendo la escena. Pero sí, la idea es estar en el Vive en futuras ediciones, así que aún ¡no quiero enfrentar al monstruo! Que se ve que está bueno… (Ríe, muy simpáticamente).

Triole, es una banda que se forja en la ciudad de Buenos Aires. Ahora que visitan  ésta contaminada y sobre poblada ciudad de México ¿qué contrastes ven entre estas dos importantes ciudades?

Natalia. – Bueno, yo quiero contestar a esta pregunta desde el lado de las similitudes, que es lo que más me gusta. Una de las cosas que más me gusta es que la ciudad de México tiene mucha vida. Hay mucho tránsito, mucha gente que se mueve todo el tiempo. Creo que tenemos muchas cosas en común, por ejemplo, ¡mucha música!

y a Mafalda

Natalia. -  Jajajaja, ¡claro, a Mafalda, Café Tacvba y Molotov! A nosotros, también nos gusta mucho la música mexicana. Y creo que a la hora de escuchar, se ven esas cosas. Creo que acá la sociedad está como en Buenos Aires.

Eduardo. – En contrastes. Creo que Buenos Aires está mucho más individual. Yo veo a México muy unido, con ganas de salir adelante, en cambio a Buenos Aires lo veo como “yo quiero que a mí me vaya bien… y a vos o a ti, algo que no me importe”. Claro, no llevo mucho tiempo aquí en México, llevo aquí pocos días, pero veo a la gente con ese ánimo de salir en grupo.

Acá el calendario del tour de Triole por México: https://www.triole.com.ar/?fbclid=IwAR1XKC0lU_cmVBslkWzSQ1Shf9fXHcBlgdeSk1l8CS5iulxJtfWgVX0ZEj4 La agrupación cuenta con diferentes plataformas para estar en contacto con ellos, así como para escuchar y descargar su energía y emotivas rolas.

No dejen de leer la reseña a su disco A la Luna.

Los Monstruos son los Otros. Funk’n’roll, banda de rolas chidas, y la movida de la Nueva Tenochtitlán

México, 25 marzo. - Los Monstruos son los Otros, es un proyecto que nace de la ironía, de un juego entre la seriedad y la broma, línea intangible a un mundo análogo en la Nueva Tenochtitlán.  “Tras un sismo, este proyecto viene desde un  mundo paralelo”, uno que se alimental de diferentes crónicas del pasado para revelarse en el presente. Música de ritmos pegajosos, que harán que movamos los pies al ritmo de una sonidera: funka-rollera.Intentemos este recorrido mental a través de un micro atestada de gente,  que al bajar de ella, en el paradero, entre puestos callejeros, los mismos ritmos aturden nuestros sentidos, abordemos el metro como si fuera un suedo refugio al calor que azota en las calles y avenidas, para hundirnos en otro bajo tierra. Encendamos el celular,  o bien; rescatemos un viejo reproductor de MP3, o un viejo reproductor de Cedés. Con nuestros audífonos demos play a esas rolas con presentación de disco de vinilo colocado a ras del piso.

Ahora sí; platiquemos con Roco Casillas, rolero desmadroso, bajista y fundador de Los Monstruos son los Otros. De mente creativa, ingeniosa y revolucionada, que se desprende de sus ideas la velocidad de un rayo.

¿Cómo surge el proyecto y por qué llamarse así?

Roco Casillas, bajista. - Venimos de otra ciudad, una parecida a la Ciudad de México, llamada Nueva Tenochtitlán, pero  ésta pertenece a otra dimensión.  Allá, ya nos llamaban así. Es muy común que allá las bandas tengas nombres muy largos, por ello, buscamos el nombre más largo que pudimos encontrar, y lo mantuvimos. Pero además, descubrimos que a la gente le gustaba.

¿Por qué usar el funk como estilo narrativo?

Roco. - En el tema del  funk, en realidad nuestro género es el “funk’n’roll”. Pero al parecer no existe aquí todavía, o no existió… Entonces, tuvimos que encontrar un punto intermedio para que la gente medio entendiera, a veces le llamamos “funk – rock”, a veces sólo “funk” y en otras “funk  experimental” (lo que eso signifique). La verdad es que variamos de ritmos. Sobre todo; porque nuestra música más que seguir un premisa genérica, es narrativa. Y para contar las historias de nuestra ciudad, tenemos que usar  recursos de diferentes géneros.  No podemos contar la misma historia con el mismo género.  Sería una ciudad bastante  plana, eso nos ha llevado a exploraciones que van desde el Funk, al Hip-hop, el Son. Ritmo que próximamente saldrá; entonces, hay  un poquito de todo.

¿Quién se encarga de escribir las letras y darle el concepto visual al grupo?

Roco. – Digamos, que yo soy el emisario del funk.  El encargado de recibir las historias de Nueva Tenochtitlán a través de los recuerdos, y los plasmo en las letras. Obviamente, todo lo que hacemos es una colaboración a nivel musical.

Éste es el traje típico de Nueva Tenochtitlán; así veste regularmente la gente por allá. Al parecer aquí no es tan típico. Por eso, sólo lo puedo usarlo en entrevistas y shows. Sobre el concepto, resulta que encontramos a unos hermanos llamados Parliament Funkadelic; que traían una cosa como que muy loca…algo similar.  Y a otro señor, uno llamado Sun Ra, que incluso, en  nuestra dimensión ya era famoso. La cosa es que nos hemos encontrado con otros hermanos que vivieron por esta dimensión, aunque no tuvimos la dicha de conocerlos. Nosotros tratamos de evitar el olvido de nuestra civilización. Ya que esta fue destruida por un gen terremoto; al encontrarnos con la extinción de una cultura lo único que podemos hacer es promoverla; aunque sea de una manera “artificial”. No podemos vivir en la ciudad, pero podemos oír sus canciones. En nuestros  conciertos, tratamos hacer que la gente imagine esta civilización a través de nuestra música.

¿De qué elementos creativos se alimenta Los Monstruos son los Otros, para escribir sus canciones o letras?

Roco. – Tratamos  de escuchar lo que la gente nos cuenta. Recordando las “voces del pasado”. Así como de reconstruir los aspectos que conocimos de nuestra ciudad.  Aspectos culturales, cultura pop, cultura oral, escrita… ¡Incluso, hemos agarrado inspiración de  cosas que hemos visto por acá! Por ejemplo, tenemos una canción, que es un  cover de una banda llamada Tex Tex… Por ahí, hemos encontrado algo de inspiración. ¡Y  no solo de ellos!, sino en toda la escena musical que hay aquí, de bandas emergentes… Nosotros  pensamos que en la Nueva Tenochtitlán “éramos privilegiados” por la cantidad de bandas que tenemos, pero descubrimos que acá: ¡están impresionantes!

Frente a tantas bandas “emergentes”, es difícil saber dónde se localiza dicha emergencia, para ustedes ¿cómo ha sido la respuesta de la gente ante su propuesta?

Roco. – Lo que hemos encontrado es que la gente se engancha muy bien con nuestras historias.  Se vuelven participes de las tradiciones de Nueva Tenochtitlán; aunque es un concierto atípico… Digo,  ¡en nuestra  civilización es algo muy común, al parecer aquí no tanto!  Nuestros eventos son, conciertos narrativos; más que sólo escuchar música, estás viendo como una película con tus oídos. Yo te voy contando poco a poco fragmentos de “esa civilización”. Y  la gente ha sido muy receptiva; se acerca asombrada diciéndonos que “no habían ido a un concierto así”. Yo creo que ese grado de innovación les encanta. Los que usualmente son más complicados de convencer, son los que creen saber lo que quiere la gente, como los programadores de radio y cosas así. Son  más dogmáticos de lo que uno esperaría. En algún momento cuando contaba de estas historias a un programador en Radio me dijo. “Todo bien, pero si la gente quisiera ir a educarse, iría a una escuela. No a un concierto”.  ¡Qué tristeza que exista  gente tenga una visión tan pobre de la diversión!  ¡Y qué tristeza que los medios de comunicación y difusión estén en manos de esa gente!  La gente nos ha recibido de manera excelente.

¿En qué  proyecto se encuentran ustedes, hay disco, Ep o video por sacar?

Roco. - Hace dos semanas estrenamos nuestro último material, el EP llamado “La Gardenia de los 400 Nombres”. Que puede ser encontrada en todas las plataformas digitales. Y  pueden contactarnos en Facebook, Instagram como: El Monstruo son los Otros. Tendremos una presentación el 18 de Abril en la Capilla de los Muertos, junto con la banda The Torcido Monkey Dreams, será en jueves y va a ser entrada libre.

Para estar atentos a las presentaciones de este divertido proyecto; pueden seguirlos a través de sus redes sociales, en Facebook como El Monstruo son los Otros, así como en su cuenta en Instagram. Para descargar este Ep, dejamos el link  a su cuenta en Spotify: https://open.spotify.com/album/3YfjMnQhsooM4os2w2Wrfu?si=hCJUrknFQdGLPsnEgsTaoQ

Siguiente entrega, relataremos sobre su disco “Las Rolas Chidas… y la Nueva Tenochtitlán”.

Canalón de Timbuiquí, agrupación musical de tradiciones colombianas en resistencia, lucha por conservar su cultura y transferirla a jóvenes generaciones

Nidia Góngora, vocalista de Canalón de TimbiquíMéxico, 22 marzo.- La música tradicional latinoamericana, es una de las músicas más ricas a nivel mundial. Su razón; la gran mezcla de colores y sabores. Timbiquí, es una población, así como un  municipio de Colombia. Se ubica  en la Costa Pacífica, en el departamento de Cauca. Alrededor de esta población, hay un gran y hermoso río que lleva el mismo nombre, el cual desemboca en el océano. A finales del siglo XV, la actividad minera fue preponderante para esta región. La colonia española comenzó a traer esclavos afro para la exploración minera, en tanto, la población indígena; era desplazada a otras áreas. Con estos desplazamientos, así como nuevos contactos culturales, ésta cultura; de algún modo, se fue enriqueciendo en el Timbiquí. Desde 1772 a la fecha, las actividades que aún predominan en esa región son: la pesca, la minería. Cuentan con una amplia gama de alimentos y frutos, así como la explotación de maderas. A partir de éstas últimas, se ha desarrollado la construcción de marimbas, instrumento que tiene mucho peso en la música de Canalón de Timbuiquí.

La agrupación se encuentra en nuestro país realizando una gira y difundiendo su proyecto. Por ello, platicmos con la vocalista principal de la banda, en el mercado de Hamburgo, CDMX. Para adentrarnos en sus reflexiones y, tratar de dilucidar el estado que guardan las tradiciones musicales en los pueblos en resistencia.

Canalón de Timbuiquí es una banda que nace en 1974 ¿Cómo nace este proyecto y quién es su fundador?

Nidia Sofía Góngora, voz principal.- Así es, nosotros somos una nueva generación, Canalón tiene cuatro décadas, somos el relevo. Provenimos de una tradición de familias de músicos. Mi madre es una cantora muy famosa y reconocida en la comunidad. La hemos invitado a varias grabaciones para nuevos discos, pero ella ya no quiere. Como que ya nos ha entregado el relevo. En estos momentos, ya no estamos en Timbiquí, nos mudamos a Cali, allí está todo el proyecto, sin embargo, seguimos conectados y muy cerca con Timbuiqí.

Desde que aparece este proyecto, ¿ha evolucionado o se ha modificado en algo su sonido?

Nidia. – Somos música tradicional, música viva. Desde el momento que salen de su territorio ya hay una transformación allí. Yo creo que más allá de una evolución, somos una agrupación en lucha constante. Por tratar de mantener al máximo esos elementos de la  tradición lo más latente posibles. Eso es lo que nosotros hemos hecho. Muchos de los cantos que nosotros interpretamos, vienen de la tradición, aunque algunas son composiciones nuestras, pero en ambas partes, hemos tratado al máximo de conservar esos elementos que son parte de la estructura autóctona de las músicas tradicionales. Ese ha sido el mayor esfuerzo que hemos realizado.

¿Qué impacto ven ahora con el uso de la tecnología?

Nidia.-  Hay muchas cosas que cambian con su uso, sabes. Por ejemplo, cuando entra uno a un estudio de grabación. Se altera la naturalidad con la que se desarrolla la música dentro de su territorio, éste sonido cambia. Hay muchos requerimientos técnicos que te obligan a cambiar, como es el tiempo de las canciones. Hay canciones que duran media hora, una hora, pero por cuestiones técnicas, tenemos que reducir su tiempo a 5 o 6 minutos.

Por otro lado está la manera de ejecutarla, de celebrarla. Esto lo pasamos a bloques, donde muchas veces no podemos estar todos juntos y se graba por segmentos… Entonces, sí hace que cambie un poco la forma en cómo se desarrolla la naturalidad de la música nuestra. Pero se ha intentado, a pesar de estas exigencias técnicas, guardar esa estructura de lo ancestral, de lo autóctono y natural dentro de las producciones discográficas.

Sin embargo; hoy día la gente ya no compra tantos discos. Por tanto, los músicos han vuelto a su naturalidad, a los eventos en vivo. ¿Qué pros y contras ven en esto?

Nidia. – Hay una gran ventaja para nosotros. Y es que nuestra intervención no la vemos como un producto, o un show. Para nosotros sigue siendo un ritual. Entonces, para el momento que ocupamos una tarima, estamos celebrando la música con la gente. Nuestra ancestralidad, en ese ritual, en ese momento.

Para Canalón ¿cómo se da el rescate de las tradiciones?

Nidia. – De cada una de las canciones que interpretamos, así como la lírica de éstas; en Canalón  hay una referencia a nuestro territorio. Hablamos de la riqueza que hay en sus mares, en sus ríos, la selva. Pero también hablamos de hechos que ocurren en la cotidianidad. Así que encontrarás homenajes que hacemos a los pescadores, a los mineros. O temas que parecen como muy “básicos” dentro de la comunidad, cosas como muy elementales, pero que para nosotros, lo pasamos a un hecho muy importante. Pero también está el canto a la resistencia. Abordamos temas de género, de violencia; del sometimiento al que ha estado nuestro pueblo. Entonces, en Canalón, algunas de sus canciones sí fueron aprendidas y transmitidas generacionalmente. Otras son composiciones nuestras. Pero en todas ellas buscamos cargarlas de un mensaje de nuestra vida, de nuestro territorio, de nuestra identidad, pero también de un mensaje de resistencia, de transformación y reflexión.

¿Cómo confrontan hoy día los pueblos en resistencia los retos a nivel político?

Nidia. – Dentro de la riqueza que tiene nuestra música, a parte, el contexto y de la academia tradicional que tenemos. Uno de los valores principales que a nosotros nos han transmitido es: que la música debe servir para “unir”, para reconciliar, transformar y sensibilizar. Partiendo de esos valores es que estamos llevando esos mensajes. Más allá de una inclinación o corriente política…

Yo no comulgo con partidos políticos. Yo pienso que a la música debemos visionarla desde una “invitación” global, de una invitación general. Y a tomar conciencia de las diferentes situaciones o problemáticas que vivimos dentro de nuestra comunidad, nuestro país… Entonces, al momento de hacer música, estamos conscientes de que lo que hacemos, que el contenido debe tener un sentido. Un sentido social, un sentido político, un sentido “espiritual”. Ojo, no me refiero a algo religioso, sino simplemente: algo espiritual. En esa medida, nosotros creemos que hemos obtenido los resultados que hemos buscado y que hemos esperado del proyecto. Porque los mensajes han sido escuchados de alguna manera por la gente. Esto lo sabemos a través de los conciertos, de la cercanía que tenemos con la gente, de la interacción dentro y fuera de los escenarios.

La educación es un tema importante en las culturas en resistencia, ¿cómo llevan a cabo esta labor?

Nidia. - A parte, nosotros tenemos un proyecto de “semillero”. De gente en formación en música de marimba. En estos momentos estamos trabajando con un sector muy vulnerable en la ciudad de Cali, donde en su mayoría la población es afro. De momento, es la única escuela en Cali que da formación en marimba y cantos tradicionales. Desde allí, estamos reafirmando valores de identidad. Sentimos que debemos trabajar valores de identidad con las nuevas generaciones.

Es (en Cali), una generación que está un poco perdida, “no sabemos nuestro origen”, la educación ha sido débil y amañada. No ha contado la historia como realmente ha sido. Hay una pasión, en términos de identidad y conocimiento, pero por otro lado, existe una ignorancia. Pero no parcial, sino total. Y esto, frente a muchos temas que tienen que ver con temas raciales, de género, algo que está muy en boga, temas territoriales, temas de derechos, de deberes  como pueblo, no se abordan tal como ocurrieron. Lo que hacemos con nuestra música es sensibilizar para  transformar. Creo que debe haber un trabajo serio en las instituciones educativas. Se debe cambiar ese modelo educativo que va a la par con esas políticas neoliberales, donde se le da un privilegio al “poder del dinero” o a la guerra. Entonces, hay que cambiar los discursos y los mensajes. Y aterrizar éstos hacia unos mensajes de reconciliación.

¿Cómo vencer a la violencia, la imposición y cambiar el mensaje que se ha impuesto desde el poder?

Nidia. - ¡Nunca, pero nunca jamás la fuerza va a ser una mejor estrategia y a estar por encima del diálogo! SI queremos abordar temas de dignidad, de calidad de vida, tenemos que dejar de lado el discurso de guerra o el discurso de la fuerza. Porque no es la manera en cómo se va a logar. Yo creo que esto genera más resentimiento, más violencia. Incluso la violencia va a generar más violencia, siempre. Por eso; en Canalón pensamos que la música es como una cápsula de sensibilización muy fuerte, y queremos hacer uso de ella. En nuestros territorios hemos visto que ha tenido éxito. Esa ha sido nuestra “arma”, nuestro arte. Lo cual ha mantenido vida la esperanza en nuestro territorio. Pensamos que también sirve como estrategia para proponer estrategias de transformación en nuestras sociedades. Desde allí lo vemos, desde allí lo venimos trabajando y lo queremos impulsar. Históricamente hemos venido de una lucha constante. Tenemos que seguir firmes en esta lucha, para poder garantizar a las nuevas generaciones, los espacios que hoy tenemos.

Frente a esta degradación y aniquilamiento del ambiente natutal que observamos, tan acelerado, así como el agotamiento de sus recursos en flora, fauna e hídircos ¿qué piensa Canalón de Timbuiquí?

Nidia. - La Tierra es la gran madre, donde se encuentra toda la sabiduría, la cual, luego nos es transmitida… Los que nos conectamos con ella… ¡ah bueno,  porque hay otras personas que no se conectan! ¡Gente que sólo la explota y utiliza en su beneficio! ¡Son personas que para nada están conectadas con la Tierra! Entonces, dentro de nuestra comunidad, la naturaleza lo es todo. Es nuestra fuente, nuestro medio vital. Desde muy pequeños nuestros padres y ancestros, nos han enseñado a cuidarla, a protegerla porque de ahí depende la vida. No depende de otro lado, tenemos una creación para que la cuidemos y la amemos. Cuando a nosotros, desde niños, se nos educa para tener una relación armónica con la naturaleza, nuestra música emana de esa naturaleza.

La marimba, instrumento que tiene una relación estrecha con el Pacífico y con la naturaleza. Los instrumentos con los que tocamos, vienen  de la naturaleza. El canto mismo tiene una relación con la naturaleza. Si no hay aire, nosotros no tendríamos la fuerza para cantar y para que esa música viaje. Entonces, en el mensaje que nosotros llevamos es; uno: la importancia que tiene la naturaleza. E invitamos a que se reflexione la relación que estamos teniendo con la ella. Hay que regresar a las raíces, protegerla y preservar estos recursos. Cuando yo hablo de la naturaleza, me refiero a todo.

¿Qué proponen a través de su acción musical?

Nidia. - Hoy, debemos unirnos en torno a esa “globalización” que ha desviado totalmente los procesos de la vida. Es una globalización que extrae minerales, produce sistemas de esclavitud, procesos de guerras. Lo repito, porque todo lo están consiguiendo mediante la imposición, mediante la fuerza y de la devastación. Entonces, no podemos hablar de “progreso”, cuando estamos atentando contra los recursos, no podemos hablar de progreso cuando contaminamos los ríos, cuando talamos selvas, bosques, cerros. Estamos debilitando los recursos que van a sostener ese “progreso”. Las máquinas ¡jamás van a reemplazar a la naturaleza! Este es el momento en que debemos poner la tradición y la ciencia unidas para dialogar y unirse en función de defender a la naturaleza. La ciencia utilizada como  potenciadora de los recursos naturales. Desde allí verlo. Pero no como un monstruo “que pone un pie encima de la derrotada naturaleza”. Tenemos que quitarnos esa idea absurda, porque “la fuerza del hombre” jamás va  a ser superior a las fuerzas de la naturaleza.

Finalmente ¿qué mensaje quieren darle al público que los sigue o quiera seguir?

Nidia. - Y bueno, aquí estamos. Seguimos haciendo música. Y va a ser así ¡siempre!

Canalón de Timbuiquí ya realizó una presentación en la Casa de Cultura de Colombia, Centro Cultural. Además, participó en el Festival NRMAL, espacio que cada vez cobra más importancia: “Nos fue ¡muy bien! La gente muy conectada y receptiva. Yo veo este festival como una plataforma muy importante como para diversificar nuestra música y tradición entre la gente”. Nos señala Nidia, vocalista principal de la agrupación.  

Canalón de Timbuiquí estará en Cumbre Tajín este 21 y 22 de marzo, y el 24 cierran su gira en Xalapa, Veracruz. Para conocer sobre próximas giras, presentaciones y otros temas, dejamos los siguientes enlaces a su sitio oficial: https://canalondetimbiqui.wixsite.com/canalondetimbiqui?fbclid=IwAR1xmwM6teLYgF9b1qilmZlf1PjchfJpHLKsnizsMTXHqG8WnxTELP_EJqs  y su red social https://www.facebook.com/canalondetimbiqui/

Previo al 20 aniversario del Vive Latino 2019, conversamos con algunos de sus exponentes

Galindo// La Pingo's Orquesta// Strike Master// Rude Boys// Vaquero Negro. // Fotos: Enrique López M.

México, 15 marzo.- A 20 años de distancia, es visible el gran trayecto que han realizado los organizadores de aquel Festival llamado Vive Latino, que apenas iniciaba en 1998. Arrancaban con un precepto en la mente, que fuera en español. Ya en otros países se realizaban festivales masivos y al aire libre, pero el inglés era el idioma predominante para que un artista pudiera ser tomado en cuenta. En tanto, los hispanoamericanos éramos relegados o ni siquiera considerados para entrar en esos festivales. Por otro lado, después de Avándaro, se canceló cualquier festival masivo o, en lugares pequeños. Llevarlos a cabo era un acto represivo y para quienes resistían, lo hacían “clandestinamente”. Con el devenir de los años y en una apertura cultural, a fuerza de ir picando piedra, se han abierto los espacios para la difusión del rock y otras manifestaciones culturales. En estas dos décadas de vida del Vive, podemos establecer a dos generaciones. Aquellas que (tuvimos) la fortuna de acudir a conciertos masivos; organizados sin fines de lucro y con un carácter social a finales de los 1990,  por instituciones educativas como la UNAM y la UAM. Instituciones que aglutinaron a bandas hoy día de culto e importantes para la escena del rock nacional, como: Caifanes, Café Tacvba, Santa Sabina, entre muchas otras.

Y la de esta generación millenial. Esos chavos de la segunda mitad de los 90, con una visión periféricamente distinta y que vivieron una etapa rockera más “inocente” por denominarlo de alguna forma,  probablemente tengan hijos. Esos chicos, hoy día tendrán más o menos la misma edad que sus padres, y es probable que estarán asistiendo este 16 y 17 de marzo a su primer Vive Latino, de igual modo, estarán allí para ver a sus artistas favoritos y conocer nuevas propuestas. Pero también, verán a esas leyendas con las que crecían sus padres, y que seguramente aún escuchan, las cuales estarán en este 20º aniversario del Vive Latino. A lo largo de su vida; este festival, ha tenido una línea de tiempo fluida de shows en vivo, salvo en dos fechas en que fue interrumpido, en 1999 y la otra en 2002.

En una escena donde el rock en español se consolida cada vez más. El contenido musical, objetivo principal del festival, ha tenido en sus distintos escenarios la participación de grupos y solistas provenientes de toda Latinoamérica, pero también, comienzan a incluir a músicos de habla inglesa. Sin embargo, el Vive Latino no ha dejado de ser controversial en sus más recientes ediciones, pues han llevado a artistas ajenos al rock, que si bien han sido medio aceptados, deja un resquemor en el carácter que generalmente ha sido intrínseco a todo rockero, su posición de mente “crítica y contestataria”.

Para conocer de cerca las propuestas denominadas “emergentes” o “alternativas”, conversamos con algunos de los artistas que estarán en esta 20ª edición Vive Latino 2019. Organizado por La Vaga Comunicaciones, la cita fue en el ya conocido Merkado de Hamburgo 301, en la calle de Hamburgo, en la colonia Juárez.

Galindo, es un artista que conocemos ya en redes como Memo Galindo o simplemente Galindo. Este proyecto arranca en junio del año pasado, sin embargo no es nuevo en la escena, anteriormente estuvo con Piluso, agrupación con la permaneció por cinco años, incluso “ya había hecho yo un vive latino”. En este proyecto ya como solista, es algo que le gusta, pues lo considera como “un acto más libre”.

¿Te fue difícil armar o construir el sonido y la búsqueda de músicos que te acompañaran?

- Más que difícil, lo más complicado fue el tema de encontrar aliados. Porque en el tema de ser solista, lo complejo es la autogestión. Ahí es como complicado encontrar a los músicos. Pero funcionó mucho mejor hacer la música con aliados, con gente que se sume. Naturalmente mi banda es de siete integrantes. Pero para el Vive; va a ser una fiesta con 14 músicos.

En cuanto a la música. Sí hay mucho poder, tenemos una parte de psicodelia, pero una parte de rock tradicional, tengo un guitarrista que proviene del lenguaje del rock, pero para el Vive, que es como una gran fiesta, tenía que armarlo de la mejor manera posible.

En este reciente material con el que Galindo sale al Vive, ¿cómo construyes tus letras y a qué público va dirigido?

- Todo el disco es música romántica. Es para celebrar el amor, las relaciones tanto de pareja como de amistad, sabes. Ya tuve mi época psicodélica con letras espaciales. En esta ocasión, busqué que las letras contuvieran un mensaje más básico, más coloquial. Lo cual me ha llevado a tener una conexión con gente joven, pero también con gente que se cansa de escuchar tanta metáfora y como abstracciones. Este Ep lo grabe con tan sólo seis canciones. Lo produje yo junto con Mau Solo y Carlos Ann; un artista catalán. Pensé en que la música tenía que ser súper digerible para cautivar a nuevos grupos. Pero detrás hay una construcción musical mucho más psicodélica, con aspectos más alegres y festivos, quizás.

Entre aquel Vive Latino a este 20 aniversario, ¿qué diferencias encuentras y qué expectativas tienes?

- Yo estuve hace cuatro festivales. De manera personal, te puedo decir que, el tener esa experiencia, ya tienes un chip diferente, sabes qué hacer y qué no. Pero el festival se ha pluralizado cada vez más. También, la presencia de las redes sociales… Estos “haters” el odio lo tiran a diario en las redes, pero ya en el festival es más como de armonía. Al final termina siendo una fiesta. La gente ya no va tanto a criticar a la banda, si no le gusta, se va a otro escenario. Y en eso creo lo han logrado. Por otro lado, el Vive es el “papá de los festivales”, la verdad. Es el más importante, es el que ha enseñado; ya es un referente. Y uno que hace bien las cosas. Ahora, en este veinte aniversario, que esté como invitado, pues es ¡súper buenísimo para mí! Me sumo a una experiencia que ya tengo, pero además con este “trampolín” que es el mismo festival.

Para muchas bandas el objetivo es “estar en el Vive Latino”, pero lo que hay que entender es que; estar aquí: es más como el “punto de arranque para lo que quieras hacer”.

¿Qué proyectos vendrán con y después del Vive?

- Yo arranco con la presentación de este disco, Equilibrio (2018), giras, así como la presentación oficial. Eventualmente; estar en otros festivales.

¿Qué pensamientos arropas para este 20 aniversario, además de compartir el espacio con leyendas que vuelven para este año?

- Creo que estamos en una era de la “nostalgia”. Me parece que cada vez se refuerza más esta idea de la remembranza: “La gira del rock en tú idioma  sinfónico” “La gira del rock pop de los 90” “Ver a Caifanes volver a tocar el mismo set, porque no sacaban nada nuevo”. Como que hay mucha remembranza, y no es que esté mal, me gusta. Hay bandas que aún me gustan y admiro. Con Caifanes logre que hicieran un Zócalo, hasta recuerdo que me pelee con la “manager” y hasta quedar sentido con la banda, que más quería antes. Pero al mismo tiempo como que ya estoy cansado de que aparezcan los mismos headliners en casi todos los festivales. Creo que ahorita es buen momento para generar nuevos talentos, y la única forma de hacerlo es a través de medios (independientes), artistas, el público. Y que la industria empiece a apostarle a los nuevos talentos. En ese sentido, el Vive Latino lo hace muy bien. Yo toco a las 8 de la noche, ahí  tengo un choque con Fobia, pero cuando termino, aún hay 40 minutos de Fobia. El Tributo a Rita Guerrero va a ser 10 minutos después de que yo termino de tocar. Con los Luiquits, 10 minutos antes de que acaben, son los 10 minutos que ya llevo tocando, entonces hay opciones y demás cosas qué hacer.

Galindo toca el sábado 16 a las 20:00 hrs; en la carpa Intolerancia, presentando su más reciente material: Equilibrio. Donde la balada acaramelada, se irá  convirtiendo en miel.

En el cartel del Vive Latino, desde hace algunos años, se ha venido contemplado al género del metal, y cada vez más, este género se vuelve preponderante.  Tal es el caso de la banda Strike Master. Oriundos de la CDMX, este trío consolidado en el trash metal, con 14 años de vida, 5 producciones sonoras, demos y varios sencillos. Es una banda que busca preservar en la manera más pura este género del metal. Por tanto,  platicamos con dos de sus integrantes acerca de lo que ellos esperan dentro de este aniversario, así como conocer el estado que guarda el metal entre audiencias que aún no les conocen.

El Vive Latino es un festival que ha tenido de pronto a géneros que para nada tienen que ver con el rock, mientras tanto, el metal nacional goza de buena salud ¿para ustedes qué significa el que los hayan invitado?

Pach, bajista. – Pues creo, que los eventos del año pasado demostraron que hay mucho metal en México. El Vive Latino es un festival donde hay desde ska, rock, etcétera. Pero el metal ha tenido poca participación. Para esta ocasión, tan sólo hay dos bandas de metal Korn y nosotros (Strike Master), entonces está bien para públicos que comparten de gustos y géneros musicales; que al metal también le den su espacio dentro de este festival tan grande y tan reconocido.

¿Sigue siendo el “patito feo” el metal y sus demás variantes para los organizadores del Vive?

Coronel KMU, voz y guitarra líder. – Es el segundo género más fuerte a nivel mundial, el hecho de que no haya tenido tanta exposición en los últimos dos años, eso es otra cosa. Pero ahorita; es el momento de abrir brecha. Demostrando la calidad, así como el mundo cultural y musical que implica este género. Con esta oportunidad, pues vamos a aprovecharla, y que el metal sea considerado como una prioridad para los próximos festivales del Vive Latino.

Regularmente en todo festival de metaleros, la gente sabe qué va a escuchar. En esta ocasión habrá un público nuevo que asista a verles, quizás de manera más consumista. ¿Qué retos ven ustedes con respecto a su sonido frente a un público nuevo?

Pach. -  Afortunadamente a Strike Master siempre le ha ido bien. La gente que va a los festivales de metal, es gente a la que le gusta el desmadre. Entonces, Vive Latino es sinónimo de “voy a pasármela bien, a cotorrear, a estar con mis amigos”. Creo que es un buen horario, tocamos a las 6 de la tarde, momento en el cual la gente está prendidísima y ya quiere… pues escuchar a las bandas headliners pero todavía están con mucha energía. No es un momento cansado del festival, y con eso; podemos aprovechar toda la energía. A parte, en las redes sociales nos han escrito mucho que: “qué bueno que vayamos a tocar en un festival así”.  A pasar que no es un festival de metal, a la gente le sentó bien que toquemos en este festival, y ya quieren vernos en esos escenarios.

 Entiendo que esta es la primera vez que Strike Master tocará en este Vive, pero como fans o como público ¿han estado en alguna edición anterior, y ahora que tocarán, qué emociones vienen a su cabeza?

Coronel. – Para mí, sí es la primera vez que vengo, ni como fan he venido. Pero como tú dices, es un festival multicultural, plural y eso brinda la oportunidad de que la gente nos conozca y nosotros a ellos. Es muy bueno que para esta 20 edición hayan convocado a Strike Master

Pach. – Yo sí estuve en una edición cuando Caifanes regresó, de hecho fui porque Caifanes es una de mis bandas favoritas, cosa que no me podía perder. De hecho fui solo, y en cierto momento, por la tarde que estaba en las gradas, como a eso de las 3 pm, me dije “no me lo voy a pasar aquí”. Me bajé, fui a donde estaba el relajo y me la pasé muy bien. No tuve que ir con otra persona para “pasármela bien”, hay un súper ambiente, tiene años que no voy. Por lo tanto, espero algo muy positivo de esta 20 edición.

La ola de calor ha venido siendo impresionante en cada edición del Vive ¿cómo se prepara Strike Master para derrocar al enemigo?

Coronel. – Finalmente es una carpa, pero Strike Master está listo para tocar en cualquier terreno y condición. En una ocasión, recuerdo. Tocamos en una noche muy fría, allá por Ecatepec, en diciembre. Ahí las manos se nos congelaron. También tocamos en Tabasco en pleno verano, así que estamos listos para cualquier evento.

Strike Master irá con S+M Full Lenght álbum, del 2017. Su más reciente material a este Vive. Además, preparan ya un nuevo Ep; que saldrá el año que viene. Ya tienen listo el estudio, productor; con la promesa de que acabando este Vive Latino, comenzarán las nuevas grabaciones. No se pierdan a esta poderosa banda mexicana, ellos estarán el domingo 17 en la Carpa Intolerante a las 18:00 hrs. ¡No dejen de mover esa gran mata!

Otro género musical que comienza a ganar cada vez más adeptos, en especial de los chavos, es el jazz. Hubo un tiempo en que el jazz era la estrella de la música. Era un estilo que se escuchaba en casi todo el mundo a través de la radio y los discos. Para este nuevo siglo, el jazz sigue demostrando su gran vitalidad. Y qué mejor ejemplo es tener en casa a La Pingo’s Orquesta. Oriundos de Aguascalientes, esta banda ha templado su carácter divertido y emotivo, al probar en espacios donde es más difícil medirle el “agua a los camotes” en la provincia. Tocando a ras del piso, donde las banquetas derriten a cualquier alma. Por ello,  conversamos con dos de sus integrantes.

 ¿Cómo se formó la banda y  por qué el nombre?

Claudio Gardea, baterista. – Pues la banda se forma en las calles de Aguascalientes. Allí empezamos a tocar en el centro de la ciudad, incluso Michel, el contrabajista, tocaba en un camión. De a poco fuimos viendo que a la gente le gustaba lo que hacíamos, tocamos en cafés. Gerardo tenía un club de jazz y nos invitó a tocar un día ahí, con la idea de componer rolas propias. Así es como nace la banda, tirando ideas, componiendo de manera colectiva… Y el nombre, pues es una como burla a todas estas bandas norteñas que se ponen nombres como “La Tracalosa” y esas cosas. Es como una mofa, y el hecho de que somos un poco traviesos.

Gerardo Castmu, guitarrista. – Lo más curioso de la banda es que todos tenemos como corrientes distintas, por ejemplo. Claudio estaba en una orquesta sinfónica, donde tocaba jazz. El trompetista tenía un grupo tropical con su familia. El violinista es folclorista, y todos tocamos en algunos proyectos donde coincidimos en algún momento. Pero sí; somos como músicos de una escena muy de calle, de andar rodando por los bares y cafés en esa época.

¿Es complicado esparcir el mensaje de la banda por zonas donde se suele escuchar precisamente esa música de las bandas norteñas o de narcocorridos?

Gerardo. - ¡Sí es complicado! Pero el valor de la banda, como tú bien lo dices, es la música. No somos un grupo de “show o de imagen” o “de vestuarios o canciones pegajosas”. De hecho, no cantamos! Somos enteramente instrumentales, totalmente. Pero la música es la que conecta directamente con el público. Por otro lado, somos una banda que cabe perfectamente en un festival cultural, en uno de jazz, en uno universitario, aunque también hemos realizado festivales “comerciales”, hemos estado en el extranjero...

Yo siento que somos una banda que representa un poco de lo que se ha perdido, sabes. Creemos que las propuestas que hay en la escena están como muy gastadas. Y yo creo que es precisamente eso, porque se han olvidado precisamente de la música, donde la música, es lo que menos tiene que ver. “En un festival, en una revista o en una estación de radio”, la música es lo menos importante. Lo más importante pueden ser los “likes”, “los videos que generan”, la manera en “cómo se venden”, en tanto, la música: ¡se fue al carajo! Eso para nosotros, es lo más importante. Por tanto, el hecho de llegar a un lugar donde hay  gente que no nos conoce, lo único que tenemos para defendernos y mostrar: es la música.

Gerardo. - Aguascalientes tiene una ventaja, geográficamente estamos en el centro de la república. Entonces, a una hora nos queda Zacatecas, a una hora León, a dos horas San Luis… entonces, hacemos esos recorridos, donde no hay tráfico y vamos ganando a modo de insistir.

 Su sonido tiene muchos sabores del jazz, pero ¿es correcto verlos como unos puristas dentro del género?

Gerardo. – Tenemos varias influencias, así como lo mencionas; desde  jazz manouche y otros, pero en realidad creo que estamos más como en el world music, o en una suerte de jazz como más festivo.

Ante tanta expectativa, ¿cómo se siente la banda, previo al 20 aniversario del Vive?

Gerardo. – Ya hemos tocado en varios festivales.

Claudio. - ¡Estamos contentos!

Gerardo. – No nos esperábamos esta invitación, pero como te digo. Ya hemos estado en festivales muy grandes, el año pasado tocamos en el Cervantino, hicimos Festival Quimera, hace un mes estuvimos en Bahidorá, entonces ¡estamos más que listos!

 Ustedes vienen de grabar con Steve Albini. Después de grabar con él, la banda ¿experimentó alguna especie de catarsis en su sonido?

Claudio. – Pues fue como un agasajo grabar con él. Es una persona muy respetuosa de nuestro trabajo. Pero su método de grabación es análogo, mete una cinta, graba. No usa la computadora para nada, edita ahí mismo. A mí, cuando grabamos, me puso como 25 micros en la batería. Y el sonido que se logró, es realmente un viaje. Todo esto es para el más reciente Ep, que se llama Música para domar monstruos (2018).

Gerardo. – Además, dentro de la música; él es como un mito. Dentro de los que mencionaste (Nirvana, Pj Harvey, Robert Plant), ha grabado cerca de 2 mil discos, y dentro de la industria discográfica, él es un monstruo.

Claudio. - De hecho, cuando grabamos con él, creo que nos denominó algo así como “ethnical dixie-land”,

Gerardo. - Como una mezcla de algo que no había grabado él; y digo, ha grabado cosas como Gogol Bordello, o cosas más gitanas, como gypsis. Entonces estuvo como muy curiosa, sabes. Sí, lo ves trabajando con “Nirvana” y con gente así, pero conoce perfectamente la comida mexicana, somos la segunda banda nacional con la que Baldini trabaja. Anteriormente, ya trabajó con Descartes  a Kant, en su estudio, allá en Chicago, pero era la ¡primera vez que venía a México a grabar a una banda!

Claudio. - ¡Yo sí estaba emocionado por todo!

El disco ¿lo grabaron aquí?

Gerardo. - ¡Sí! En la ciudad de León. En un estudio que se llama Testa, un estudio análogo. Es un estudio increíble, de los pocos que hay así aquí en México. De hecho, es un modelo de su estudio, porque está armado como su estudio allá en Chicago, con adobes, micros de los años 30 y 40. ¡Está muy padre!

Finalmente, en este 20 aniversario, ¿qué huella les gustaría dejar o cómo ser recordados?

Gerardo.-  Pues… ¡Nos gustaría regresar! (reímos todos). Creo que es complicado, por esta onda de los “festivalitis”. Muchísimas bandas, muchísimas propuestas; incluso propuestas que suenan al mismo tiempo, y eso complica las cosas, ¿no? Ponen a Santa y a Fobia al mismo tiempo… Pero para nosotros lo más importante es estar, y conocer a gente que probablemente no nos ha visto.  Poder regresar, pero probablemente con más recorrido, con nuevo material. Pero sí, es complicado pensar en dejar “huella” con tanto artista ahí… ¡Competir contra Santana! ¡Está como cañón! (risas chidas).

¿Qué viene acabando el Vive?

Claudio.-  Pues vamos a varias giras, León Texcoco, Durango. Y queremos sacar un disco para finales de año. También, queremos ir a Asia.

Gerardo.-  Regresar a Asia. El año pasado hicimos Hong Kong, Indonesia. Pero para este año, queremos ir a China.

La Pingo´s Orquesta estará en la Carpa Intolerante, llevando a cabo su excelente sonido este domingo 17 a las 15:30 hrs. No dejen de poner atención a esta étnica dixie band de Aguascalientes.

Guadalajara, es uno de los estados más queridos para los chilangos. Es ya una tradición que las bandas que nacen por allá, y luego se desplazan hacia la CDMX, tendrán un éxito asegurado. Producto de una mezcla que parece sacada de la unión entre el agua y el aceite, Vaquero Negro nos cuenta de su sonido y sobre sus esperanzas para este 20 aniversario del Vive.

¿Cómo se formó el grupo y por qué mezclar el sonido rockero poderoso que tienen con el hip hop?

David, guitarrista.- La banda se forma porque Nacho, el vocal hizo una rolas de lo que viene siendo el primer EP (Somos más, del 2015), de seis rolas, cuatro son de él. Nos juntamos, y al estar armándolas en un formato de voz y guitarra acústica, nos dimos cuenta de que había que armarlo en una banda de rock. Allí es donde se incorpora Nachito (baterista) y Charles (bajo). Ahí las rolas agarraron un toque medio funk, pero también como entre el rock y el rap, pero con esa esencia funky-groove. Entonces, la banda ya unida sacamos la primera rola rocker que es “Vaquero Negro”.

Cuando tocábamos esa rola, notábamos ¡que la gente se prendía! De ahí, sacamos la segunda que se llama “Intentarlo todo” y “La Locura”, rolas que salen hasta el segundo EP (Nuca dejes de Creer, 2016). Ahí, seguimos buscando ese sonido heavy la receta rocker, del hip hop, del rap. Pero es hasta el año pasado, en el 2018, donde grabamos una nueva etapa de este nuevo álbum, que sale este año, se llama “El Pantera”. Rola que produjo Jorge “Chiquis” Amaro, allá en Guadalajara. Ésta rola ya tiene afinaciones más graves, más distorsión, riffs más agresivos, una letra más agresiva… Como que todo se fue poniendo más punch.

¿Desde que nace la banda hasta el momento, sienten que la banda ha evolucionado en su sonido?

Hasta el momento, nuestro mensaje no ha cambiado, simplemente cambió la manera en que lo decimos. Esa es la evolución que ha tenido Vaquero Negro desde hace como dos años que venimos buscando ese sonido más heavy. Y como cada quien tiene sus influencias. El rap y el hip hop lo aporta Nacho (el vocalista), en tanto Nachito, le aporta ese power a las baterías. Charly, es un bajista más groovie, del funk, y a mí (David),  me gusta mucho como el blues, así como el new metal. Como que todo eso ha influido en el sonido que hemos logrado.

Pero esto ha sido un trabajo de cuatro años, donde hemos probado show tras show, qué funcionaba y qué no. A nosotros nos encanta involucrar a la gente en nuestros shows. Es un recurso que hemos utilizado, ya que al ser una banda nueva, nos apoyamos en las interacciones; para que la gente se lleve una buena experiencia y recuerde nuestra presentación.

¿Cómo está la escena allá en Guadalajara?

David.- La escena se está uniendo lentamente. A lo mejor la gente no se da cuenta, pero por ejemplo, nosotros tenemos un podcast, ahí vamos invitando gente a la escena, desde periodistas, gente. Estamos compartiendo públicos, pero es cuestión de tiempo para que Guadalajara vuelva a ser un referente.

¿De qué alimenta Vaquero Negro sus letras?

David. – Pues mira, nosotros que combinamos el hip hop, el rap géneros que tienen muchos “clichés”. Hablar del dinero, de las viejas… Nosotros no le damos por ahí, sabes. Buscamos abordar ciertos temas de problemáticas, de temas nuevos. Por ejemplo, en “Cuantos dedos ves”, es una rola que le pinta un dedo al “hate”; y a toda esta gente que te tira hate en las redes sociales. Detrás del anonimato, detrás del disfraz, detrás de una compu. Son cosas que antes ¡no había, antes no pasaba! Antes; cuándo tú le ibas a escribir  a tú artista; antes le escribías una carta… y a ver si le llega (risas). Pero con las redes, ahorita le puedes decir lo que sea, en cualquier momento, como que se ha desbordado eso. Entonces, ese es un tema.

En el Pantera, es una rola como de tipo motivacional, de salir adelante. En Vaquero Negro no queremos depender de nadie, vamos para adelante y eso es lo que queremos compartir, a través de la música, de un show. Pero que la gante la pase muy padre y que nos entretengamos, sacar toda esa locura, toda esa energía, ¡pasártela chingón, pues!

Para ustedes que nacen en tiempos de las redes, que usan plataformas para difundir su mensaje ¿qué balance sacan frente a otras plataformas como la radio o la tv?

David. – De la radio; yo sigo pensando que estar en la radio tiene su peso, estar en tele, tiene su peso. Pero con las redes sociales; son las herramientas que los artistas podemos usar a nuestro placer. El potencial que tienen las redes es enorme. De ahí que nosotros estamos viendo la manera de cómo conectar con la gente, a parte de la música. Por eso tenemos un podcast. Allí nosotros compartimos: “quiénes somos y qué hacemos”. La idea es compartir con la gente, qué hay detrás de cada historia exitosa…

¿Habrá alguna variación para este Vive Latino en lo que será su show a como cotidianamente se presentan?

Nachito, baterista. – Pues para este show que será un poco más breve, vamos a dar un show más concreto, más contundente. Vamos a salir con toda la carne al asador. Tenemos varias sorpresas, entre ellas, una rola que recientemente acabamos de lanzar, es un video que hicimos con María Barracuda, se llama “Por ti”. Y María se va a subir con nosotros, porque ella va a tocar en el mismo escenario el domingo.

David. – Todo se alinea. Y qué mejor manera que cantar con ella en el Vive Latino. Y bueno, pues nada, agradecer a toda la gente que nos sigue y que nos va a ir a ver, así como todos los medios. Para nosotros es un honor ser parte de la escena que representa al rock mexicano, y un honor ser parte del aniversario número 20 del Vive Latino. Nosotros queremos dejar una huella, queremos que nos recuerden precisamente por nuestra manera de trabajar y por el show que vamos a dar. ¡Muchas gracias!

La entusiasta y poderosa banda Vaquero Negro, provenientes de Guadalajara, tocará el domingo 17, a las 17:05 hrs; en la Carpa Intolerante. De verdad, la energía que sueltan estos chicos los va a conquistar. Chequen y pónganle mucha atención.

El Ska es un género ya consolidado entre la chaviza, probablemente habrá siempre detractores por parte de algunos puristas sobre este sonido. Lo cierto es que el Ska es un movimiento ya transgeneracional, que sobrepasa sus ya 40 años de vida. Qué mejor propuesta, en ese sentido, que los Rude Boys. Grupo oriundo del estado de México, y con un gran número de seguidores a través de sus redes. Su vocalista, ya nos vaticinaba hace tiempo que algún día estarían en un Vive Latino. Por ello platicamos con el cerebro y frontman de este grupo, que rescata al Ska en su más puro estado.

Fego, hace 6 meses nos reunimos aquí, precisamente  en este Hamburgo Market. Y ya citabas esa hambre de estar algún día en un Vive, ¿qué ha pasado en los Rude Boys que los tiene en este Vive Latino?

Fego, vocalista y alma de la banda. – Pues hemos estado trabajando, logramos sacar el video que te contaba, el de “Los Archivos Perdidos”. Esto ha impactado en la banda, además, la proyección que hemos tenido. No hacemos tanto alarde, porque no va con nosotros. Para este Vive Latino, vamos aprovechar y tocar la canción con la proyección del video. Por otro lado, tuvimos recientemente la gira de los 18 años de la banda. Moviéndonos por todos lados, radio, televisión.

¿Cómo te sientes previo al evento y la banda?

Qué bueno que la gente viene asimilando cada vez más el proyecto que es los Rude Boys. Aunque no te voy a negar que estamos un poco nerviosos por lo del día, pero también ya estamos más que curtidos en esto de subir al escenario y enfrentar al público. Pisado espacios en otros lados, pero qué mejor que estar en uno de los más importantes festivales como es el Vive Latino… Sí nos da como un poco de “mello”, pero no te preocupes, al primer guitarrazo se nos va a quitar (risas).  Pero pues ¡ya, que se acerque el Vive, me urge subirme ya!

Desde esa ocasión que platicábamos, el estado que guarda la banda ¿han realizado por decirlo de algún modo, alguna reingeniería; qué les has planteado?

Fego. – Obviamente nos replanteábamos qué iba a pasar a partir de que estuviéramos bajo los reflectores, de todo este monstruo que se llama Vive Latino. “Qué es lo que queríamos”, si queríamos ser músicos para siempre, o verlo tan sólo como un hobbie. Creo que todos coincidimos, así como nuestro equipo de trabajo, en continuar por la línea del trabajo. Si queríamos estar dentro de lo que es el “libro del rock mexicano”, pues nos enfocamos en que tendríamos que trabajar “todavía más duro de lo que veníamos trabajando”. Hemos estado ensayando, en entrevistas. Yo lo que plantee, hace tiempo, fue que si querían una vida de rockeros, habría que estarse mentalizando en ello. Neta, esto conlleva mucha responsabilidad. A parte, te conviertes en una figura pública, y a mí no me gustaría darle un mal ejemplo a las generaciones más jóvenes.

Dentro del grupo ¿se han dado fracturas tras 18 años de vida?

Fego. – No para nada, de hecho mi compadre toca con nosotros. Es padre porque ya nos conocemos, sabemos de qué pata cojea cada quién y en lugar de echarnos piedras, nos apoyamos, nos aconsejamos y eso ha mantenido a la banda viva estos 18 años. Lo que yo sí quisiera, es vernos igual, cuando lleguen nuestros 20 años de vida como banda. Tocando y haciendo lo que nos gusta, así como presentando discos.

Para este aniversario del Vive ¿qué esperan ustedes, qué verá la gente que aún no les conoce y qué piensan de que hay que arrojar sangre nueva al Vive?

Fego. – Pues nos vamos a presentar como siempre, como somos. Para quienes ya nos conocen, ellos ya saben qué onda, pero para esos que aún no saben de qué va la banda; ¡ten por seguro que los vamos a contagiar! Sobre todo, por toda la gente que va a estar cantando y bailando ese día. Nosotros vamos a disfrutar del evento ese día, vamos a hacer el escenario nuestro. No invitamos a nadie, artistas o de gente que nos rodea, del medio; porque queremos que sea por nuestros propios medios. Nosotros llegamos por nosotros mismos, y queremos que así nos vean y nos conozcan. Queremos empezar con el pie derecho, porque sabemos que iremos subiendo peldaños, de escenario en escenario. Consolidar a la banda e internacionalizarla, porque la verdad es que hemos trabajado mucho para lograr eso.

Los Rude Boys estarán tocando este sábado 16 en un horario privilegiado, a las 18:55 horas, el Ska del barrio, se verá en la Carpa Intolerante, para esta 20ª edición del Vive Latino. Habrá mucha gente que irá pasando, y seguramente: ¡se quedará!

Eutanasia Fest, nos llevó a la esencia del gótico ochentero, en pleno siglo XXI

Mementut // Trans-X // Selofan // Trisomie 21 en el Indie Rocks, col Roma. Fotos: Enrique L´pez Moreno.

México, 6 marzo.- Con mucha anticipación, y a través de las redes sociales el Eutanasia Fest venía haciendo su labor. Generar la máxima difusión al gran cartel con el que contarían, para el pasado 2 de marzo. La cita fue en el foro Indie Rocks, en Zacatecas #39, en la Roma. Con un retraso en la apertura de puertas, así como el inicio del evento, las obscuras sombras y etéreas ya formaban un solo y gran espíritu en torno a las bandas que ahí tocarían. Esfuerzos realmente teatrales por parte de algunos de los asistentes, me recordaban  imágenes de videos, donde el entusiasmo de los asistentes; acudieron con sus más elaborados looks para ver a sus ansiadas bandas. Apariencias enteramente darks, cuidadosos e  ingeniosos maquillajes blanquecinos sobre negros, ropas verdaderamente elaboradas, desde el clásico dark ochentero, pasando por los techno-dancers, fetiches, steampunks etc.

Por fin, ya dentro y tras una exagerada revisión por parte del personal de seguridad, que hacía lentísimo el acceso; tratamos de ubicar el escondido baño. Pues con más de medio litro de agua en mis riñones  que previamente me había empinado debido a esta ola de calor, que creo será así para casi todo el año, recorrimos el Indie Rocks para encontrar el mejor punto del escenario…

En lo que es el balcón de esta antigua casona, hoy escenario de espectáculos. Emergía Mementut, dueto post punk experimental. Tras dos años de haberse formado, el sonido de éste arreglo sonoro tiene una gran potencia, particularmente en la línea del bajo. Sus influencias son claras aún en su sonido, es posible percatarse de ecos sonoros que mezclan el estilo de Bauhaus, algo de Joy Division, particularmente en el bajo,  y ese fondo mono estéreo típico del punk, pero con la melancólica reminiscencia de los Siouxsie And The Banshees. Sus atmósferas son siempre a tope, como carrera que pegas tras haber visto una sombra extraña y de noche. Las liricas que aborda el grupo son sobre “la política, las guerras y la religión en la mente de un ser humano con enfermedades mentales y/o daños psicológicos, un apego a temas relacionados a condiciones como el autismo, la sociopatía, la psicopatía y la bipolaridad, el odio/amor a la oscuridad de Dios, la inestable meditación para alcanzar la paz en un lugar sin luz o esperanza y aquello que solo los individuos trágicos pueden percibir en sus emociones”.

Su nombre es la combinación de  Memento, del latín “recuerdo” y, Tot, muerto, en alemán. Algo como un “recuerdo muerto”. Esta idea provine de aquella teoría médica que, cuando una persona fallece, aunque clínicamente se le declare como “fallecida”, existe la teoría de que en el cerebro, aún existen registros de algún recuerdo que no ha dejado de existir.

Pasadas las 21:00 hrs, aterrizaba la nave de Trans-X. Con un gran cúmulo de horas vuelo interestelar, la historia del Synth-pop, el High Energy y el Space Disco que nacía en los 1980 y se asentaba duramente en México, subían al entarimado. Pascal Languirand, oriundo de Quebec, Canadá. Con sus ya, quizás más 37 años de carrera profesional musical, carga con un extenso listado de álbumes en estudio, videos, acoplados y sencillos que  sonaron por años en la radio nacional. Cómo olvidar el exitoso single “living on video”,  track que vaticinaba lo que sería los sonidos electrónicos de hoy día en bandas tanto nacionales como de otros países. O el “Message on the Radio”. De hecho, el nombre de esta banda, según cuenta el mismo Pascal, surge del álbum Trans Europa Express del grupo alemán Kraftwerk (de quien ya tuvimos la oportunidad de entrevistar a uno de sus miembros), ya que Pascal considera que ese álbum sería el parteaguas y ruptura, que pondría los cimientos para todo lo que hoy conocemos como la música “electrónica”.

Si algo hay que agradecerle a este gran músico, es ese tino que tiene al escoger esas voces femeninas que regularmente abren las puertas a la inquietud. Esa sensación de tratar de saber “quién puede ser esa sensual voz”. Pero en la era digital, es posible descubrir a través de un toque, esos detalles antes tan difíciles de conocer. En Tans-X, hemos escuchado desde la bella Laurie Ann Gill, hasta su actual y sensual vocalista, la bella y carismática Lily Contreras, quien además, es locutora en una estación de radio. Empezaba su show y de pronto, hubo que parar. Pues la batería de Aletz Franco no sonaba. Subían los técnicos, revisaban, y ahora el que ya no sonaba era el sintetizador de Pascal. El tiempo transcurría y a los fotógrafos ya nos quieran remover, pero no habían tocado ni una sola pieza. Y como suele ser, el ingenio nacional se hacía presente. “Pascal y si lo apagan y encienden” “Pascal, pásales factura” entre otros comentarios, sacaban la risa nerviosa de la sensual Lily. Revisaban cables, y tras 15 minutos más, por fin, la vieja escuela del sintetizador y los ritmos pegajosos comenzaban a sonar. A través de una extensa gira por sus grandes éxitos sonoros de ayer y de ahora, los fans bailaban y se contorsionaban de formas muy ajenas a la época de los ochenta, pero con el mismo entusiasmo. De este modo, Trans-X dejaba extasiados a muchos fans que sudaban copiosamente, envueltos por el tremendo calor en la antigua casona.

Se hacía una pausa para montar el escenario a la siguiente banda, la muy esperada agrupación griega: Selofan. Éste es un proyecto que recupera y renueva toda la escena gótica inglesa y europea, para dotarla de nuevos bríos. Compuestos por la excéntrica magia de Joanna Pavlidou y el multinstrumentista Dimitris Pavlidis, el dueto conectó con la gran audiencia mexicana. Grecia, es la nación helénica que más le ha aportado a la humanidad. Desde el campo de las ciencias y humanidades, la geometría, la filosofía y el amplio espectro del arte, así como esta conexión que tenemos con los muertos. Quizás de ahí, que el vaso sanguíneo que hay entre Grecia y México, esté más cerca de lo que creemos.

Ataviada por un vestido rojo a rayas negras, sin mangas, medias de malla negras, así como un top de igual material que cobijaban sus brazos, para rematar en unos guantes negros. La inmensa y delgada rubia Joanna Pavlidou, emergía envuelta por una nube que la iluminaba desde el fondo, como el espectro de una hermosa muñeca macabra. Un delineante negro grueso, acentuaba sus inmensos y expresivos ojos, algo de rosa sobre sus cejas y una bisutería que decoraba tanto su cuello, manos y cintura para jugar en ese contraste de elegancia; dada la importante noche, para ellos y su público mexicano.

Selofan es ya una banda que podemos considerar: una consagrada.  Pese a su estilo de vida underground. Cuenta con seis álbumes, con tracks interpretados tanto en su idioma natal, francés, inglés y algo de alemán. Desde la extensa fila que hacían los admiradores, la entrega de la banda hacia el público fue total. En varios momentos la gente coreaba fragmentos de sus rolas. Ya en inglés, francés y griego. Las manos se extendían intentando alcanzarse, franqueando el espacio que creaba la valla y los artistas. Incontables esfuerzos se dieron a lo largo de su presentación, intercambio de plumas, hojas y discos para que se los autografiaran. Desde al arco de un muro, que era mi esquina, sonrisas extasiadas se veían detenidas por las luces del escenario.

El ritmo que llevaba Selofan era tan cadenciosamente contagioso, que  probablemente espíritus envidiosos, lanzaron alguna suerte de hechizo que interrumpía bruscamente con un apagón la energía que alimentaba los instrumentos durante su presentación. De nueva cuenta, un batallón de técnicos subía a revisar el sistema linfático de cables para ver qué había pasado, tras 15 minutos de espera, se reanudaba el performance mortuorio musical.

A poco de terminar su show, era hora de celebrar el cumpleaños de Joanna Pavlidou. La productora (Eutanasia Producciones), le tenía un pastel con sus velitas, para que la vocalista fuera homenajeada con su público. Era muy notorio el sentimiento de estar conmovidos. Tanto Joanna como el mismo Dimitris. Así un coro, ya no griego, sino enteramente mexicano. Entonaban las mañanitas con todos sus fans. Un pastel y flores se presentaban en su honor, seguida de una lluvia de aplausos que los invitaba a continuar. Para los Selofanes, la noche era larga, pues al grito de "¡Selofan, Selofan!” la banda pedía más de ellos, y así fue. Selofan era la banda donde los corazones mexicanos se entregaron por completo.

La última y más extensa pausa fue de unos 30 minutos aproximadamente. Tiempo forzosamente requerido para hacer más pruebas al audio, ya que a las tres bandas anteriores les venía fallando. Así aparecía otra leyenda más sobre el escenario: Trisomie 21, agrupación gala, que para algunos, “era más que suficiente”. Este trío nace en 1981, y viene conformado por los hermanos Phillipe y Hervé Lomprez. Durante un tiempo les acompañaron Michel Matuszak (amigo y mentor) y Pascal Tison (en el bajo). Actualmente cuentan con un nuevo guitarrista, un joven que le impregna más potencia y energía al sonido de ésta banda.

Los Trisomie 21 son (sin decir menos), una elegante banda; como suelen ser muchas de las producciones francesas. Estos artistas, muy completos en su formación, se adueñaron con enjundia del escenario; pues la tarea no era ya para nada sencilla, desde que Mementut había pisado el entarimado, el nivel de calidad subía y subía en crescendo. En tanto, el metrónomo marcaba a un ritmo de ¾  en la clave de sol. Con tan larga trayectoria, la madrugada no daría para que sonaran toda su producción. Así que temas seleccionados a lo largo de su trayectoria musical, así como su más reciente material “La elegancia no muere” (2017), serían piezas escogidas que arropaban la calurosa noche que no cedía.

Bien calibrada, la banda así como su sonido, los eslabones se unían bien aceitados sobre cada piñón, los cambios de velocidades dejaban la navegación en una solo velocidad, dejando una trayectoria limpia y a barlovento, provista de gran alegría. Donde los fans ya no soñaban, eran parte de una gran noche con boletos agotados. El Indie Rocks tiene una placa que señala que ese es un espacio que admite hasta seiscientas y pico de almas, seguramente ¡así se encontraba!

Sin espacio para las dudas, al final. Los obscuros espíritus que habitaron el Indie Rocks, abandonaron el recinto desvaneciéndose conforme la luz retornaba hacia el planeta Tierra. Aquellos oídos que se hicieron vista, sensaciones, olfatos y lenguas que se saboreaban mientras danzaban; llevaron sus respectivas cabezas a reposar sobre sus respectivas almohadas. Sus sueños, intentando reparar los aporreados huesos, tras haber disfrutado de una gran noche gótica, y con la satisfacción de que Eutanasia Producciones, había logrado lo impensable. Reunir en una noche y de manera tan exitosa a bandas del dark-punk-post-new wave-dance-pop-synth pop y space disco de tan alta calidad, tanto nacionalmente como a nivel internacional en un solo lugar.

Epílogo: músico pagado, toca mal son.

Proyectos artísticos jóvenes, así como de larga trayectoria; compartieron el escenario gracias al entusiasmo de la productora Eutanasia. Sin embargo, los incidentes con el audio hacia los artistas es un detalle al que le deben poner particular atención. Pues a Mementut le falló en varios momentos, pero se corrigió de forma expedita, tal vez por lo breve de su presentación. Donde las cosas pasan a semáforo de alerta en naranja es con Trans-X y Selofan. Con uno, tardaron alrededor de 15 minutos en arreglarlo, ocurriendo en el arranque, pero con Selofan; a mitad de su evento, ¡un corte absoluto en el audio! Un acto verdaderamente garrafal.

Esto es de llamar la atención, pues los que llegamos temprano, pudimos escuchar cómo se llevaban  a cabo las pruebas del audio o el famoso “sound check”, previo al inicio del concierto. Este ejercicio se realiza siempre; con la intensión de evitar que lo ocurrido pase, y no al revés. Estos detalles son los que empañan a tan maravilloso espectáculo, pues el esfuerzo que realiza una productora para conseguir a los artistas, encontrar el lugar y armar toda la logística, para que se descuiden los detalles y se trate mal al público y se dé una imagen de falta de profesionalidad con los artistas, limita que éstos regresen con la intensión de ofrecer un concierto en México.

Y es que este Eutanasia Fest, estuvo siendo observada con la daga de la muerte, pues cambiaron de sede, cosa complicada, se les enferma un integrante de otra banda que ya no pudo llegar, y que formaba parte de este ambicioso cartel, la muy esperada Levanon Hanover, los problemas con el audio, es decir, difícil tarea les toco a los organizadores como para que los técnicos del Indie (o de la productora, no sabemos de dónde provinieron estos detalles) dejen notas mal tocadas. Sin embargo, tras todos estos traspiés, el evento fue un rotundo éxito. No sólo para la productora, sino para la gente y los artistas. Con un lleno absoluto, no cabía nadie más en la casa de Zacatecas #39, en la colonia Roma.

Vale la pena estar al pendiente de los eventos de Eutanasia producciones, ya que este ejercicio lleno de entusiasmo deja ver que escogen muy bien la secuencia o menú que se habrá de degustar. Así, como encomiarles a que se desplacen como originalmente estaba planeado este festival obscuro, un poco al norte de la CDMX, ya que por estos rumbos, han dejado de traerse eventos de tan elegantes ropas.

Aguamarina, “la niña que piensa en vos”. Revisamos el disco epónimo de la cantautora argentina.

Portada del disco Aguamarina (ídem)// Foto proporcionada por la artista.México.19 febrero. Revisar un disco es toda una aventura. Desde cómo nos  conectamos con los primeros acordes, las primeras notas; y ese magnetismo al que son atraídos nuestros sentidos. Así, el cómo va hilvanando cada una de las notas musicales que atraviesan nuestros oídos. Notas, que irán construyendo carreteras de imaginación.

Hoy, revisaremos el disco de Aguamarina. “la hormiguita bonaerense que labora y labora desde el jardín, para lanzar sus flechas al viento; en espera de ser escuchada”.

Aguamarina, se edita y produce en 2018. El acoplado está compuesto por 9 tracks o pistas: 01 - el camino del agua, 02 - pájaro azul, 03 – lalá, 04 - nada que entender, 05 – territorio, 06 - tu hogar, 07 – unidad, 08 - amanece por fin y 09 - viene del corazón.

Como ya mencionábamos, en la entrevista que sostuvimos con la cantautora (el pasado 2 de febrero), Agua nos comentaba que cada una de estas canciones, son los brazos de una familia, donde todas ellas, van unidas por su voz.

¿Cómo es cada una de las flechas musicales que lanza esta joven intérprete? En el “camino del agua”, primer track de este álbum epónimo. La línea sonora se sostendrá por una emotiva guitarra acústica, instrumento que impulsa a vocablos antiguos provenientes del sur del continente Americano. Las primeras notas que salen, me  recuerdan al sonido de los Caifanes. La rola es casi un canto a capela, llena de ritmos sincopados. La acompañan unas palmas de mano y tal vez una cabasa, que suena a cascabeles que imitan el torrente de agua.

Posteriormente viene “pájaro azul”. Rola que podemos considerar como el sencillo con el que se mueve este álbum. El video, del cual dejamos en enlace https://www.youtube.com/watch?v=jgzz8PZjpO0 Es un video hermosamente narrado. Usando como telón de fondo, encontramos un tapete de hojas en diferentes tonos ocre. Allí, un teatro nos narra la historia de un pájaro azul y la niña que sueña con él. La voz tersa de Agua, nos susurra dicha historia. El tambor marcha con su escobilla a ritmos jazzísticos, mientras la guitarra pulsa como viento que viene del sur.

Lalá”, es una pieza que abre un gran portón, dada su amplia sencillez. Un piano toca las primeras notas, antesala hacia ese gran espacio: el universo. Ya inmersos en ese cosmos que nos observa, la narrativa nos pone entre manos la importancia de nuestra presencia en la vida o en la Tierra, de ese polvo cósmico que somos. El misticismo de esta composición, dada la presencia del arpa, otro instrumento que acompaña a la voz, mantendrá un dialogo con un infante. Alrededor de esta esfera narrativa, presenciaremos la fragilidad de lo que somos. Para finalmente, agradecer a la vida, el uso de ese espacio que ocupamos.

Nada que entender”, es una pieza de amor. Una donde no habitan explicaciones claras, todo tiene un nombre, y se convierte en referente, pero nada parece ser. Sólo existe, y se vive. Armada a contratiempos, la sensación que experimentamos mientras suena esta pieza, es la de que el tiempo sonoro transcurre a través de pinceladas. La guitarra acústica como siempre, sonando delicadamente.

Territorio”, es quizás, la pieza con más potencia. Desde el arranque, la guitarra acústica de Agua se ciñe a la cintura del baterista. Las atmósferas inclasificables que nos “¡suenan a eso, pero a eso, también!, se manifiestan El violín, así como el chelo, engrosan la voz de Aguamarina, y dentro de esa fuerza, nos sentimos con el ímpetu que nos anima a correr envueltos por una contagiable alegría. (Una de mis favoritas). 

Tú hogar”. La atmósfera aquí, aunque no llega a la esencia del progresivo, se alimenta de sus ideas. Armada con unos sonidos electrónicos, muy discretos, que emergen desde el fondo, los cuáles nos rebasarán en cierto momento, irán acomodándose al lado de las dos guitarras, la acústica y la eléctrica. (Me da la sensación de volver a sentir las visiones con las que alguna vez nos visitara Soda Estéreo, pero siempre con la esencia de Aguamarina). Su letra, como en todo el recorrido, abarca el mundo de sus vivencias, de las cosas que Agua nos viene contando, de lo que ella ha buscado qué decir y qué es lo que quiere cantar.

Unidad”. Obra que pone sobre la mesa el mundo de las dualidades, el estar dentro o afuera, el blanco o el negro, lo importante es buscar la esencia, la unidad.   Para volver sobre nuestros pasos y de este modo, aprender a resolver nuestras diferencias.

Amanece por fin”, es otra de las piezas más bellas. Enriquecida  por sonidos de oriente, pero armada artesanalmente en las pampas argentinas. La canción se compone de violines, chelos, tambores y un juego a dos y más voces. Dichos cantos, le proporcionan el brillo a una tenue luz de la bóveda celeste. Aquí, otro mensaje más sobre nuestro paso por este planeta Tierra.  De un viaje que comenzó en alguna parte, y aún sigue.

Viene del Corazón”, última pieza y el cierre de este primer viaje que es Aguamarina. La chica que luce congelada en su bóveda de cristal, rodeada de flores lívidas, detenida en el tiempo. Las últimas notas son las de un piano que sella la tapa al viaje que nace en Buenos Aire, se muda a la Patagonia, y de momento se encuentra en  Córdoba, en la inmensa cierra Argentina.

La construcción artesanal para este primer disco corrió a cargo de: voz, letras y composiciones de Aguamarina// Diseño Gráfico: Esteban Goicoechea// Fotografía de tapa: Gisela Volá.

El camino del agua : Aguamarina: Voz y Guitarra//María Di Pace: Guitarra y arreglo//Diego Lozano: Bajo y Programaciones//Ignacio Svachka: Batería y Percusión.

Pájaro azul: Aguamarina: Voz y Guitarra//Nico Spivak: Guitarra y arreglo//Amanda Irarrazabal: Contrabajo//Mario Gusso: Batería y Percusión.

Lalá: Aguamarina: Voz y Guitarra//Marcela Viciano: Coros//Diego Lozano: Piano, Sintetizador, Guitarra, Programaciones y Coros//Lúmina Grisanti Virasoro: Voz de Niña//Gonzalo Danguise: Bajo//María Di Pace: Arpa y arreglo//Ignacio Svachka: Percusión.

Nada que entender: Aguamarina: Voz y Guitarra//Gonzalo Danguise: Bajo//Diego Lozano: Guitarra y Programaciones.

Territorio: Aguamarina: Voz y Guitarra//Amanda Irarrazabal: Contrabajo//Lucía Gómez: Cello//Mario Gusso: Batería y Percusión.

Tu hogar: Aguamarina: Voz y Guitarra//Gonzalo Danguise: Bajo//Diego Lozano: Sintetizador//Matias Kupinsky: Guitarra Eléctrica.

Unidad: Aguamarina: Voz y Guitarra//Rodrigo Carazo: Coros y arreglo//Diego Lozano: Guitarra//Gonzalo Danguise: Bajo//María Di Pace: Ngoni y arreglo//Ignacio Svachka: Batería y Percusión.

Amanece por fin: Aguamarina: Voz, Guitarra y recitado del poema "Tiempo del hombre", del maestro Atahualpa Yupanqui //Amit Giat: orando en árabe por la paz// Matías Mahmud Ortola: Tambur, Bendir, Laud, Hang, Coros y arreglo// Diego Lozano: Sintetizador.

Viene del corazón: Aguamarina: Voz// Diego Lozano: Piano y Programaciones.

Este primer trabajo sonoro fue grabado de manera gratuita en el Estudio Urbano, espacio de formación y promoción de la música independiente, de la Dirección General de Música del Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires.

Para descargar el álbum completo o por partes, dejamos el siguiente enlace https://store.cdbaby.com/cd/aguamarina  No dejen de darle like y seguir a esta cantautora, sencilla y muy elocuente en su red de Facebook como: Aguamarina Canciones.

O bien, anímense a escuchar el álbum y darle seguimiento a este esfuerzo legítimo y original que nace en Argentina, pero que va trazando su caminito para algún día llegar a México, en Aguamarina 2018 full álbum: https://www.youtube.com/watch?v=nErGIeqgumY&t=1s Donde encontrarán más datos de seguimiento e información para esta novedosa producción.

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